esquivando al borrego

I Sell The Dead (2008)

2010-01-04T20:26:00.004+01:00

Es genial cuando uno se dispone a ver una película de la que no espera nada, y no solo le da más, sino que acaba convirtiéndose en una pequeña joyita, imperfecta, modesta y, lo mejor de todo, hecha por gente que le tiene al género de terror un cariño infinito. Si durante este año ya veíamos "Trick or Treat", que ahondaba y prorrogaba el legado de las películas de terror juveniles de la década de los 80, con "I Sell The Dead" se homenajea a la serie B de Roger Corman, la saga de Evil Dead y los seriales y cómics de terror de los años cincuenta de la EC Comics (los de "Cuentos desde la Cripta"), todo ello adentrándose en la comedia.

La historia es sencilla y se nos cuenta a través de una confesión en forma de flashback: la que relata el ladrón de cadáveres (tema recurrente durante la época del cine dorado de terror añejo) Arthur Blake (Dominic Monaghan) al sacerdote Duffy (interpretado por el siempre maravilloso Ron Perlman), justo después de que el compañero de tropelías de aquel, Willie Grimes (Larry Fessenden) haya sido ajusticiado mediante la guillotina. Arthur intenta convencer al padre de su inocencia, no tanto como espoleador de tumbas sino como asesino: su oficio lo aprendió desde pequeño, de la mano de Willie, trabajando para un científico loco interpretado por el venerable Angus Scrimm (el inolvidable Hombre Alto de la saga Phantasma). Ven como su negocio se puede ampliar mediante la 'adquisición' de 'cadaveres inusuales' y, a la vez, ven como se enfrentan a una temible banda que les hace la competencia, la familia Murphy (con un trío de villanos de antología). Y hasta aquí podemos leer.

Todo en esta película está cuidado con mimo: las continuas referencias al cómic, el cuidado y detallado diseño de producción, los diálogos que se van produciendo sin descanso y que, lejos de aturrullar, hacen que la acción avance a un modo frenético... Se nota que Glenn McQuaid es un gran aficionado al género y que su única intención es la de ofrecer un espectáculo digno, conciso (la película se alarga poco más de los setenta minutos) y que incluso se puede disfrutar con toda la familia. Si acaso se le podía haber sacado más partido al trío de villanos, pero es pecata minuta para un entretenimiento dignísimo que pasa como un suspiro y deja con ganas de más.

The Echo (2009)

2010-01-04T12:22:00.006+01:00

Nunca antes se había producido este furor que llevamos, de cinco años para atrás, en lo que concierne a remakes. El norteamericano medio parece ser tan vago (o seo creen los que mandan en la industria del cine) que se niega a leer subtítulos, y prefiere gastarse una pasta en 'americanizar' el éxito europeo/asiático del momento. Los ha habido, principalmente, de dos clases: los que superaban ampliamente el original ("The Ring") y los que entraban en el territorio de la vergüenza ajena (aquel engendro llamado ''Pulse'', basado en la exquisita "Kaïro" de Kiyoshi Kurosawa). Pues bien, esta "The Echo" pasa a quedarse en territorio de nadie: ni se le puede sacar la gracia poniéndola a parir, ni se nos ponen los pelos como escarpias al ver que, hijosdeputa, estos americanos lo han vuelto a hacer.

"The Echo" está basada en una película de Singapur llamada "Sigaw". Una historia de fantasmas, típica y tópica, de esas en las que unos cuantos espíritus se quedan en el limbo y alguien tiene que ayudarlos. No tengo ni la más remota idea de por qué se llevó a cabo el remake: como ya he dicho antes, la historia está sobada y aporta ''0'', la nada más absoluta. Pero nada: aquí la tienen de nuevo. ¿Puntos a favor? La fotografía no está nada mal; las intenciones de querer ir construyendo poco a poco el suspense en base a elementos cotidianos como son los ruidos a través de las paredes, los vecinos inquietantes con los que no se tiene relación... Pero nada de esto funciona si está al servicio de un esqueleto argumental que, aún siendo flaco, adolece de tener más cabos sueltos que el golpe de estado español.

"The Echo" habrá ido a engrosar, directamente, las estanterías del mercado del DVD, y ni por esas el director (el mismo que perpetró la anterior), Yam Laranas, ha cargado las tintas en algún arrebato de violencia extrema y se queda en una tontería rayana en "Poltergeist", pero que, encima, no entretiene ni un tercio de lo que aquella.

The House Of The Devil (2009)

2009-12-30T17:07:00.004+01:00

Es curioso que, en pleno siglo XXI y los cines abarrotados de adolescentes ansiosos de emociones fuertes, un cineasta tenga los bemoles de hacer un ejercicio de estilo como el que ocupa "The House Of The Devil". Porque esta cinta imita, a la perfección, una época del cine de terror que, hastiada del gore y la violencia rural que se estilaba en cintas como "La Matanza De Texas", buscaba el terror en la cocción lenta, alejada de efectismos.

Una chica estudiante del segundo curso de la universidad está cansada de que su compañera de habitación sea una puerca (en todos los sentidos). Es por eso que se busca una casita para ella sóla, pero ¡ay! tiene muy poco efectivo en su cuenta corriente. Manos a la obra, y a buscar trabajo, de niñera que es fácil, cómodo y rápido. En cuanto encuentra uno y una amiga la lleva en coche, una casona antigua, apartada, todo comienza a enrarecerse.

Esta película está hecha para los amantes del cine de terror de toda la vida: esos que tenían una paciencia infinita para esperar a los últimos veinte minutos en los que se desplegaba toda la furia que, poco a poco, se iba apuntalando con detalles sutiles y con algún que otro golpe certero hacia la mitad de la cinta (el primer momento sangriento es inesperado y te coge de improviso). El apartado técnico es asombroso: todo está cuidado al detalle para hacernos creer que esto, en realidad, es de 1980: el uso de walkmans, los vasos de coca-cola enormes, el vestuario, los peinados, la ambientación en general, los gozosos títulos de crédito (aquellos en los que, cuando salían los rótulos anunciando el nombre de la protagonista, la imagen se congelaba) e incluso la participación de alguna leyenda viva de la nostalgia terrorífica (esa Dee Wallace)... todo puesto al servicio de una historia de rituales satánicos, esos que tan en boga se pusieron ante la caída del espíritu hippie, y que tiene su máximo exponente en el macabro suceso que se llevó la vida de la

bella Sharon Tate a manos del clan Manson.

No es ni mucho menos comparable a enormes joyas del calibre de "La Semilla del Diablo" pero por hacerse un hueco en una época como esta, y por destilar tanto mimo y cariño, se merece una visión. En casa, con las puertas y ventanas cerradas, y con la lluvia dando en la ventana.

TRAILER

Eden Lake (James Watkins - 2008 - GB)

2008-11-13T20:25:00.005+01:00

De un tiempo a esta parte, un par de títulos han coincidido en temática dentro del cine de terror: la de acosadores y psicópatas menores de edad. Quizás los guionistas se estén dando cuenta que el miedo y lo desasosegante cada vez se da más la mano con el salvaje y primitivo mundo de la infancia. Una, la más antigua, Ils, jugaba la baza del enigma: una pareja era acosada por una panda de chavales hasta darles muerte, pero sólo hasta el plano final se nos revelaba el origen de tales agresiones. La otra, estrenada este año y con resultados bastante funestos, es The Strangers, donde el director se leyó minutos antes el manual del susto y, con elementos que podrían haber funcionado a la perfección con una mano maestra (pienso en el Carpenter de Halloween y se me ponen los pelos como escarpias), pergeñó una insulsa muestra de, otra vez, survival horror, con una pareja en crisis siendo acosada en una casa por un trío de psicópatas que acaban con su vida, simplemente, por placer. Hemos obviado Funny Games por ser un remake calcado, aunque, en el fondo, tiene la misma temática.
Eden Lake parte de una premisa habitual en los survival horror: una pareja va al campo a disfrutar de un idílico fin de semana en un lago llamado, precisamente, Eden. Un encontronazo con una pandilla de adolescentes más bien talluditos (no superan los 16 años ninguno de ellos, y esta vez de verdad, no como en nuestros castings para las series de jóvenes... ya me entienden, treinteañeros imitando a zagales) convertirá su jornada en un infierno. Hasta aquí, el argumento les puede dar una pereza tremenda, pero no se confundan. No estamos ante el típico producto sensacionalista, gratuito, o efectista. No, tampoco se confundan. No estamos, tampoco, ante cine social y aleccionador a lo Ken Loach. Aquí hay sangre, y dolor, mucho dolor. En la película de John Boorman Deliverance, se apuntalaban las reglas del survival horror: terreno salvaje, intrusos en una localización poco generosa en cuanto a extranjeros y una anécdota que dispara todas las alarmas y hace que, el más sensible de los urbanitas sociables, se convierta en una máquina asesina y desesperada por la supervivencia. Eden Lake no es una película fácil: empatizamos con la pareja a las primeras de cambio y asistimos a pasajes que, todos más o menos, hemos sufrido (es decir, los primeros diez minutos... el que abusa del débil usando la fuerza del grupo). A esto se le une un mensaje que vertebra toda la película, que brilla intensamente en un pasaje durante la primera mitad, y que estalla en toda su inmensa crueldad en los últimos y desoladores cinco minutos: que la violencia engendra violencia, que de tal palo tal astilla, que la culpa de todo la tienen los padres. El plano final remata todo el espiritu pesimista de una obra necesaria, incómoda de ver, casi perfecta en su ritmo y economía de medios: el joven desprovisto de moral, ausente de valores, aislado en la burbuja que, palo a palo, ostia a ostia, se ha ido formando, que se mira al espejo y se siente orgulloso de lo bien que le sientan unas gafas rayban aviador.
Presentada con brillantes críticas en el pasado festival de Sitges, Eden Lake es la prímera película del director británico James Watkins, culpable del guión de aquella joya oculta llamada The Little Eye, que denunciaba los resortes de reality shows como Gran Hermano y que se ocupará de lo propio con la secuela de la estimable The Descent. Con sólo treinta años, ha conseguido tejer un híbrido perfecto entre Deliverance y ¿Quién puede matar a un niño?, una película de esas que no sabes si aconsejar, pero cuya calidad artística y técnica están más allá de cualquier duda. Según sus palabras, esta película no se disfruta. Esta película, se sobrevive. Se sobrevive, pero permanecerá en mi recuerdo mucho más que cualquier otra película que se estrene este año por estos lares.

The Strangers (Bryan Bertino - 2008)

2008-09-09T00:03:00.004+02:00

Hay que tener mucho cuidado con la forma en que se narran las historias. El principal problema de The Strangers es que su director, Bryan Bertino, no lo hace del modo adecuado. Tenemos una historia más vieja que el tebeo, sobre todo dentro del cine de horror: una pareja es acosada por un grupo de desconocidos en una casa aislada. A partir de ahí, el consabido juego del gato y el ratón. Unos corren, los otros persiguen, el armario como escondite, los porrazos en la puerta... la falta de tensión radica en que el director, primero, estructura tan debilmente la historia que la empatía con los personajes es nula (hacia la mitad de la película desconectas completamente, y te da igual lo que vaya a pasar); estira tanto la tensión, que acaba por provocar aburrimiento, y ni siquiera se apoya en golpes de efecto que animaran la función; simplemente, corre corre que te pillo, y sopor. Mucho sopor. Se equivoca en la fotografía, sugerente y brillante a ratos, pero en la que reina la confusión debido a un exceso de oscuridad. No acierta a elegir el tono estético adecuado (un aspecto documental le habría ido de perlas, y opta por algo así como una camara que siempre se mueve a lo "24" y un estilo, llamemosle así, de "artesano". Lo mejor es, sin duda, su duración: unos ajustados 75'(aunque se hacen pesados como una losa), cómo integra el sonido para ejercer tensión, ya sea en un tocadiscos que toca un disco rayado, o los numerosos silencios que pueblan la película, y su loable intención de ilustrar un crimen típico y frío, ejecutado por psicópatas. Bryan Bertino parece que nos dice que ha visto mucho cine de terror, y quizás con una buena historia detrás (en The Strangers, la historia ''real'' no es que sea mínima, es que casi no existe) pueda armar algo con enjundia. Películas como "Vacancy" o "Ils", con varios puntos en común con ella, son infinitamente superiores, porque hacen que su historia avance, la trufan con sucesos, hechos, acciones. En "The Strangers", una pareja lo pasa mal porque alguien merodea en los alrededores de la casa. Eso es todo.

son of rambow (Garth Jennings - 2007)

2008-08-21T10:06:00.004+02:00

El otro día escuché, no sé donde ni si ese mensaje salio de la boca de un personaje de ficción o real como la vida misma, que el que tiene nostalgia de su infancia, es que nunca fue niño. Y oigan, más razón que un santo. Si tengo que hablar desde mi propia experiencia, los 30 no los cambio por nada. Mi infancia padeció la inmunde crueldad de los niños, parecida (salvando las distancias) a las de un psicopata, con tan poca empatía como la de un dictador que se cree sólo en el mundo, y además su ombligo. En Son of Rambow se nos presenta un trozo de la infancia de un niño, cuyo padre ha muerto y vive en el marco de una familia ultrarreligiosa (su madre y su hermanita pequeña). En el momento en el que conoce un pillo, un delincuente de poca monta, su vida da un giro de 360º. Ambos están obsesionados con "Acorralado", aquella gran pelicula de Stallone de serie B, y deciden hacer una película basada en ella, gracias a la cámara que posee el pillo, y a la gran imaginación que desprende el otro crío. Huelga decir que todo es una perfecta excusa para que el director enhebre una historia que respira ternura por los cuatro costados, cine social y humano que trata a los niños como lo que son: personas pequeñas que se pegan y suben a los arboles, que insultan y juegan y se hacen cortes. Todo ello lejos de la pesada moralina que acusa nuestro cine, en ese subgénero que tan bien conocemos como es el de ''perdida-de-la-inocencia''. Porque para hacer este tipo de historias bien, uno nunca debe ceder a la nostalgia, ni analizarlo desde el prisma del adulto. Son Of Rambow se gana a la audiencia a través de una fotografía preciosista, con unos claroscuros dignos de la escuela pictórica holandesa, un uso de la animación perfectamente engarzada con las imágenes reales, y una historia paralela de intercambio de estudiantes franceses que, de tan absurda, se vuelve irresistible. En lo que más flaquea, la descripción de la ''familia'' del niño delincuente, que consta de tan solo un hermano, al tener en la recta final un peso importante y regalarnos algunos de los pasajes más emotivos de la cinta.
Con forma de cuento de hadas y fondo de terrible realidad, Son of Rambow es una cinta muy recomendable, una amalgama de géneros que bien podría haber firmado un Terry Gilliam sin lisergia, o un Ken Loach sin tantas ínfulas socialistas. Que el título, un tanto desafortunado, no os impida disfrutar de una cinta recomendada, esta vez sí, y encarecidamente, a todos los públicos.

Kunsten at Grade i Kor (Peter Schønau Fog 2006)

2008-08-04T10:54:00.005+02:00

La familia, ese maldito y necesario grupo sectario del que tanto dependemos. Tanto física, como psicológicamente, nos moldea en la infancia y nos deja preparados para un futuro, ya sea aciago o estelar. Y para bien, o para mal. En la historia del cine, muchos acercamientos ha habido al analisis de dicho estamento. Obviando los parabienes del cine moralizante, la familia siempre ha sido vista más como un tumor que hay que erradicar a tiempo, una disfunción que puede arruinarnos la vida. Recordemos cómo en Celebracion, la celebrada obra de Thomas Vinterberg, la caía del padre de familia era completamente necesaria para el saneamiento del grupo: la naturalidad del hijo que entierra al padre, y no viceversa. La caida del rey frente al peón, la estrategia natura, la selección natural.
En Kunsten at Grade i Kor se nota su procedencia danesa por los cuatro poros del celuloide. Tanto en su fotografía como en su soterrado e hiriente sentido del humor, negro, negrísimo, políticamente incorrecto. No es necesario dar demasiados detalles de su argumento: es mejor enfrentarse a esta obra durísima con los ojos ciegos de información, virgenes de prejuicios. Salta de un género a otro con habilidad de orfebre y no busca complacer, ni al espectador, ni al autor en sí mismo, a sabiendas que, sin duda, su obra levantará escandalo allá donde se proyecte: un escandalo necesario que despierte las aburridas conciencias del que piensa que, de puertas adentro, son todo bondades. Las interpretaciones son exquisitas, sobre todo la de la pareja de niños, enfrentados a escenas donde el costumbrismo mas banal se dan la mano con momentos extremos, pocas veces vistos con tanta explicitud en la historia del cine (si acaso me vienen a la mente la obra maestra de Todd Solondz "Happiness", o la incomprendida y olvidada "War Zone" de Tim Roth, películas con las que tiene más de un punto en común.
Es de recibo que esta película se vea por mucha gente, la más posible, y de todas las edades, a pesar de las escenas duras (es obvio que la infancia aquí está desechada, pongamos el tope en la adolescencia). De hecho, debido a que hablan un dialecto del danés excesivamente cerrado, han decidido estrenarla subtitulada, para que llegue al mayot número de personas posible. Es una cinta conmovedora, pulsa las teclas convenientes sin tender al amarillismo y exhibe una sutilidad que, en principio, puede chocar con su malsano sentido del humor. Además de contener una de las escenas más tiernas, preciosas y evocadoras, simbólicas, de lo que va de año. Pongan su p2p a funcionar, que merece la pena.

Stuck (Stuart Gordon, 2007)

2008-08-01T10:02:00.003+02:00

Ya nos lo contaba Kafka en su agobiante El Proceso: la burocracia es el invento de los ricos para jodernos la vida a los pobres y que desistamos de nuestras intenciones de tener relación con nuestro gobierno, más allá del de los insultos pormenorizados frente a una pantalla de televisión, o el voto del que cada cuatro años ejercemos el derecho. Stuart Gordon seguramente haya tenido algún mal día burocrático, de esos de llegar a la ventanilla y marcharte con el rabo entre las piernas porque, ay, se te olvidó una fotocopia de un ignoto documento, otro que no estaba compulsado...
Stuck salpica su trama con detalles reveladores acerca de como la burocracia puede volvernos desesperados o tomar decisiones abruptas e incoherentes. Y no sólo la burocracia: el miedo al más fuerte también puede paralizarnos a la hora de tomar decisiones relevantes. No es cuestión de desvelar nada de la trama de la nueva joyita de Stuart Gordon, aquel que humedeciera nuestros sueños más húmedos con Re-Animator, aunque el cartel poco deja a la imaginación. Sólo reseñar que con Stuck, Gordon demuestra que es un magnífico artesano de la serie b (como lo es, ni más ni menos, Larry Cohen, últimamente más dedicado al thriller que otra cosa) y que, aunque la historia que vertebra su película pueda sentirse innecesariamente estirada como un chicle, siendo más propia de un corto, es lo suficientemente inteligente para aliñarla con golpes de efecto muchísimo más certeros que cincuenta películas de Ken Loach juntas. De este modo, se nos vuelve a advertir que el cine de horror, cuando se plantea de un modo inteligente y respetuoso para con el espectador, es infinitamente más efectivo como arma social que un puñado de cintas pobladas de desempleados y lunes al sol.
Son solo 80 minutos largos para reflexionar con una bolsa de palomitas frente a ti. Un último detalle. Cómo ocurría con El Pianista, es necesario advertir que la historia de Stuck está basada en hechos reales. Es necesario en tanto en cuanto que se vuelve a hacer real el dicho aquel de 'la realidad supera a la ficción'. Y tanto.

War Made Easy

2008-07-29T19:11:00.004+02:00

No vamos a repetir aquí eso de que la realidad siempre supera a la ficción, y que una buena película documental es más terrorifíca que cien muestras de nauseabundo survival horror o slasher movie. Tampoco es nada nuevo saber que los gobiernos mienten, que sólo crean guerras para su propio beneficio, que sistemáticamente manipulan a la gente a través de los medios de comunicación, la propaganda política. Y los EEUU tienen a Hollywood y su ya más que centenaria participación en el mayor espectáculo del mundo (con permiso del circo) para que su propaganda sea el ejercicio de marketing más vistoso, eficaz y práctico, dándose la mano con aquel que crearon los chicos que estaban al mando del enano del bigotillo. "War Made Easy" no es sino otro documental antibélico, ni más ni menos en los tiempos que corren, que si bien es cierto que en algunos momentos roza lo manipulador (se siente, está destinado al público norteamericano que, votando por segunda vez a Bush a demostrado tener un CI por debajo de la media) al subrayar el mensaje que una (monótona y carente de vida) voz en off propiedad de Sean Penn mediante imágenes de desconsuelo infantil, es un documento de obligada visión para todos, sin excepción. Vibrante, con un montaje ágil y un uso apabullante de material televisivo, "War Made Easy" merece la pena al adentrarse en cómo la prensa ''independiente'' se convierte en el aliado perfecto para que el gobierno tenga inmunidad absoluta a la hora de mutilar, masacrar y asesinar. Eso sí, limpiamente, desde el aire, minimizando los ''efectos colaterales''.

Tropa de Élite

2008-07-28T21:00:00.004+02:00

Es dificil intentar hacer comulgar a los detractores de este estupendo film de José Padilha. Esgriman la baza de su supuesta adhesión fascista. Dicen que justifica punto por punto los terribles métodos que la BOPE impone en el mundo sin reglas de las favelas de Río. Que aboga por el uso de la tortura, el uso indiscriminado de la bala entre ceja y ceja, el "dispara bien y no mires a quién". Pues no. Créanme cuando les digo que si en algo es culpable Padilha, es el haber querido ser lo más objetivo posible y no tomar partido ni en un sentido ni en otro. Y se lo ha jugado todo a una carta polémica, espinosa, resbaladiza y que ha de tenerse en cuenta como lo que es: un recurso narrativo cinematográfico (no exento asimismo de detractores), el de la voz en off, que implica un sentimiento de 'sermón', 'adoctrinamiento' o, si me apuran, de 'publireportaje'.
Ocurrió, si mal no recuerdo, algo similar con aquella obra maestra del, por otro lado cineasta intachable y provocador, Paul Verhoeven. Los cortos de miras pusieron el grito en el cielo, ciegos al no ver la sangrante parodia que destilaba la cinta. Quizás no sea el mejor ejemplo para ponerlo al lado de esta "Tropa de Elite", pero sin duda a Padilha se le ha malinterpretado. Y sí, puede ser que él sea el único culpable. Pero déjenme que les diga, que a veces al crítico de cine no se le entiende lo más mínimo: si Padilha hubiese entregado un manifiesto anti-BOPE, se le hubiese tachado instantáneamente de blandengue, cobarde, y políticamente correcto. El pequeño burgués nunca está contento con la manera en que se cuentan hechos espinosos, que sin duda se les quedan cortos, tanto geografica como personalmente.
Tropa de Élite es un vibrante ejercicio cinematográfico que muta como una esponja, que se llena de principio a fin, y que se divide en dos partes: presentación de personajes y resolución de emboscada en fiesta funk en una favela, y la descripción de la operación "Juan Pablo II", una estrategia destinada a "limpiar" la zona para que el personaje pudiese dormir agusto al lado de una favela. En la primera parte uno tiene la sensación de estar asistiendo a una cinta de acción correcta, un tanto esquizofrénica, de montaje hiperquinético, pero al que tampoco se le puede sacar demasiado jugo socialpolíticamente hablando: sí, se nos muestra la situación del todo vale, de la corruptela de la policía que no se deja la piel por una mierda de sueldo, de los pactos con los narcos y de la hipocresia del estudiante de clase media que se mete una raya de coca a la vez que se manifiesta por los crímenes en las favelas (Ay, Padilha, ahí sí se te fue un poco la mano con la demamogia). Pero tranquilos. Está todo pensando: Padilha te engaña y te lleva de la mano a la segunda parte de su cinta de un modo fluido. Cuando te quieres dar cuenta, ya es tarde. El infierno de la BOPE, sus métodos espartanos de instrucción, su uso de la tortura... Todo este tramo es desolador, más si se enfrenta a la primera parte de la cinta, esa que tenía cierto aire a cine de consumo "de denuncia". Y vuelvo a repetir: si de algo es culpable Padilha, es de haber querido filmar del modo más frío posible, y haber dado la voz cantante a un padre de familia trastornado, a un psicópata que maltrata a su mujer (aunque sea dialécticamente) y que lo único que ansía es quedarse en casa y ver como otros matan (bien) en su lugar.
Otra pista para los que braman en contra de la película y su supuesta filiación filofascista: el camino que emprende el estudiante negro, de intachable valedor de sus ideales, honesto, creyente en un modo de hacer las cosas justamente a máquina de matar fría, vengativa. A ver si es verdad que allí, en Río, donde nunca he estado y creo que nunca jamás estaré, es mejor matar antes de que te maten a ti. Que eso esté bien, o esté mal, se lo dejamos al espectador.

Calvaire (Fabrice Du Welz - 2004)

2008-07-08T23:17:00.006+02:00

El horror rural no es un argumento que coja desprevenido a cualquier aficionado al género de terror. El american gothic lo ha sobreexplotado de una manera hastiable, y ahora mismo se encuentra en un buen estado de salud gracias a esa nueva corriente del 'turisteo macabro', ejemplificado en películas, más o menos logradas, como "Hostel" y su secuela, "Turistas", "Borderland" o "Las Ruinas". Apartándonos de los inefables Estados Unidos, y centrándonos en nuestro amadodiado país vecino, Francia, si tuviésemos que elegir una película para definir un hipotético "French Gothic", avistariamos en plano corto esta soberbia pieza de carnicero pergeñada por Fabrice Du Welz. "Calvaire", como su explícito nombre indica, describe el descenso a los infiernos de la represión rural de un cantante de cabaret. No hace falta que se describan aquí los detalles argumentales, a poco que haya visto el lector un par de películas cortadas por el mismo rasero. Lo que conviene detallar de una cinta como esta, es el modo en que Du Welz la ejecuta. Nos encontramos con un ritmo seco, pausado, preñado de una fotografía absolutamente espectacular. Si es verdad que hay veces en que el efectismo le pierde un poco (algunas escenas de locura descritas a través del montaje), eso no quita a que la elegancia que respira la cinta sea cara de ver en el género. Por otro lado no se exhibe demasiada casqueria, lo que no es óbice para que el espectador sufra un buen rato con lo que se exhibe en la pantalla.
"Calvaire" es una buena muestra de cine para sufrir, con un puñado de escenas gloriosas (ese baile en el bar, la violación cuasi-múltiple) y un elenco de actores intachable.
Du Welz acaba de estrenar en Cannes "Vinyan" con críticas bastante favorables.

Paranoid Park

2008-04-10T21:07:00.005+02:00

Llegará un día en el que Gus Van Sant acabe haciendo películas mudas. Películas que casi no contengan ni gestos, que todo lo que se cuente se haga con lo mínimo, elementos depurados hasta la línea invisible. Después de la trilogía conformada por Gerry, Elephant y Last Days llega Paranoid Park, premiada en Cannes con motivo del 60º aniversario del festival. Cuenta la historia de un adolescente aficionado al monopatín, que debe enfrentarse a un desagradable accidente en un parque al que sólo van chicos desarraigados y sin futuro (o casi) a desahogar su violenta frustración rodando sobre una tabla de skate. Alex es alguien normal, tan normal como cualquier adolescente con pintas postgrunge. Inane, inocuo, ataviado por la sencillez del conformismo y la rutina, vive en una familia desestructurada, pero eso no es lo que importa. Van Sant nos lleva de la mano a un territorio sinéstesico, con una fotografía abrumadora y sin que lo que se nos cuenta sea demasiado llamativo como para que impere la historia sobre la imagen. Es cine casi abstracto, que se funde con los pensamientos del protagonista, cuya silueta se diluye contra el paisaje y cuyos movimientos percuten en nuestro cerebro como la voz del hipnotista. Su banda sonora despista, el musical de Broadway aparece en momentos dramáticos y el minimalismo apuntala esos paseos por el pasillo que tan bien se le dan al cineasta desde su obra magna "Elephant". Es cine que apela a los sentidos, que se huele, se toca y se come. Y forma aleaciones entre el cerebro y el corazón
Un día, Gus Van Sant hará una película sobre un fondo blanco, en silencio, y nos la creeremos. Y nos gustará. El genio se alcanza con la depuración, y "Paranoid Park" es magra, no le sobra ni le falta nada. Un completo imperio de los sentidos.

Frontiere(s)

2008-03-26T16:13:00.004+01:00

Estoy un poco cansado de que todo el mundo diga que las películas de terror son iguales y que, a partir de la aparición de Hostel, todas estén cortadas por el mismo patrón. Todo ello revela un desconocimiento brutal acerca del género, seguramente dado por la indiferencia que produce todo aquel género que se aleja, conscientemente, de la comunidad bienpensante (llamémosle cine social), la comunidad teenager (llamémosle XXX de diseño, y por XXX me refiero a cualquier género) o, simplemente, la comunidad rancia, obtusa y arcaica que asola los medios especializados. ¿Acaso las películas enmarcadas en el holocausto nazi no son todas iguales? ¿Son, entre sí, tan diferentes las películas que narran la vida de los mafiosos arribistas? ¿Y la comedia romántica? O, si me lo permiten, el cine indie de camisas de cuadros y personajes supuestamente inteligentes... Es muy difícil innovar en un género, y, al parecer, eso no se le tiene en cuenta al cine de terror. Frontiere(s) puede que sea una copia más de La Matanza De Texas, esto es, un grupo de jovenes acaban en las manos de unos locos canibales y van cayendo uno a uno. Esto no es óbice para que la ópera prima de Xavier Gens sea una película perfectamente disfrutable, bastante grosera y cazurra, menos gore de lo que esperaba por comentarios vertidos tras su proyección en el pasado festival de Sitges. Es una cinta muy poco sutil, que englobaríamos dentro del 'gore político': lanzar un mensaje a lo bestia, como ya se hiciera en los años ochenta con aquella maravilla de Brian Yuzna llamada "Society" en la que los ricos, literalmente, absorbían a los pobres. En este caso se intenta denunciar el incremento del sentimiento fascista en Francia, con esos jovenes inmigrantes asqueados quemando coches, y Le Pen levantando el brazo y rapando cabezas. Y aunque todo sea expuesto de manera risible y burda (ese momento del padre nazi silbando el Lili Marlen no tiene desperdicio), efectista, el espectador desprejuiciado no puede sino regocijarse ante la avalancha de escenas perfectamente ejecutadas, con una protagonista que lo pasa muy mal, una fotografía espectacular, aunque en ocasiones excesivamente oscura, un par, o tres, de escenas en las que se puede pasar realmente mal (ese momento de atascamiento en el pozo minero...cuidado, claustrofóbicos). No es tan buena como "A L'Interieur", pero es una perfecta muestra de que aún se puede seguir molestando vía tripas y sangre. Mientras haya estupidos en el mundo, las películas con mensaje deben seguir este patrón.

The Mist

2008-03-13T21:06:00.003+01:00

Quizás tenga que ahorrarme bastantes quebraderos de cabeza, comentarios imbéciles por parte de los cinéflios, esa cohorte de castrados intelectuales que no saben apreciar la calidad de una buena película de género. Pero lo diré alto, y claro. The Mist es una puta obra maestra del cine de género. Y lo es porque trasciende su aparente objetivo de mero entretenimiento para urdir, adaptación de relato corto de Stephen King mediante, un microcosmos en el que se dan cita el fanatismo religioso, las conspiranoias militares, las puertas a otras dimensiones y los bichos de la serie B de toda la vida. No voy a desvelar nada más del argumento. Sólo apuntar que Frank Darabont marcará un antes y un después con esta película, donde todo sucede con una naturalidad pasmosa, donde los momentos bellos y crudos se cuentan a montones, donde el lirismo se funde con una visión nihilista y completamente desangelada de la condición humana y todo lo hace en 130 espídicos minutos, con una cámara en continuo enfoque y encuadre, unos actores desconocidos (a excepción de una brillantísima Marcia Gay Harden) en estado de gracia y unos efectos especiales que no escatiman en nada los detalles gore. "The Mist" es lo que nos hacía falta para volver a creer en los EEUU. Es la película que nunca harán ni Shyamalan ni Spielberg. Una obra anticomercial camuflada bajo la óptica de 'una más'. Y preparen la congoja, por si durante la conclusión de esta bellísima, terrible e inspirada obra maestra, se les cae el alma al suelo. El final va parejo a la descripción de la cinta. Y no digo más. Corran, veanla. Me lo agradecerán.

The Rage (Robert Kurtzman - 2007)

2008-02-27T22:03:00.005+01:00

El despiporre es sano, señores. Y en el cine es una bendita bendición, así, con aliteraciones reiterativas, alcohol, drogas y buena compañía. The Rage es un claro ejemplo de lo que el cine puede hacer por la salud mental: una gozosa nadería al servicio de la casquería más nauseabunda, el argumento más pedestre. Un científico loco y ruso, que debe ser como el doble de loco, quiere expandir el virus de la ira por el mundo para acabar con la raza humana. Y para ello, como no, secuestra a gente y las tumba en camillas, en un zulo en mitad de un bosque que parece como el escenario de un sueño humedo de Lucio Fulci. Les rebana la cabeza y les inyecta un suero azul (esta vez, por lo menos, han cambiado el color, y no es amarillo) para que se cabreen mucho y parezcan una mezcla entre la masa y Acebes. A esto que uno de ellos se le escapa, le muerde el brazo, y se larga por ahí a dar una vuelta, a recorrer mundo, o bosque. Pero le da una insolación y se lo comen los buitres, contagiándoles la plaga de la ira. Buitres iracundos asolarán a un grupo de imbéciles que asistían a un concierto de nu-metal, sacándoles los ojos y comiéndoles la piel a tiras mientras intentan quitarse el cebollón a base de correr mucho. Por entre medias, los buitres se zampan a una niña y su tío, que andaba por allí, acaba infectado. Mata a su sobrino y mientras se lo comen, los jóvenes zagales lo atropellan con el coche. Los buitres siguen haciendo de las suyas. No diré más, solo que en la recta mitad aparece un enano con la cara de la niña (en plan leatherface) y le suelta a la protagonista ''¡¡te voy a arrancar las tetas y me las voy a comer!!''. Todo aliñado con un CGI bastante cutre, efectos de video a lo Troma y mucha mucha sangre (brazos cortados, hachas en mitad de la cabeza, explosiones craneales, babas, empalamientos, etc) que nos retrotraen a esa época en la que nos excitábamos tanto viendo una película así, en pijama, en el sofá, que teníamos que ir a hacer pis cada dos por tres. Una gozada, demonios.

Jack Ketchum's The Girl Next Door

2007-12-18T22:35:00.000+01:00

Es tremendamente difícil intentar poner en pie un comentario crítico acerca de una película como "The Girl Next Door". Y es complicado, en tanto en cuanto que verla supone un suplicio, una tortura, una experiencia radical que va más allá de muchos del cine extremo. ¿La recomendaría? no. Nunca. ¿La volvería a ver? Creo que no. Jamás. Entonces, ¿por qué estás aquí, ahora, intentando configurar en palabras un articulo de algo que quieres olvidar para siempre y no volver a recordar? precisamente para eso, para desligarla de mi, porque no bastan mil duchas ni cuatro caricias reconfortantes que te sacudan los malos sentimientos que se agolpan tras verla.
"The Girl Next Door" es una adaptación por partida doble: es traslación en imágenes de la célebre novela de Jack Ketchum del mismo título, que a su vez narraba los hechos (reales) que ocurrieron en el estado de Indiana durante la canícula de 1965. Un matrimonio feriante deja a sus dos hijas pequeñas, una de ellas con una pequeña minusvalía en la pierna, al cuidado de Gertrude Baniszweski, una ama de casa viuda, de 37 años aparentando más de 50, amoral y sociópata. Comienza a sentir un odio furibundo contra una de ellas, la mayor, Sylvia. La culpa de todas sus desgracias. Para entretenerse, invita a los niños del barrio a que fumen y beban cerveza con ella. Un día, de los insultos pasa a los golpes. Y luego a encerrarla en un sótano. Luego los chicos se unen al juego, y durante tres meses la torturaron hasta la muerte, en el que es el caso de violencia física más cruento acaecido nunca en Indiana.
Dicho esto, que sobre papel, o más bien monitor, suena terrible, imagínenlo trasladado a un bucólico suburbio de los Estados Unidos, con una fotografía deliciosa y una banda sonora nostálgica y emotiva. Intenten visualizar el reverso tenebroso de "Las Vírgenes Suicidas", y aún andarán a años luz. "The Girl Next Door" está rodada de un modo impecable: es sutil y elegante, aunque le sobren un par de cámaras lentas. No se recrea en la violencia y es demoledora en su tramo final. No hace concesiones a la galería. Carece de un final feliz que llevarse a la boca. ¿Qué ha motivado su estreno? ¿Quién ha tenido el valor suficiente para financiar este pedazo de infierno hecho celuloide? Y, lo más importante, ¿con qué motivos? Gregory Wilson, el director de la película, ha vomitado una elegante pieza de tortura no explícita, una historia desarmante que acompañará a aquel que la vea durante días. Porque es muy triste hacer este viaje sabiendo que todo lo que se ve en la pantalla ocurrió un día en la realidad.
Es muy difícil hacer un comentario crítico de esta película. Plasma como pocas hasta donde puede llegar la barbarie del ser humano, y la acerca tanto porque nos la muestra de puertas adentro, en una misma familia. Nada de barbaries de la guerra, asesinos en serie tremendistas, terroristas integristas o sectas autodestructivas. "The Girl Next Door" duele porque todos hemos tenido una vecina guapa, unos amigos que maltrataban a los animales, y nos hemos criado en un barrio. Es violencia real, física, que huele y duele. Manténganse alejados de ella. Y si se atreven a verla, que sea bajo propia cuenta y riesgo.

Sick Nurses

2007-11-20T21:48:00.000+01:00

He de reconocer que no soy muy ducho en pillar a la primera películas de argumento medianamente enrevesado. No relaciono nombres con caras, se me olvidan los propios nombres…incluso las caras… Pero lo cortés no quita lo valiente, y hay veces en que mi inoperancia a la hora de enhebrar argumentos de retruécano se enfrenta a películas cuyo ¿argumento? pretende ser una historia medianamente lineal y no algo que entronca con el surrealismo o con la obra de directores arriesgados como David Lynch. Sick Nurses es una película tailandesa en la que el guión se asemeja a lo que uno se le puede pasar por la cabeza borracho y ve a una chica con el pelo largo y vestida de blanco: entre el calentón y las luces estroboscópicas y de colores nos podemos sumergir en una típica historia de fantasmas en las que aparecen fetos volando, sabanas tendidas en el jardín de un hospital, embarazadas putones, bulímicas a las que el gato se le come la lengua, literalmente, y mucho pelo, mucho mucho pelo. Ya sabemos de la querencia del cine oriental al elemento capilar: aquí van más allá. La villana-espíritu, una especie de locomía adicta al vinilo con el pelazo de Tino Casal usa su pelo para poseer a un grupo de enfermeras que, ojo al dato, están más buenas que el pan y que en el pasado hicieron una cosa horrorosa: matar a una compañera porque se tiraba al médico galán. Entre medias, venta de cadaveres, regalos a tutiplén a todas las enfermeras…si piensan que todo esto no tiene ni pies ni cabeza, están en lo cierto.

Sick Nurses es disfrutable por su bella fotografía, por esos momentos de inusitada belleza, como el cuerpo ahogado en la pecera, pero ahoga todo su potencial al pretender innovar el género de fantasmas clásico con un críptico ‘’argumento’’ que ni el director harto de anfetaminas entendería. Si a todo este desaguisado le añadimos un oscuro caso de transexualidad, escenas homoeróticas en la ducha, y pasajes interminables de tailandesas vomitando para estar esbeltas y pelos, y más pelos, y más pelos… Sólo y estrictamente recomendado para ávidos buscadores de rarezas, bien filmadas, peor contadas y con dos o tres destellos gore.

Irina Palm

2007-11-07T22:53:00.000+01:00

Siempre se ha dicho que cualquier madre daría la vida por su hijo. Si así es, que no lo pongo en duda, ¿Qué no daría la abuela por su nieto, habiéndo engendrado a la que, posteriormente, diera a luz a la pequeña criatura? Situaciones desesperadas precisan de medidas desesperadas: una familia que tiene sólo para el día a día no puede mandar a su hijo moribundo a Australia para que lo curen. Tienen que quedarse mirandolo morir, maldiciendo día tras día el hecho de no haber nacido entre koalas y canguros y sobrepoblación de conejos. La abuela comienza a buscar trabajo. Es una mujer que aún conserva un poco de ese atractivo animal que a buen seguro tuvo en vilo a muchos hombres, el brillo en la mirada de la mujer decidida y obstinada, que ha vivido a la sombra de su difunto, e infiel, marido y que decide tomar las riendas de la vida de su nieto y, de paso, encontrar el fin mismo de la suya de la más retorcida de las maneras. Da con sus huesos en un local de espectáculos eróticos, regentado por Miki, un emigrante entrado en años que le informa de que allí tendrá, nada más y nada menos, que masturbar a los clientes a través del denominado ‘glory hole’: un agujero practicado en la pared por el que se introduce el miembro. Al otro lado se apoltrona día tras día la abuela, al principio asqueada pero con la imagen de su nieto enfermo en la cabeza.
Da gusto asomarse de vez en cuando a películas como “Irina Palm”, películas imperfectas donde las buenas intenciones acaban por erigirse como verdadera razón de ser, de esas que se ven con una amplia sonrisa en la boca. Marianne Faithful está esplendida en el papel de la abuela coraje que, sin ser curandera, sanará al pequeño a través de sus manos. La película de Sam Garbarski plantea algo arriesgadísimo en estos tiempos de corrección política: que una persona pueda encontrar su dignidad, su sitio y la aceptación en un mundo como la prostitución (muy matizada: no es lo mismo hacer la calle que hacer pajas a través de un agujero en una pared). Maggie, la abuela, se siente importante, se saca sus perrillas y, de paso, realiza el viaje inverso que algún día, hará su pequeño nieto: cuando su vida entronca la recta final, en una Inglaterra gris y fría, regala su dignidad para encontrarla magnificada; encuentra el amor en medio de lubricantes e hileras de pervertidos; sonríe como una adolescente entre musica trance y strippers de medio pelo. Comienza, simplemente, a vivir como debería haberlo hecho hace mucho tiempo. Feliz.

fecha de estreno en españa: 14 de diciembre

Book Of The Dead

2007-10-31T22:39:00.000+01:00

Uno de los personajes que más miedo dan del cine de terror es, sin duda, el muerto viviente. Seguramente sea por aquello de que se nos parece tanto, pero en terrorífico: tiene la cara podrida, sí, pero por lo demás es exactamente igual que una persona viva. Tiene un desaforado apetito por la carne humana y se mueve de un modo lento y parsimonioso, a pesar de que últimamente y a raíz de la estimable "28 días después" les entraran las prisas y pareciesen más infectados por la rabia que zombies al uso. Además, el hecho de ver una figura humana sin identidad propia, sin conciencia del yo, crea en el espectador una sensación muy desasosegadora. Es por ello que suele ser el personaje preferido del amante del cine de terror, más allá del romántico y plañidero vampiro, el esquivo hombre lobo, o la momia, más propia del cine de aventuras. Y como ya ha llovido bastante desde que George A. Romero integrara al no-muerto dentro del cine de autor con la señera "La Noche De Los Muertos Vivientes", el aficionado puede querer tener una visión global del personaje. Y nuestra amada Fab Press publico un extensísimo estudio titulado "Book Of Dead", donde el amante del cine de terror puede darse un verdadero baño de visceras. Estructurado en dos partes, la primera es una historia cronológica del subgénero, desde una introducción a los orígenes del mito (el vudú, Haití...), los inicios del género (White Zombie...), su consolidación y, en capítulos aparte, la aportación europea. Profusamente ilustrado, con páginas a todo color y en papel fotográfico de alta calidad, "Book Of Dead" termina con una videoguía con la que podremos completar nuestra colección y un índice onomástico de lo más práctico. Disponible en amazon a un precio irrisorio. Pasen por caja YA.

Making Friday The 13th: The Legend Of Camp Blood

2007-10-30T22:13:00.000+01:00

Más allá de lo cuestionables que puedan ser sus valores artísticos, "Viernes 13", la película original, forma parte de la historia, no ya del cine de terror, sino del séptimo arte en su globalidad. La imagen de la máscara de hockey, o la silueta de Jason Voorhes blandiendo el machete ensangrentado forman parte del imaginario colectivo, las pesadillas infantiles, convirtiéndose en un icono referencial. Este generoso volumen de David Grove, editado en 2005 por Fab Press se convierte en la guía indispensable para todo aquel que se quiera empapar de la saga completa, que cuenta ya con once secuelas, incluído el afortunado crossover de Ronnie Yu 'Freddie Vs Jason". Cada capítulo se dedica a un episodio de la saga, con un puñado de fotos inéditas del rodaje, gráficos explicativos de los asesinatos más alambicados y anécdotas reseñables. Lo más curioso de todo, es que el último capítulo se dedica a recapitular asesinato por asesinato, saga por saga, ilustrado por fotos de los asesinatos de la película original. Se encuentra disponible en amazon por un más que afortunado precio.

Bat For Lashes

2007-10-25T18:27:00.000+02:00

Sólo basta que se encienda la llama del genio, la inspiración, o lo que demonios sea que hace que una idea se convierta en algo sublime, para hacerte feliz aunque sea poco más de 2 minutos. Y no hacen falta montañas de dinero, mujeres espectaculares ni falsos aspavientos para llamar tu atención. Habrá quien necesite de ello, pero, la emoción real y verdadera, cuanto más sutil más congoja crea y más perdura. Es lo que pasa cuando uno ve el videoclip del proyecto personal de la británico-pakistaní Natasha Khan, Bat For Lashes. Con un disco de debú recién salido del horno, su música es oscura, misteriosa, para adornar un cuento de hadas malicioso, tirando de carrillones, palmadas, bajos quejumbrosos y percusiones tremebundas. "What's A Girl To Do" es la canción que ilustra el videoclip que ha dirigido Dougal Wilson con austeridad de medios pero con el bolsillo lleno de imagenes poderosas que remiten a, sí, otra vez, Davyd Lynch, la película de culto Donnie Darko, E. T. o hasta aquella obra maestra de John Carpenter titulada "En La Boca Del Miedo". Les recomiendo que bajen las luces totalmente, le den al máximo de volumen, y se dejen llevar por este cuentecito de animales y hadas.

Aftermath

2007-10-18T19:48:00.001+02:00

Ficha

Aftermath
España
1994
Dirección y guión: Nacho Cerdá
Intérpretes: Pep Tosar, Ángel Tarris, Jordi Tarrida, Xevi Collelmir

Sinopsis: Una chica sufre un accidente mortal de tráfico al estamparse su coche contra un perro. En el tanatorio y durante la autopsia, su cuerpo sufrirá todo tipo de vejaciones.

Lo que la crítica dijo:

En lugar de ofrecernos una glorificación de la violencia, Cerdá indaga en el verdadero corazón de la muerte... y lo hace con una habilidad excepcional
Bill Gibron - Dvdtalk.com

Una bella y escalofriante película muda que requiere de unos buenos altavoces
Jovanka Vuckovic - Rue Morgue Magazine

A Cerdá no le hacen falta las líneas de dialogo para enseñarnos bien lo que quiere decirnos: simplemente con una sutil pieza de música clásica y una fotografía de tonos azules, que contrasta brutalmente con la sangre derramada por los cuerpos muertos, asistimos durante 30' a la celebración funesta de unos de los últimos tabúes del ser humano: la necrofília. Mucho más conciso y, sí, elegante, que Buttgereit, el catalán golpea nuestra retina insidiosamente, con elegantes movimientos de cámara que encierran uno de los mensajes más nihilistas que concebirse puedan. Y esto sí que de verdad es una advertencia: es una película muy fuerte, con un trabajo de maquillaje por parte de la DDT sin parangón en el cine patrio (y eso que hablamos de una película que tiene ya la friolera de 13 años) y que le deja a uno muy mal cuerpo. De hecho, ha quedado para la posteridad como uno de los más preciados y buscados vídeos para el gorehound más extremo y curtido. Avisados quedan.
Antonio Bret - Esquivando al borrego

Premios

Mejor corto, Festival de Cine Fantástico de Asia, Fant-Asia

All Night Long

2007-10-18T19:12:00.000+02:00

Ficha

Ooru Naito Rongu
14 de noviembre de 1992
Japón
Dirección y guión: Katsuya Matsumara
Intérpretes: Eisuke Tsunoda, Ryôsuke Suzuki, Yôji Letomi, Hiromasa Taguchi
90'
Horror / Drama

Sinopsis: El día en que tres jovenes asisten al brutal asesinato de una colegiala en plena calle, será el principio del fin de sus días.

Lo que la crítica ha dicho:
''Míralos, parecen gusanos". Esa es la frase que declama uno de los personajes de "All Night Long", una película asiatica de 1992, perteneciente a una famosa trilogía que escarba en lo más oscuro del ser humano, la violencia extrema y la falta de valores de la sociedad contemporanea. En este primero episodio, tres jovenes bastante diferentes son testigos de un brutal asesinato a plena luz del día: será el desencadenante de una espiral de violencia basada en una venganza. Uno de los jovenes es un apocado y feo estudiante privilegiado cuyo máximo deseo es que las chicas le hagan caso. El otro, un mecánico que aspira a construir aviones y que consigue el amor perfecto, sólo para perderlo de las peores maneras posibles. Y el tercero, un niño rico que vive sólo en una mansión y cuya compañía se reduce a una escopeta de caza gigante y una agenda tan voluminosa en numeros de teléfonos como escasa en respuestas positivas. Si tuviésemos que definir, no ya la sociedad occidental, sino la japonesa, extrictamente, remitiéndonos a lo ofrecido por Katsuya en su obra, podríamos fácilmente echarnos a temblar. Aunque no es su propósito último: el nipón intenta agredir al espectador con una suerte de hechos un tanto deshilvanados y meramente anecdóticos, que no profundizan en nada, en tanto en cuanto apenas se esbozan, mediante clichés, la psicología de los personajes, no hay evolución dramática ni, por tanto, empatía con lo que les sucede. Incluso mete con calzador alusiones políticas para justificar, de algún modo, el mar de hemoglobina al que asistimos al final de la proyección. Sí sirve, no obstante, como buena película de cabecera para el que padece, día a día, el acoso del matón en la escuela: seguro que sirve de desahogo, tanto como la catarsis final del protagonista. "All Night Long" no es una película redonda, ni siquiera buena, pero nos enseña el reverso tenebroso de las comedias ambientadas en institutos. La película que John Hughes estaba deseando hacer pero nunca se atrevió.
Antonio Bret - Esquivando al borrego

Academia Rushmore

2007-10-16T22:34:00.000+02:00

Ficha

Rushmore
USA
5 de febrero de 1999
Dirección y Guión: Wes Anderson
Intérpretes: Jason Schwartzman, Bill Murray, Olivia Williams, Seymour Cassel
93'
Comedia dramática

Sinopsis: Max es un estudiante nefasto, el peor que haya tenido nunca la Academia Rushmore, a pesar de ser el presidente del periódico y pertenecer a innumerables clubes y asociaciones. Para más inri, se enamora de una profesora, cuyo pretendiente es padre de dos compañeros suyos de clase.

Lo que la crítica dijo:

Inteligente comedia, en la que el director reflexiona, con alta carga irónica, sobre la juventud y los sueños fustrados.
Fernando Morales: Diario El País

Rushmore es una comedia distinguida. Es más de sonrisa durante toda la película, que de carcajadas puntuales.
Madeleine Williams - Cinematter

Anderson construye un mundo tan característico y personal, tan hecho a su medida, que puede repeler al resto de los mortales.
Kenneth Turan - L.A. Times

Rushmore es, como la vida, una mezcla perfecta de comedia y drama, de sorpresas y hechos inevitables, y, lo que es más importante, puramente humana.
Dustin Putman - Rec. Arts. Movies. Reviews.

Nominaciones y premios:

(entre otros)

Mejor actor secundario, Bill Murray, Premios de la Comedia Americana USA
Nominado al Globo de Oro al mejor actor secundario, Bill Murray
Mejor director en los Independent Spirit
Mejor actor promesa a Jason Schwartzman, Asociacion de Críticos de Chicago
Mejor película extranjera, Premios Independientes de Gran Bretaña

Curiosidades:

Una de las localizaciones más importantes de la película fue el instituto en el que estudió Wes Anderson, St. John's School en Houston, Texas.
Los cuadros que aparecen en la habitación del marido de la señora Cross son del coguionista de la película, el actor Owen Wilson.

Rabid Grannies

2007-10-15T21:33:00.000+02:00

Ficha

Rabid Grannies
Bélgica
1988
Dirección y guión: Emmanuele Kervin
Intérpretes: Catherine Aymerie, Caroline Braeckman, Danielle Daven, Patricia Davia.
90'
Terror / Comedia

Sinopsis: Un par de viejecitas reúne a la familia para hablar de temas de herencia. Toda es citada, excepto una nieta, que no es del agrado de las sexagenarias. La chica, que flirtea con sectas satánicas, se enterará del desplante y tramará una cruel venganza. Fue distribuida en los USA por la TROMA

Lo que la crítica dijo:

Un gran divertimento, sangriento como el demonio, y un tanto infravalorada.
Alan Simpson - Sex Gore Mutants

Esta serie b nos provee de rezumos, vomitos, babas, sangre, costras, carne derretida, demonios, desmembramientos, todo ello acompañado de un toque ridículamente cómico
Elspeth Haughton - Apollo Guide

Nominaciones:

Mejor película, Festival Internacional de Cine Fantástico, Fantasporto

A Snake Of June

2007-10-10T22:23:00.000+02:00

Ficha

A Snake Of June
Japón
13 de junio de 2003
Dirección y guión: Shinya Tsukamoto
Intérpretes: Asuka Kurosawa, Yuji Kohtari, Shinya Tsukamoto, Mansaku Fuwa
77'
Drama / Suspense

Sinopsis: Una pareja se ve envuelta en una pesadilla de tintes eróticos al ser perseguidos por un hombre perturbado.

Lo que la crítica dijo:

Una inolvidable y espantosa experiencia
David Nusair - Reel Film Reviews

Un intrigante e inescrutable enigma, aderezado con gotas de erótico bizarrismo
Anton Bitel - Movie Gazette

Tsukamoto ha madurado desde los días de Tetsuo, siendo un cineasta mucho más sutil e inquietante que su compatriota Miike
Laura Clifford - Reeling Reviews

A Slith-Mouthed Woman

2007-10-10T22:03:00.000+02:00

Ficha

Kuchisake-Onna
Japón
17 de marzo de 2007
Dirección y guión: Koji Shiraishi
Intérpretes: Eriko Sato, Miki Mizuno, Chiharu Kawai, Haruhiko Katô, Chiharu Kawai

Sinopsis: Este film de terror oriental se basa en una leyenda urbana, la de la mujer que, tras ser asesinada y horriblemente mutilada por un marido celoso, permanece entre los vivos acechándolos con una máscara de cirugía, mostrándoles su rajada boca y preguntándoles: ¿Soy guapa?

Weeds

2007-10-09T22:08:00.000+02:00

En cuanto a mi, ya nada más podía hacer. Me había acostumbrado a tener una buena vida, ocupándome tan solo de seguir asistiendo a las aburridas y rutinarias sesiones de padres de alumnos y, de vez en cuando, realizar alguna que otra tarea en mi casa. Pero ya no estás, quizás no deberías haberte empeñado tanto en tener una vida saludable. Ni el no fumar ni el no beber evitaron que aquel día, mientras ibas haciendo footing, tu cuerpo se desplomara frente al supermercado, sin un mal aliento que quedara dentro de ti, sin un aspaviento postrero. Quedo y solitario. Y ya nada más podía hacer. Vaya si me vengue de la vida moderna. No podía permitir abandonar lo que me habías dejado, mi vida en plena zona pija, plena de comodidades. Existe lo que se llama oferta y demanda. Y la marihuana, no os podéis imaginar lo que se demanda. Los viejos, para no sufrir dolor, que no creáis que la fuman, que va, se la echan al yogur, o la hacen con magdalenas. Los jovenes, pues porque sí, porque se junta la rebeldía y el flirteo con lo ilegal, y tanto vale para el chico que para la chica. Ahora, de hecho, más las chicas, con eso de ponerse a la altura de los tíos, que ya les vale. Los adultos porque, demonios, no aguantan a sus presuntas idílicas mujeres que visten ropas caras mientras abogan por un mundo libre de drogas mientras se ponen hasta el culo de margaritas con cañita. Así que nada, a vender marihuana. Espero que mis hijos no se enteren. Porque aunque yo la venda, no quiero que ellos la prueben. Sí, seré una hipócrita, pero lo que no soy es tonta. Y aquí, es lo que os digo, ya no me queda otra. Me vengo de la vida sana esa que profesan los adalides de la organización mundial de la salud. A tomar por culo, a mi marido se lo llevó la vida sana, la abstinencia de todo lo insano, de la grasa, del alcohol, del vodka con limón, de una cena opípara con cerdo y vino, el sedentarismo del anciano viendo una obra o el de la vieja viendo la telenovela. Os voy a volver a todos adictos, yo criaré a mis hijos y os irá muy bien. Os irá, de hecho, a todos mejor. Os abrirá la mente. A vosotros, mis queridos vecinos, que vais en cajas hechas de cartón piedra, que algunas son amarillas, otras azules, otras verdes...pero que al fin y al cabo, son todas igual.

A Scanner Darkly

2007-10-08T21:27:00.000+02:00

Ficha

A Scanner Darkly
USA
20 de octubre de 2006
Dirección y guión: Richard Linklater
Intérpretes: Robert Downey Jr., Keanu Reeves, Winona Ryder, Woody Harrelson
100’
Ciencia Ficción / Animación

Sinopsis: En un futuro muy cercano, un policía investiga la llegada de una nueva y peligrosa droga, que altera la percepción del que la toma hasta el punto de perder su propia indentidad.

Lo que la crítica ha dicho:

Todo un manifiesto filosófico (...) diálogos cargados de profundidad (o de locura; pero de eso también va la cosa), y preocupaciones éticas y estéticas por completo alejadas de la comercialidad cinematográfica (...) denso, apelmazado, a ratos también un tanto plúmbeo discurso.
M. Torreiro - Diario El País

Linklater ha adaptado la novela de Dick con respeto reverencial, acentuando su vertiente paranoica al utilizar la animación rotoscópica (...) la fuerza del discurso filosófico (...) supera con creces todo moralismo (...)
Sergi Sánchez – Fotogramas

Linklater quiere que su película sea una novela gráfica viviente, provocativa. Pero se hunde entre entre dialogos de múltiples significados y metáforas hidrocefálicas.
Jeffrey Westhoff – Northwest Herald

Solo porque la película trate sobre el consumo de drogas, no le da derecho a Linklater a hacerme sentir como si yo mismo estuviese drogado.
Willie Waffle – Wafflemovies.com

Curiosidades:

Terry Gilliam fue el primer interesado en llevar la novela de Philp K. Dick en 1990.
Charlie Kauffman fue el primero que escribió un guión a partir de la novela.
La novela de Philip K. Dick está basada en sus propias experiencias con las drogas.
Robert Downey Jr. Escribió casi todas sus líneas de dialogo, dispersándolas en post-its a lo largo del set para ir recordándolas. Tras el proceso de rotoscopio, las notas fueron eliminadas.
David Cronenberg presta su voz ( y su genuino estilo) al doctor en New Path.
La hija de Philip K. Dick le regaló a Richard Linklater una copia personal de la novela al terminar el rodaje del film.
De acuerdo con el director, el rodaje de la película no llevó más de 23 días. El proceso de rotoscopio (por el cual todos los actores que aparecen en el film tienen su propia y clónica versión animada) les llevo bastante más.

Premios

Premio de la crítica, Austin 2006
Premio de la sociedad de críticos de film Online, Mejor película animada 2007

Las Peores De Rottentomatoes (y III)

2007-10-07T21:05:00.000+02:00

(17) Baby Geniuses (1999): Niños que hablan y son genios. La grima hecha celuloide.

(16) La Alianza Del Mal (2006): Hubo un tiempo en el que Renny Harlin hacía películas entretenidas. Ahora hace películas de chulazos que lanzan hechizos. Mmmm

(14) Campo De Batalla: La Tierra (2000): John Travolta se deja rastas y se hace extraterrestre, en esta adaptación de una novela de L. Ron Hubbard, el de la cienciología.

EL TOP 5

(5) King´s Ransom (2005): No sé que película es esta, pero en la portada se ven muchos negros y es una comedia y, por lo que he deducido de la lista, es sinónimo de basura. ¡Cuánto racista...!

(4) Pinocchio (2002): Ver a Roberto Benigni en pantalla grande me produce muchas nauseas, irritaciones oculares, diarreas varias y síndrome de Tourette.

(3) Crossover (2006): Otra de negros, y baloncesto. Lo que yo diga...

(2) Alone In The Dark (2005): Nuestro amigo Uwe Boll sigue empeñado en ganarse el título de peor director de cine de la historia, o de mayor caradura de la industria. Su carrera a base de reciclar a estrellas despistadas/en declive/desesperadas por dinero hace que siga al pie del cañón, adaptando videojuego tras videojuego. Cuando haga la del comecocos, iré a verla. Lo juro.

(1) Ballistic: Eck Vs. Sever (2002): Si es que no podía ser de otro modo....¡¡¡en la peor, el protagonista es un actor español!!! (risas)

Por ultimo, reseñar algunas conclusiones que se deducen de susodicha lista:

Cualquier película con Tim Allen, es mala
Cualquier película con Stephen Dorf, es mala
Cualquier película en la que sala más de un negro, y que de entre esos negros, uno sea un rapero conocido, es mala
El porqué de que Uwe Boll siga haciendo películas, es un misterio

Las Peores De Rottentomatoes (II)

2007-10-06T19:54:00.000+02:00

(48) Pluto Nash (2002): Eddie Murphy quiere ser astronauta de mayor. Y se llama Pluto. Ja ja...

(45) Soldado Universal: El Regreso (1999). ¿No teníais suficiente con una de soldados robots? pues ala...

(43) Yu-Gi Oh: The Movie (2004) . Desconfíen de cualquier película cuyo título vaya seguido de la apostilla ''la película''. Por ejemplo... "Garfield: La Película"; "Bratz: La Película". Bueno, hay excepciones, como aquella de las Spice Girls que era una obra maestra. Aqui un anime basado en un juego de cartas...madre mía...

(42) La Niebla (2005): Eso pasa por tocarle los cojones al maestro Carpenter.

(41) Supercross: The Movie (2005): ¿Lo véis?

(38) Barridos Por La Marea (2002). La película que acabo con la carrera del otrota interesante Guy Ritchie. Ahora parece que se dedica a ser sodomizado por la chica que se reinventa en cada disco (ja ja ja)

(28) Darkness (2004). ¡Gracias! Esta película es una autentica basura. Es española, por lo que nos ponía sobre aviso. Monumento a la estupidez, de auténtica vergüenza ajena. Balagueró, ponle mas empeño. Sólo un poco.

(21) La Bendición: La de Kim Basinger y la niña poseída. El cura, al verlas a las dos, no supo por dónde empezar.

Las peores de Rottentomatoes

2007-10-05T22:38:00.000+02:00

Rottentomatoes, una página web bastante comentada por estos fueros, ha publicado su particular lista de las peores películas de todos los tiempos. Obvio comentar que se trata sobre todo de películas contemporáneas, y han listado hasta 100. Aquí os dejo con una selección de las mismas

(100) Catwoman: La excrecencia aquella con Halle Barry pegando maullidos disfrazada de dominatrix catalana.

(90) El Numero 23: 23 ostias deberían haberle dado a Carrey por aceptar semejante engendro

(85) Kangaroo Jack: Una película con un canguro que habla JAMÁS puede ser buena.

(74) Instinto Básico 2: Pobre Sharon Stone. Esto sí que fue actuar como una chica de la calle Montera.

(73) Premonition: Una película en la que Sandra Bullock se despierta y no sabe ni que día vive. Se supone que es de terror. Una película en la que sale Sandra Bullock ES de terror, ya sea un drama bélico, una cinta infantil de animales parlantes, un drama social ambientado en la inglaterra thatcheriana o un musical protagonizado por anchoas.

(71) Surviving Christmas: Me imagino a los productores: "venga, pillamos al Affleck y hacemos uan comedia navideña. Tenemos el éxito asegurado". Estos críos...

(70) The Reaping: Esa de la Hillary Swank que se lleva toda la película espantando langostas.

(68) Lost Souls: El director de fotografía de Spielberg se creyó muy listo y se dijo: "pues me hago una película de miedo". Y va y contrata a Winona Ryder y a Ben Chaplin, dos actores planos y sosos a más no poder. Bien por ti.

(67) Boat Trip: Una de maricones, un crucero, y Cuba Gooding, Jr. De verdad, ¿en qué cojones estarían pensando?

(63) Ultraviolet: Dios mío, esto es de ver para creer. En serio.

(55) Gigli: Jennifer Lopez y Benn Affleck. ¿Alguien da más?

Continuará...

El Último Show

2007-10-04T20:51:00.000+02:00

A Prairie Home Companion
USA
23 de marzo de 2007
Dirección: Robert Altman
Guión: Garrison Keillor
Intérpretes: Kevin Kline, Woody Harrelson, Tommy Lee Jones, Kevin Kline, Lindsay Lohan
105’
Comedia Dramática

Sinopsis: “A Prairie Home Companion” narra, en clave de comedia dramática coral, los entresijos del rodaje del último programa del show radiofónico más celebre de los Estados Unidos.

Lo que la crítica ha dicho:

Una película con fuerte aroma a testamento. (...) reúne muchas de las virtudes del cine de este señor y pocos de sus defectos. Se ve con agrado, te sorprende y te hace sonreír.
Carlos Boyero - Diario El Mundo

Una bellísima y nada pretenciosa película sobre la muerte que resume un estimulante apego por la vida.
Alberto Bermejo - Diario El Mundo

En lugar de ofrecernos material conmovedor y poderoso, Altman prefiere echar una cortina de objetividad que cubre a personajes y situaciones
Kevin Biggers – Filmstew.com

El cineasta ha cerrado un círculo y completado un viaje. Bienvenido, Robert Altman, que está de vuelta en casa
M. Á. Bastenier - Diario El País

Curiosidades:

Es la última película del prestigioso director galardonado con el Oscar Robert Altman.
Debido a las normas de rodaje concernientes a la edad en la que los directores pueden seguir llevando a cabo sólos sus labores, Paul Thomas Anderson ayudó a Altman a terminar la película, que contaba ya con 80 años.
Maya Rudolph, que interpreta el personaje de la embarazada Molly, realmente estaba encinta durante el rodaje del film.
Cuando el personaje de Kevin Kline descorcha una botella de champagne, el tapón salió disparado de tan mala fortuna que impactó en la frente de Robert Altman. En la película, se ha mantenido el “OW!” de Altman y el posterior “Sorry” de Kline.

A Medianoche Me LLevaré Tu Alma

2007-10-04T00:44:00.000+02:00

Ficha

À Meia-Noite Levarei Sua Alma
Brasil
9 de noviembre de 1964
Dirección y guión: José Mojica Marins
Intérpretes: José Mojica Marins, Magda Mei, Nivaldo Lima, Valéria Vasquez
84’
Terror

Sinopsis: Un siniestro enterrador brasileño, conocido en su entorno como Zé Do Caixao (José el del ataud) quiere encontrar a una esposa que esté a su altura, así que va buscándola y aplicándoles diversas pruebas y torturas.

Lo que la crítica dijo:

El film contiene momentos terroríficos, pero es mucho más disfrutable por su valor como artefacto histórico y como ingenuo festival de maldades
Michael W. Phillips, Jr. – Goatdog’s Movies

La mejor película de terror no vista de la década de los 60
Mike Bracken – Mike Bracken’s Horror Films

Curiosidades:

La película se produjo en un momento en el que la organización nacional de censura en Brasil se disolvía, siendo cada estado responsable de cada película que se proyectara. Por lo que en algunos estados fue completamente prohibida, convirtiéndose en un rotundo éxito en los restantes. La censura devino más por problemas de blasfemia que por su excesiva y gore violencia.
Algunos miembros del rodaje fueron arrestados después de que fuesen sorprendidos cortando unos arboles de un parque del centro de Sao Paulo. Los arboles habían estado siendo usados como parte del decorado.
Cuando el equipo de rodaje se negó a realizar una toma debido a la falta de luz solar, Mojica no dudó en sacar un arma, apuntarlos a todos, y obligarles a la fuerza a que cumpliesen con su trabajo. En posteriores entrevistas, Mojica afirma que la pistola formaba parte del atrezzo del film.
Fue tal el éxito que tuvo esta película en su país natal, Brasil, que estuvo proyectada ininterrumpidamente en un cine del centro de Sao Paulo durante cuatro meses.
A Ze Do Caixao, en inglés, se le conoce como “Coffin Joe”.

A Dirty Carnival

2007-10-02T22:28:00.000+02:00

Ficha

Biyeolhan Geori
Corea Del Sur
15 de junio de 2006
Dirección y guión: Ha Yu
Intérpretes: In-Jae Heo, Yoon Jae-Moon, Ho-Jin Jeon, Ku Jin, In-Seong Jo
141’
Thriller

Sinopsis: Una turbia trama de intereses envuelve a Byung-du, un veterano criminal perteneciente al crimen organizado cuya madre padece una enfermedad terminal. Su jefe se verá acorralado por el fiscal, lo que aprovechará para ayudarlo y ganarse su confianza. Los verdaderos problemas vendrán cuando un íntimo amigo suyo le pida ayuda para una película que va a filmar.

Lo que la crítica ha dicho:

Un circo de temas shakesperianos, que no trata solo del auge y caída de un hombre, sino de cómo sus éxitos y fracasos afectan, e hieren, a todos los que le rodean.
Scott Collura – IGN movies

Ha Yu, el joven director de la elegante “A Dirty Carnival” camina por la cuerda floja del género como un maestro.
David Chute – L.A. Weekly

Repleto de personajes bien desarrollados, “ A Dirty Carnival” es una película aderezada con hipertensas escenas de acción, que golpea mucho más que otros dramas similares.
Todd Brown - Twitch

A Day On The Planet

2007-10-02T22:05:00.000+02:00

Ficha

Kyô No Dekigoto
Japón
20 de marzo de 2004
Dirección y guión: Isao Yukisada
Intérpretes: Rena Tanaka, Satoshi Tsumabuki, Ayumi Ito, Shuuji Kashiwabara
110’
Drama

Sinopsis: Siete jóvenes se reúnen en una fiesta, para celebrar que uno de ellos ha logrado acceder a la universidad que quería. Pronto, el devenir de la noche irá haciendo florecer los sentimientos de cada uno, y dándose cuenta que han madurado, y que nada es como antes. Serán testigos únicos de que su etapa de juventud se agota.

Pinocchio 964

2007-10-02T00:03:00.000+02:00

Ficha

Pinocchio 964
Japón
14 de septiembre de 1991
Dirección y guión: Shozin Fukui
Intérpretes: Hage Suzuki, Onn Chan, Koji Kita, Kyoko Hara
93’
Ciencia Ficción

Sinopsis: Pinocchio 964, un cyborg sexual lobotomizado es expulsado por sus dueños debido a una disfunción erectil. En la calle, se hace amigo de una vagabunda, enferma mental. Mientras, la corporación que lo ha diseñado crea un plan para acabar con su vida.

Lo que la crítica dijo:

Pinocchio 964 es una deliciosa muestra de extravagancia japonesa
Dejan Ognjanovic

Curiosidades:

Los exteriores fueron rodados sin licencia, lo que supuso que las reacciones de la gente fuesen naturales y, en algunos casos, de verdadero pánico
Contiene una escena de vómitos de unos cinco minutos
Está inspirada en el trabajo de Shinya Tsukamoto

The Tripper

2007-09-30T01:45:00.000+02:00

Ficha:

The Tripper
USA
2007
Dirección y guión: David Arquette
Intérpretes: Lukas Haas, Balthazar Getty, Richmond Arquette, David Arquettte
93’
Terror / Slasher

Sinopsis: Todos los años se celebra en un pueblo de los EEUU una enorme fiesta en la que se reúnen hippies de toda índole, pelaje y edad. Este año, sin embargo, aparecen en el bosque varios cuerpos horriblemente masacrados.

Lo que la crítica ha dicho:

Torpemente escrita por Arquette y y Joe Harris, “The Tripper” consiste en un carnaval de cretinos haciendo tonterías y diciendo gilipolleces una detrás de otra”
Jay Antani – Box Office

Puede ser divertida, si se es del gusto de este tipo de cintas
Jeff Vice - Deseret News

The Tripper tiene mucho que ofrecer, pero no a todo el mundo. Personalmente me lo pasé en grande, porque…¿Cuántas veces se tiene la oportunidad de ver a Reagan asesinando hippies?
Andy B. – BloodyDisgusting

Es agradable que en los tiempos que corren haya todavía gente con la sana intención de ser un culo de mal asiento, uno de esos que no se contentan con quejarse entre dientes sino que actúan y tocan las narices de un modo activo. Uno de ellos es el actor David Arquette, el maridísimo de la ya para siempre Monica de Friends, Courteney Cox. En su debut como director y, seguramente, como buen aficionado al género que es, ha elegido el terror como terreno para el que adentrarse, y no se ha acomodado en una historia simplona de terror de niña con pelo largo, sino que ha intentado, a la manera de su coetaneo Rob Zombie, trasladar a la segunda mitad de la primera década del siglo 21 las maneras y los modos de asustar y estremecer al público que se tenían en los sesenta-setenta. Es más, incluso ha osado meter con calzador una trama de tintes políticos en la que da cera tanto a hippies y ecologistas trasnochados y ridículos, como a fascistas y rednecks cortos de miras. “The Tripper” se reduce a un ejercicio de estilo en el que hay que ser muy fan para disfrutarla en su justa medida. Su mejor baza (los virajes de colores, los tripis visuales, los encadenados imaginativos, el uso de técnicas añejas) deviene asimismo en su mayor punto débil, al estar toda esa parafernalia estética al servicio de la pura nada. Su argumento, por llamarlo de alguna manera, es tan solo una mera excusa para que Arquette eyacule sobre el celuloide el orgasmo contenido que poseía como aficionado y que, por derecho propio, debía expulsar. Así, la historia de este asesino en serie con máscara de Ronald Reagan que aniquila tanto a hippies como a gañanes, nos deja momentos impagables, como la masacre en plena rave regada de éxtasis, con un todo deslavazado, lleno de personajes planos y que provocan indiferencia. Para amantes del gore que saben disfrutarlo en compañía, regada con alcohol y comentarios en voz alta.
Antonio Bret - Esquivando Al Borrego

6ixtynin9

2007-09-26T23:21:00.000+02:00

Ficha

Ruang Talok 69
Tailandia
30 de noviembre de 2000
Dirección y guión: Pen-Ek Ratanaruang
Intérpretes: Lalita Panyopas, Sirisin Siripornsmathikul, Prompop Lee, Surapong Mekpongsathorn
117’
Thriller / Acción / Comedia

Sinopsis: Una chica es despedida de su empresa financiera en plena crisis económica asiática. Cuando llega a casa, encuentra una caja repleta de dinero, frente a la puerta del vecino. Decide quedársela, sin prever las funestas consecuencias de tal decisión, pues los propietarios de ésta no se quedarán de brazos cruzados.

Lo que la crítica ha dicho:

"Contiene montañas de diversión, entre la que podemos vislumbrar el talento de su director"
G. Allen Johnson – San Francisco Chronicle

“Film competentemente filmado, con un trabajo de cámara sutil y un montaje tremendamente efectivo”
Ross Williams – Film Threat

“6ixtynin9 es ligera, aunque entretenida, irregular aunque no del todo desastrosa”
Matt Bailey – Not Coming To A Theater Near You

“Estilosa, divertida, morbosa en ocasiones, ofrece incluso relevantes datos que conciernen a la economía tailandesa actual”
Jeffrey Chen – Window To The Movies

42nd. Street Forever

2007-09-25T22:03:00.000+02:00

Ficha

42nd. Street Forever (Vol. 1 y 2)
Varias Nacionalidades
14 de septiembre de 2005 y 31 de octubre de 2006
Dirección: Varios Directores
Recopilación de trailers

Sinopsis: 42nd. Street Forever recopila en sendos volúmenes más de cien trailers de la época dorada de la exploitation de todo el mundo y pasando por los géneros de más diverso pelaje.

La crítica ha dicho:

Todo un manjar para buscadores de rarezas, olisqueadores de toda cinta ajena a los parámetros de lo políticamente correcto y toda un tesoro para aficionados, especialistas, coleccionistas y demás fauna cinéfaga. 250 minutos de película que recopila mas de cien trailers correspondientes al espectro de la exploitation: peleas callejeras, motoristas hombres lobo, espías ninfómanas con ansia castradora, jovencitos masturbadores regados de acné, vengadoras mujeres mancilladas, hombres disfrazados de mono, científicos locos, zombies, luchadores mancos, torsos humanos, freaks de todo pelaje se dan cita en estas dos cintas imprescindibles para todo aquel que saliva ante un horizonte recortado por la pantalla de un autocine, para aquel que el cine es algo más que festivales y premios o estrenos cada viernes acompañados de la chica guapa de turno. Ideal para organizar veladas aderezadas con alcohol. Todo el encanto de los rotulos efectistas, la sangre de rojo titanlux y la música surf condesada en dos volumenes.
Antonio Bret – Esquivando Al Borrego

28 Semanas Después

2007-09-23T22:40:00.000+02:00

Ficha

28 Weeks Later
UK / España
29 de junio 2007
Dirección y guión: Juan Carlos Fresnadillo
Intérpretes: Catherine McCormack, Robert Carlyle, Amanda Walker, Shahid Ahmed
101’
Terror, Ciencia Ficción

Lo que la crítica ha dicho:

No es para pusilánimes o débiles de estómago. Es brutal, y casi agotadoramente terrorífica, como debería ser toda película sobre zombies que se precie. Además es inteligente, tanto en sus ideas como en sus técnicas
A.O. Scott - The New York Times

Hay una extraña carencia de suspense entre todo el mareante movimiento de cámara y chorros de sangre
Glenn Whipp – Los Angeles Daily News

28 semanas después es de lo más raro que te vas a encontrar este verano: una secuela que no apesta. De hecho esta explosiva y nerviosa continuación (...) es dinamita para un festival zombie por sí misma. (...)
Peter Travers - Rolling Stone

Secuela de aquella sorpresa que supuso para el rancio panorama del cine zombie, “28 días después”, recordada por todos por imponer la rápidez y velocidad en el caminar del zombie antes que la parsimonia lúgubre y lenta de los clásicos, la segunda cinta de nuestro Juan Carlos Fresnadillo no sólo será recordada por superar con creces la original, que se veía lastrada por un tufillo arengario en su tercio final (recuerden todo aquello de la confusión de identidades entre la maldad del ser humano/militar y el ser humano/zombie, sino además por brindarnos una brutal y feroz muestra de cine de género, infectado en sí misma por el mismo virus que asola Gran Bretaña: muestra de ello son los hiperbólicos movimientos de cámara, a todas luces justificados y esos quince primeros minutos que son de marco. En ellos hay cine de acción, cine social, paranoia conspiratoria, terror psicológico y una somera y cruda mini disección de la cobardía del ser humano. Si a ello le sumamos escenas como la del helicoptero que mutila abriéndose paso, Gran Bretaña siendo bombardeada, y una nada molesta visión sobre la guerra de Irak, podemos afirmar que nos encontramos con la digna sucesora de esa maravilla llamada “Amanecer De Los Muertos.
Antonio Bret – Esquivando al Borrego

2007-09-21T13:42:00.000+02:00

Ficha

1408
2007
USA
22 de junio de 2007
Dirección: Mikael Hafstrom
Guión: Matt Greenberg & Scott Alexander
Intérpretes: John Cusack, Samuel L. Jackson, Mary McCormack, Tony Shalhoub, Len Cariou
113’
Terror

Sinopsis: Tras una tragedia familiar, Mike Enslin, otrora escritor con reputada fama entre el círculo crítico, dedica su trabajo a recopilar manuales baratos en los que desgrana sucesos paranormales a modo de guía de viajes. Un día, en su correo, una tarjeta postal de N.Y. le advierte que no se hospede en la habitación 1408 del hotel Delphin.

Lo que la crítica ha dicho:

1408 rechaza utilizar los elementos sangrientos y de tortura tan de moda hoy en día en el cine de terror, en la línea de 'Hostel', centrándose en el terror psicológico y transmitiendo al espectador una fuerte sensación de angustia y soledad.
John Anderson – Variety

Durante la primera hora, piensas que estás viendo la 'Próxima Gran Película de Terror' (...) Con la mínima cantidad de sangre y prácticamente nada de gore, 1408 provoca una gran dosis de escalofríos Rene Rodriguez - Miami Herald

La película intenta un falso final que no funciona, y hace que la película se torne fastidiosa y rutinaria
Stephanie Zacharek – Salon.com

La mejor películas de terror de lo que llevamos de año. De diferentes interpretaciones, kafkiana, retorcida y nada complaciente, Cusack realiza un auténtico tour de force interpretativo, dando vida a un descreído y frustrado escritor que se da de bruces contra sus peores pesadillas. En realidad, es un batiburrillo perfectamente servido de películas de género tan dispares como “Horizonte Final”, “The Haunting”, “El Resplandor” o “Barton Fink”. Escoge de cada cual lo que mejor le conviene, apuntalándo cada situación escalofriante con un gusto por el detalle caro de ver en el cine americano actual. Se toma su tiempo, alcanza un crescendo rematado por una secuencia realmente escalofriante, de las pocas que puedan dar un miedo real y físico al espectador (véase la magnífica persecución por el conducto de ventilación) y, sin embargo, arriesga toda la credibilidad en un tramposo final que no es, para volver a reconducir la historia. A pesar de algunos golpes de efecto impropios a tan sutil desarrollo (esos fantasmas o visiones en CGI, o el susto final, recurso ya un tanto sobado), 1408 es una perfecta muestra de que aún, el cine americano, puede dar obras de terror con cuerpo, originales, de su tiempo, sin ser secuelas, remakes, ni estar basadas en ninguna película asiática.
Antonio Bret – Esquivando Al Borrego

Muchachada Nui: Primer programa

2007-09-20T13:09:00.000+02:00

Ayer, justo después de que la primera de TVE siguiese su ejercicio de masacre para con la serie LOST, emitiendo un episodio de la segunda temporada cuando todos ya ansiamos que comience la cuarta, comenzó la nueva andadura Joaquín Reyes y compañía, el grupo de cómicos que con La Hora Chanante supusieron un verdadero aire fresco al anquilosado y rancio esquema del humor patrio. El formato es exáctamente el mismo, manteniendo incluso algún que otro personaje del programa anterior (convenientemente renombrado) y con el nombre de Muchachada Nui. Unos treinta minutos en los que el humor absurdo se mezcla con personajes célebres. Poco más voy a contar, porque el que conozca La Hora Chanante se dará cuenta que, básicamente, es el mismo perro con distinto collar: ahora Testimonios pasa a llamarse Celebrities, (adornado, por cierto, con infografía bastante chusca), Retrospectr ahora es Mundo Viejuno (un nombre más acertado, qué duda cabe) y El Gañán ahora pasa a llamarse Marcial, manteniendo incluso el grito como coletilla. Hay una trama que vertebra cada sketch, en este caso el personaje (un tanto desafortunado en esencia, aunque con arrebatos brillantes, como cuando emula a Godzilla) de Paquirrín, cuyo avión en el que viaja se estrella y da a parar contra una tribu de indigenas. Esta trama carece de garra, siendo bastante obviable en la mayoría del discurrir del programa. Las novedades que presenta Muchachada Nui son:

Miniserie "Las Historias De El Joven Rappel". Promete, sin duda. La caracterización vale su peso en oro y los créditos, emulando una serie policíaca de los ochenta, está muy lograda.
Enjuto Mojamuto: El homólogo de Superñoño. Un personaje delgado y cabizbajo que se encuentra en una habitación decorada con un poster de E.T abrazado por Michael Jackson. En este episodio, Mojamuto se está bajando Spiderman 3. Bastante absurdo y divertido.
El Bonico Del Tó. Todo un hallazgo, este nerd que alaba las virtudes de fiarse de las apariencias y el buen vestir.
Miniserie de animación: "Los Klamstein". La historia de una familia cuya madre es una mona y cuyo hijo sostiene en su cabeza un lagarto de komodo. Trip visual absurdo y delirante

Otros contenidos:

Hay un nuevo rap, que ralla lo patético, sinceramente. En esta ocasión se nos presenta a un aparejador. No llega a la altura de El Amigo Informático (su clara inspiración) ni a la del añorado Payaso. Eso sí, los cartabones no tienen precio.
Marcial nos cuenta todo sobre los cotilleos. Un buen comienzo para el nuevo gañán
Mundo Viejuno: Éxodo Rural. Esta vez, los doblajes son más delirantes si cabe, no en el contenido, sino en el modo de ejecución. Si antes, aposta, no hacían coincidir la voz con el movimiento de bocas, ahora simplemente pasan y hablan cuando están callados, o cuando el personaje está de espaldas, por lo que se antoja demasiado confuso. Esperemos que limen esto y lleguen a las cotas de Retrospectr.
Celebrities: Bono. Un buen testimonio, aunque en ciertas ocasiones el personaje se quedara en silencio como sin saber qué decir. Antológico el cambio de gesto entre rockero y compromiso. Perfecta caracterización.

La cabecera es de las mejores que les he visto, con un potente tema de toques acidorros. A modo anecdótico, ahora las tomas falsas, de las que a bien tenían prescindir en los ultimos chanantes, pasan a llamarse monetes y gaticos.

Esperemos que el segundo seá mejor que este, al que, aún teniendo momentos memorables, tenemos el derecho de exigirle más. Y más sabiendo que este grupo de cómicos puede dar más de sí. Por cierto ¿Dónde está Vicentín?

2020: Rangers De Texas

2007-09-20T00:39:00.000+02:00

Ficha
Anno 2020: I Gladiatori Del Futuro
1982
ITALIA
Director: Joe D’Amato
Guión: George Eastman
Intérpretes: Al Cliver, Harrison Muller Jr, Daniel Stephen, Peter Hooten, Al Yamanouchi
91’

Sinopsis: En un Texas desolado por la bomba atómica, un puñado de bandas se pelean por el control de un mundo desolado. Exploit italiano perpretado a raíz del éxito de Mad Max

Curiosidades:

Originalmente, el personaje de Donald O’Brien era golpeado en la cabeza con un hacha. Sin embargo, Joe D’Amato pensó que la escena había quedado demasiado ruda y realista, por lo que se filmó de nuevo, esta vez siendo cortado en el pecho. Un instante de la escena original aún permanece en el film.
Esta película está prohibida en Singapur
Se la conoce también en el extranjero por el nombre de “One Eye Force”
Joe D’Amato utilizó el seudónimo de Kevin Mancuso para firmar la cinta

2013: Rescate En L.A.

2007-09-18T23:41:00.000+02:00

Ficha

Escape From L.A.
USA
16 de octubre de 1996
Dirección y guón: John Carpenter
Intérpretes: Kurt Russell, A. J. Langer, Steve Buscemi, Georges Corraface, Stacy Keach
101’
Acción

Sinopsis: En un futuro desconocido, Los Ángeles se ha escindido de su continente, creándose una isla que sirve para que todos los indeseables de la América moralista pasen allí sus últimos años. La hija del presidente ha robado un dispositivo que podría desencadernar un holocausto nuclear y ha huído junto a su amante, un revolucionario que pretende usarla. Nuestro viejo amigo “Snake” Plissken es contratado para encontrarla y traer el artefacto de vuelta

Lo que la crítica dijo:

"Macarra, cutre, fascistoide y con un sentido del humor tan fino como unas bragas de esparto"
Antonio Albert – Cinemanía

"Conserva ese tono mordaz de Carpenter en el que nunca se sabe si se está burlando del género o rindiéndole un homenaje"
Omar Khan - Diario El País

“Un aburrido ejercicio de pirotecnia y efectos especiales de pantalla azul”
Scott Renshaw – Rec.Arts.Movies.Reviews.

“Viciosamente divertida”
Bruce Kirkland – Jam! Movies

Curiosidades:

Al principio de la película, Kurt Russell lleva el mismo vestuario que usó en el film original. 15 años después aún le iba bien

La narración del principio de la película la hizo Jamie Lee Curtis

1997: Rescate En Nueva York

2007-09-17T23:35:00.000+02:00

Ficha

Escape From New York
UK / USA
10 de julio de 1981
Dirección y Guión: John Carpenter
Intérpretes: Kurt Russell, Lee Van Cleef, Ernest Borgnine, Donald Pleasance
99’
Acción

Sinopsis: Un peligroso convicto debe salvar al presidente de los estados unidos, despues de que se avion fuese derribado por un terrorista y cayese en pleno Manhattan, reconvertida en una prisión de máxima seguridad. A cambio, será recompensado con la libertad

La Crítica Dijo:

“Deliciosa action-movie ambientada en un (entonces) futuro próximo”
Jordi Batlle Caminal – La Vanguardia

“Este thriller apocalíptico ha pasado con nota la prueba del paso del tiempo: su visión de Manhattan como una gigantesca prisión de máxima seguridad se ha anticipado mucho más que distopias más celebres como “Brazil” o “Blade Runner”
Rob Vaux – Flipside Movie Emporium

“Cuando llegan los créditos, no nos podemos quitar de encima una vaga sensación de insatisfacción, porque toda la creatividad que derrochaba el guión en su punto de partida no se ve adecuadamente desarrollado en el devenir de la trama”
James Berardinelli – Reelviews

“Genial divertimento de Serie B”
Gerry Shamray – Sun Newspapers Of Cleveland

13 Tzameti

2007-09-15T21:04:00.000+02:00

FICHA

13 Tzameti
Francia/Georgia
26 de enero de 2007
Dirección y Guión: Géla Babluani
Intérpretes: George Babluani, Aurélien Reconing, Pascal Bongard, Fred Ulysse,
86’
thriller

Sinopsis: Mientras arregla el tejado de una casa junto al mar, George, un joven avispado francés, decide suplantar la personalidad del fallecido dueño de la casa, tras recibir éste una carta en la que se le informa de que puede recibir una gran suma de dinero. Al presentarse en el lugar de la citación, se desencadena un terrible juego en el que el hombre se le pone precio y se le da caza.

La crítica ha dicho:

“El trabajo de Géla Babluani muestra una gran planificación, una soberbia dosificación de la tensión que va guiándonos a lo largo del relato, huyendo de reiteraciones para mantenernos interesados en la acción.”
Miguel Delgado – La Butaca

“13 (Tzameti)”, sin pretensiones exageradas, a través de la simpleza y eficacia comunicativa de su realizador, puede ser definida como una obra chiquita y perfecta, que da gusto mirar”
Leandro Marqués – La Butaca

“Aspira a la calidad de un Jean-Pierre Melville o un Fritz Lang, pero prueba estar más en sintonía con las mediocres maneras de un Shyamalan”

Nick Schager – Slant Magazine

“Es una cinta exquisitamente simple, y excepcionalmente dura. Su estética monocromática y su cásting repleto de rostros duros y fascinantes, hacen que no podamos quitar la vista de la pantalla, incluso en los momentos en los que la película ralla la línea de lo soportable”
Steven Rea – Philadelphia Inquirer

¡Está Vivo!

2007-09-13T22:33:00.000+02:00

FICHA

¡Está Vivo! (It´s Alive)
USA
Octubre de 1974
Dirección y Guión: Larry Cohen
Intérpretes: John P. Ryan, Sharon Farrell, James Dixon, William Wellman Jr.
91’
Terror

Sinopsis: Un matrimonio espera ansioso el nacimiento de su primer hijo. Pero lo que ellos creían que era un bebé sano y bello, resulta ser una criatura demoníaca provista de una fuerza descomunal que ataca cuando se ve indefensa y perseguida. Tras el parto, se iniciará una persecución en busca del monstruo, mientras los crímenes se suceden uno tras otro.

La Crítica Dijo:

“No se trata tanto de una versión de “La Semilla Del Diablo” sino de una ingenua visión de Godzilla en pañales”
John J. Puccio – dvdtown.com

“Un profundo y terrorífico análisis de las relaciones filoparentales y el miedo intolerante al ‘diferente’, todo ello más debido a su agudeza visual que a la cantidad de gore exhibido en pantalla”
Nick Schagger – Lessons Of Darkness

“Modélica serie B de monstruos en el que la originalidad viene de la mano de un bebé atroz y salvaje, pero provisto de la inocencia del que se siente amenazado. Vibrante y perfectamente ejecutada, combina momentos de humor negro con otros realmente angustiosos, como la ejecución del lechero en la furgoneta, en el que su sangre se mezcla con el contenido de las botellas, formando un mar rosa pegajoso y de efecto turbador”
Antonio Bret – Esquivando Al Borrego

La Película en IMDb

300

2007-09-12T22:26:00.000+02:00

Ficha
Fecha de Estreno: 23 de marzo de 2007
País: USA
Director: Zack Snyder
Interpretes: Gerard Butler, Lena Headey, Dominic West, David Wenham, Vincent Regan,
Duración: 117'

300 es la historia épica de un puñado de espartanos que se rebelan contra la opresión persa. Leónidas y sus trescientos hombres estuvieron a punto de derrotar a un ejército de millares, gracias a su coraje y la valentía de un líder que unía a su fuerza bruta un enorme carisma y una voluntad de hierro.

Lo que la crítica dijo:

"300 es una sangrienta película que se sumerge en sus propios excesos artísticos. No todas las personas, según edades y sexos, serán capaces de resistirla”
Peter Travers - Rolling Stone

"Tan sangrienta como 'Apocalypto' y el doble de estúpida. (...) Su exhibición de músculos y su gruñido de auto-seriedad es más pesado que entretenido."
A. O. Scout – The New York Times

"Un espectáculo tan sorprendente como lo fue 'Matrix' en su momento. (...) el esquematismo del cómic, la estilizada violencia de Kurosawa y la épica gestual de la ópera conviven en esta descarga eléctrica.”
Luís Martínez - Cinemanía

"Excesiva y apasionante muestra de hipercine y antihistoria académica, con un aspecto visual orgásmico y sobrecogedoramente lírico, al que sólo le afecta el irritante y ya un poco sobado 'efecto bala' de Matrix. Zack Snyder pretende hormiguear más nuestro bajo vientre que nuestras neuronas, lo que no podemos más que agradecer después de asistir a una alarmante falta de calidad en la actual parcela del cine-espectáculo. Película más de instintos que de charla de café."
Antonio Bret - Esquivando Al Borrego

Enlace en IMDb

11:14, Destino Fatal (11:14)

2007-09-10T22:17:00.000+02:00

Ficha
Director: Greg Marcks
Intérpretes: Hilary Swank, Patrick Swayze, Rachael Leigh Cook.

En un barrio de Middleton varios hechos se entrecruzan y tienen lugar exactamente a las 11:14, entre ellos, un padre ejemplar que se autoinculpa de un asesinato que no ha cometido, una dependienta resulta malherida tras el encontronazo con un atracador o el accidente que tienen tres jóvenes en una furgoneta, tras cometer varios actos vandálicos.

La Critica Ha Dicho:

"Además de una pieza de recargada minuciosidad en su puesta en escena y narrativa, es un macabro divertimento a modo de tratado surrealista, un atroz thriller que se concreta en un mosaico de coincidencias para conseguir la pura delectación de lo trivial"
Miguel Á. Refoyo

"Una película que, a pesar de que se olvida con la misma facilidad con que se mira, resulta lo suficientemente correcta, curiosa, entretenida e inteligente como para no lamentar el tiempo invertido."
Tònia Pallejà

"Puede verse más como un ejercicio de estilo que como una película en sí"
Dragan Antulov

"Analiza las causas-efecto de un puñado de sucesos idiotas y surrealistas que asolan a un vecindario"
Anton Bitel

rottentomatoes
IMDb

sicko

2007-09-01T17:56:00.000+02:00

El nuevo azote para el gobierno USA por parte del documentalista Michael Moore lleva por título "Sicko" y se centra en el precario sistema privado sanitario que actualmente juega con la vida de sus habitantes: todo cae en manos de empresas que, paradójicamente a lo que un sistema sanitario debería ser, intenta por todos los medios eludir la responsabilidad de curar a las personas, ya sea por poner mil trabas al acceso del seguro, buscando absurdos antecedentes o, ya en un extremo inhumano, tirar literalmente a la calle a aquellas personas que no pueden pagar la cuota del hospital.
Sería una estupidez por mi parte intentar convencer a la gente de que Michael Moore es una especie de santo. Es un tipo manipulador, amarillista, tendencioso. Sí, pero también es alguien necesario, es un grano en el culo, infantil y pedagógico, que confecciona sus películas como manuales de juegos de mesa para niños de 2 años, sin duda para asegurarse que su mensaje llega clarito, sin dobles lecturas y capacitado para que hasta el más iletrado de sus compatriotas lo pueda entender. Presenta casos reales en los que el paciente, con seguro médico y gracias a argucias despreciables y rastreras, se les es negada la asistencia. Otros casos van mas allá, en los que la entrevista se realiza a familiares de pacientes fallecidos por terceras personas (todo ello adornado, como no, de imágenes de archivo en el que podemos ver al propio paciente.) Va a Europa (Londres, Francia) y a su país vecino (Canada) para mostrarles que allí las cosas funcionan de otra manera. Evita mostrar cualquier aspecto negativo, por lo cual el efecto es más profundo: da igual. Todo el mundo sabe que las cosas no son tan bonitas tampoco en este nuestro glorioso continente, pero, qué quieren que les diga, funciona. Es un documental de propaganda antibush ejemplar: lo muestra como un animal de feria capaz de decirle a la cara de una mujer que se parte la espalda con tres trabajos para pagar un seguro médico incapaz luego de cuidarla que se siente orgulloso de ella. Y, por muy manipulado que esté (ya saben, largos planos de la cara de la paciente medio llorando, música clásica para poner los vellos de punta), lo que se nos muestra no deja de ser una realidad veraz: EEUU ocupa el puesto 37 en cuanto a servicio sanitario, por debajo de países como su archienemiga Cuba; se le pone precio al cuerpo de las personas (reimplantar un dedo medio cuesta 60.000 $, mientras que el corazón, el del anillo, el que muchos eligirán no tanto por el halo romántico sino por una cuestión de dinero, cuesta unos 12.000 $); al gobierno no le importa una mierda la salud de sus habitantes, solo minimizar costes para que los que tengan mucho tengan más. Nada que no sepamos ya. Pero lo realiza con tanta gracia, tiene momentos de tan poca vergüenza (el viaje a Cuba no tiene precio, con abrazo entre bomberos de un lado a otro incluído) y el destino le es tan propicio (pagó anónimamente, hasta ahora, los servicios médicos del gestor de la más importante página anti-moore, ya que su mujer estaba enferma y la web iba a cerrar por problemas económicos) que no podemos dejar de aplaudirle una y otra vez. Por lo menos él hace algo, ya se pueda estar más o menos de acuerdo con sus métodos. El caso es quejarse y no mover un puto dedo.

las diez peores peliculas del 2007 (por ahora)

2007-09-01T14:28:00.000+02:00

Según la estupenda web de cine de los USA rottentomatoes, que evalúa la frescura o la podredumbre de una película mediante la media de las críticas recabadas por todo lo largo y ancho de los estados, estas son las diez peores películas de lo que llevamos de año.

Eragon. Una de dragones, rip-off de el señor de los anillos, con un descolocado Jeremy Irons y escrita por un adolescente. En IMDb, un 5,1

When A Stranger Calls. Un remake de aquella peliculita de terror en la que se acosaba por teléfono a una muchacha. En IMDb, un 4,6

Just My Luck. Una comedia con Lindsay Lohan, aka LiLo, en la que interpreta a una chica que tiene muy mala suerte. Nada más que decir. En IMDb, un 4,9

The Covenant. ¿Cuantos batacazos lleva seguidos Renny Harlin, aquel que dirigiese una de las mejores películas con Stallone dentro, Máximo Riesgo? Estrenada en España como "La Alianza Del Mal", parece una versión machoman de Jovenes Y Brujas. Porque a ellas también les gusta el cine de terror. En IMDb, un 4,7

Deck The Halls. Una comedia navideña con Danny DeVito y Matthew Broderick. Inédita en España. Mejor. En IMDb, un 4,4

Date Movie. Teníamos 'Scary', luego 'Epic' y ahora 'Date'. ¿Qué más falta? ¿'War'? '¿Social Themes? Basta. En IMDb, un 2,7

Annapolis. Un cruce entre Top Gun y Oficial Y Caballero en la que no desentonaría la canción In The Navy de los Village People. Además sale James Franco, actor insustancial y anodino como pocos. En IMDb, un 4,6

Crossover. Una de negros jugando al baloncesto. Una película con ninguna crítica positiva en la base de datos de la web. En IMDb, un 1,6

All The King´s Men. Una con Sean Penn basada en un premio Pulitzer y encima remake. En IMDb, un 6

Instinto Básico 2. ¿Hace falta añadir algo a esto? Sharon Stone intentando realizar proezas sexuales a su edad. ¿Donde esta la bolsa de vomitar?. En IMDb, un 3,8

halloween (rob zombie 2007)

2007-08-31T18:10:00.000+02:00

Hoy se estrena en EEUU la última película de Rob Zombie, tras el buen sabor de boca que nos dejo a todos con "Los Renegados Del Diablo", secuela de la inferior "La Casa De Los Mil Cadaveres" y que supuso una regresión al sucio y árido cine horror que tanto se practicó en la década de los setenta, auspiciado por el descomunal éxito de "La Matanza De Texas". Como ya debéis saber, se trata del remake-precuela de la seminal "La Noche De Halloween", precursor del slasher (con permiso de la anterior "Black Christmas" de Bob Clark) dirigido por John Carpenter en 1978 y que hasta la llegada de "El Proyecto De La Bruja De Blair" era la película más rentable de la historia del cine.
Como ya ocurrió con "Hostel 2", se ha filtrado un workprint a la red. Dado que su estreno en España no tendrá lugar, como mínimo, hasta navidades (1), ya le he podido echar un vistazo, amén de naufragar por foros del género para ver qué tal le había sentado al aficionado este nuevo ''asalto'' a una obra ''intocable''. Por lo leído hasta ahora, todo o casi todo son críticas negativas. No hay que hacer caso. El "Halloween" es, menos mal, radicalmente distinta a la de Carpenter (2). Y menos mal porque de lo que trata un remake, al menos, es de que el ''autor'' aporte algo distinto a lo ya hecho, que no se limite a ser una fotocopia o, muchísimo peor, un reflejo deformado, bastardo, aséptico, correcto y adaptado a los tiempos, como ha sido casi todo el cine de terror de finales de la década pasada hasta hace bien poco, por culpa de la, por otra parte magnífica, "Scream". "Halloween" está dividida en dos partes bien diferenciadas: la primera cuenta la infancia de Michael Myers. ¿Era necesario tratar este tema? Si bien es verdad que Zombie peque de ingenuo situando al desdichado Myers en un ambiente cenagoso, enajenado, corrompido y putrefacto para así poder, al menos, ''justificar'' el porqué de sus actos, no podemos dejar de pensar, sin embargo, que se trata de otro nostálgico homenaje a los modos y formas del terror de antaño (vean si no como congela la imagen para insertar el título del film). Myers se nos presenta como un niño aislado, un psicópata en potencia, que sin embargo no recuerda sus actos viles. Es encerrado y su psicólogo, un magnífico Malcolm Macdowell pletórico y felizmente recuperado tras su paso por "Heroes", se deja la piel intentando ahondar en su retorcida mente. Tras un desgraciado incidente en el hospital, escapa quince años después de aquellos desgraciados sucesos, y lo que sigue ya se lo pueden imaginar: un típico slasher correctamente dirigido que brilla con especial intensidad en dos de las muertes, una especialmente lograda a través del cristal de una puerta. No hay una especial descompensación entre las dos partes, si bien podemos vislumbrar una cierta domesticación por parte de Zombie, debido sin duda a la presión de los jefazos MyersWeinstein.
"Halloween" resulta así una competente puesta a punto de un personaje ahogado en la parodia de sus vomitivas secuelas. Repleta de caras conocidas por el amante del género (Dee Wallace, Brad Dourif, Danny Trejo, Udo Kier, Ken Foree) una película que se toma muy en serio a si misma (3), que pocas veces trata al espectador como un retrasado mental (de ahí puede que vengan las malas críticas), que se toma su tiempo y dosifica las muertes, increíblemente secas en el tercio inicial y que no se regodea en la sangre ni la adorna con efectismos baratos.

(1) el estreno oficial no tendrá lugar hasta el próximo mes de octubre dentro de la 40 edicion del festival internacional de cinema de catalunya que se celebra cada año en Sitges.

(2) pese a ello, Zombie homenajea al original explícitamente en una escena que no revelaremos.

(3) tanto es así que no duda de poner a follar como locos a los jovencitos antes de darles carnicería y trufar la película de jugosos desnudos, algo impensable en la avalancha que sufrimos de terrores de diseño

wrong turn 2

2007-08-24T16:38:00.000+02:00

Wrong Turn 2: Dead End

El argumento promete: un grupo de concursantes de un reality show se las verán con una familia de caníbales. Imaginaos eso en un Supervivientes español, con la Barbara Rey o Kiko de Gran Hermano...qué delicia oye.

El que dirige: Joe Lynch
Los que dan la cara: Erica Leerhsen y Henry Rollins (sí, el de la Rollins Band)

¡Buen provecho!

jack brooks: monster slayer

2007-08-24T15:45:00.000+02:00

Jack Brooks es un fontanero con un destino un tanto aciago. Tras su familia ser masacrada, nuestro protagonista padece unos accesos de furia incontrolable que no hacen otra cosa que impedir que su vida transcurra con cierta normalidad. Aconsejado por su novia Eve, se decide a despejar la mente acudiendo a clases nocturnas. Pero nada, el mal agüero lo persigue y un demonio posee a su profesor, teniendo así una excusa para canalizar su ira, protegiendose a si mismo y a los demás. Como curiosidad, rematar que el profesor se apellida Crowley. Sí, como nuestro amigo Alistar.

"Jack Brooks: Monster Slayer" está pendiente de estreno en los USA, está dirigida por Jon Knautz y está interpretada por Robert Englund en el papel de Crowley y por Trevor Matthews en el papel del sufrido Brooks.

the office ringtone

2007-08-13T16:10:00.001+02:00

the asylum o el arte del copieteo

2007-08-11T17:43:00.000+02:00

El arte de la falsificación es tan vieja como antigua es el ansia de intentar sacar tajada de los logros del ajeno. En todos los aspectos del arte del comercio y la cultura, ya sea ropa o accesorios, obras pictóricas o, como en el caso que nos ocupa, películas, siempre habrá alguien a la cola del gran éxito del verano que, con su modesta y desvergonzada obrita, intente llevar a incautos y desprevenidos a las salas de cine (o al mercado del DVD, más propiamente), ofreciéndoles lo mismo. O casi. Todos recordamos la cantidad de películas de animales marinos enfadados que pulularon a la sombra del tiburón de Spielberg, o los vómitos a base de guisante que siguieron a "El Exorcista". Si bien yo mismo denunciaba vehementemente estos 'artefactos' mugrientos y descaradamente oportunistas hace ya bastante tiempo, ahora, con el descreimiento que da la experiencia, no puedo más que dejarme llevar por este tipo de infectos productos, navegar por foros que huelen a rancio y descubrir que, muy a pesar de los grandes y para regocijo nuestro, hay quienes siguen en sus trece.
Es el caso de The Asylum. Fundada en 1997 por David Michael Latt, David Rimawi y Sherri Strain, esta modesta productora norteamericana tiene a día de hoy acuerdos de producción con Australia, Méjico y Tailándia (¿?!¡) para dirigir películas destinadas al mercado internacional. Al principio de su historia, se hacían llamar First Rites, con la que producían películas dirigidas por debutantes. First Rites fue creada por Mitt Barlow, fundador de TRIBE, una compañía australiana asociada a The Asylum y llegaron a sacar hasta 120 películas dirigidas por debutantes. Esa curiosa manera de promover el arte de almas virgenes ya no existe, aunque Asylum no cesa en su empeño de producir dos o tres películas artesanales junto a Vanguard Films. Además cuentan con su propio estudio, con el que han logrado sacar a buen puerto la comedia romántica Rock'n'Roll Fantasy, fechada en 1992 así como el techno-thriller (sic) Max Knight: Ultra Spy (2000). Actualmente tienen en producción la secuela de Scarecrow.

Y ahora, lo que todos estábais esperando...¡¡las películas!! ¿qué engendros han distribuido, financiado, vomitado? He aqui algunos de los más curiosos/desvergonzados/entrañables

The Transmorphers. ¿Recordais las pilas PANASOANIC? ¿las zapatillas NYKE? ¿el transistor viejo de tu padre SONIC? Pues es lo mismo. Michael Bay se ha gastado una millonada llevando al cine esa serie que a mi nunca me gustó de los robots que vuelven a la tierra, o vienen por primera vez, y son tambien coches, bla bla. Una tontería, vaya. Pues nada, pillamos robots animados de aquella manera, cuatro o cinco maniquíes parlantes con pistolas de plástico y los ponemos a dar vueltas. Ah, y pillamos el título original y le damos una vueltecilla para que no se note mucho Curiosamente, cuando uno se la baja del emule, en los comentarios pone ''OJO, NO ES TRANSFORMERS''. Yo pensaba que los de Asylum pecaban de ingenuos, si pensaban que la gente iba a tragar. Nunca subestimes la estupidez del ser humano. Nunca.

Snakes On A Train. ¿Alguien se acuerda ya (y mira que ha pasado poco tiempo) de la película en la que salía la rubia de los helados, la Pataky, esa del avión y los reptiles. No, verdad, pues nada, aquí están los amigos de Asylum para refrescaros la memoria. A una muchacha le cae un mal de ojo tan malo, que consiste en que le crece una serpiente en el cuerpo y se la va comiendo poco a poco. Y claro, como no tiene ganas de que le pase eso, pilla un tren para ver al curandero que se la quite. Lo demás os lo podéis imaginar.

666: The Child. ¿Se pueden dar más pistas con solo dos palabras? bueno, y tres números. Un avión pega una caída de ordago y sólo sobrevive un niño. Ese niño es adoptado. El niño es el demonio y ha venido desde el avión para hacer pupa. Fin. Prueba de que la gente es estúpida. Leído en IMDb, en el foro correspondiente a este film. "This is precisely why The Asylum cranks out all these crappy cash-ins left and right. They WANT you to think it's The Omen remake. Then you'll rent it and they'll make a quick buck at your expense.
Remember people, when you're in your local Blockbuster store, READ THE DVD CASE CAREFULLY BEFORE YOU RENT THE MOVIE!" ¿No parece el slogan publicitario de una de estas películas?

The DaVinci Treasure. No...¿estás de broma? Como si no tuviésemos bastante con la 'original'. Pues eso, que tengáis cuidado cuando la alquiléis (¡ja!). Porque CODE y TREASURE son palabras que se asemejan bastante.

Halloween Night. Aquí pasan hasta de cambiar el título. Bueno, vale, la de Carpenter era "Night Of Halloween"... Basada en hechos reales (cierto, Halloween es una fiesta que existe), cuenta la historia de un hombre que se escapa del psiquiátrico el día 31 de octubre (tenía el muchacho ganas de fiesta) y regresa a su hogar, intentando esclarecer porqué su madre fue asesinada. Para ello no se le ocurre otra cosa que matar a todo el que se cruza e su camino, incluida a la familia que vive en su casa en la actualidad. No sé qué relación puede tener una cosa con la otra. ¿No os encanta el poster?

Pirates Of Treasure Island. ¡Sí! ¡Esta también! y seguro que es mejor, ya que no sale Johnny Deep. En IMDb hablan de parodia. Seguro que involuntaria.

Invasion Of The Pod People. Igualita que "Invasión De Los Ladrones De Cuerpos". Échenle un vistazo al poster.

Hay ejemplos a puñados, igual de sangrantes que estos. Vayan a su página web y échense unas risas. O a cualquier entrada de cualquiera de sus películas en IMDb, uno de sus directores en plantilla, Leigh Scott, que debe hacer películas como el que prepara tostadas, se enzarza en peleas con los usuarios, llama ladrones a los que se bajan sus películas, y pide un filtro para los comentarios del foro, ya que sus películas solo se distribuyen en US y la gente que allí escribe tiene un inglés terrible. ¿Se puede ser más tonto?

En emule se encuentra para descargar esa joya llamada "Transmorphers", con subtítulos integrados. Os invito a que la bajéis y le digáis dos cosas a DirectorLeigh. Original hasta para ponerse el nombre de usuario.

el modelo grindhouse aterriza en España

2007-07-23T12:00:00.000+02:00

Pues si, a pesar de que el proyecto conjunto entre Tarantino y Rodriguez vaya a estrenarse mutilado, Manga Films ha decidido ir contracorriente y hacer justo lo contrario, aunque yendo al meollo de lo homenajeado: programar una doble sesión con películas cuyo espíritu se asemeje al de aquellas polvorientas cintas en lo que todo era gratuito menos la entrada del cine. Este experimento, que esperemos que cuaje (por dos razones: se estrenarían muchos más productos de esta calaña hasta ahora relegados a dvd y tendríamos dos entradas al precio de una) se estrena en España el 14 del próximo mes de agosto, y lo conforma este par:

Desmembrados: con este tan original titulo se estrenará la estimable comedia negra 'Severed', que sigue la estela paródica de titulos como "Shaun Of The Dead" o "Evil Aliens". Cuenta la historia de un grupo de yuppies estresados que se van al bosque a tirarse bolas de pintura, y acaban siendo troceados por un grupo de terroristas de la Europa del Este. Muy cafre.
Ovejas Asesinas. Explícito título para una película ya comentada por estos lares. Ecologistas torpes, hombres-oveja y mucha sangre lanosa. Diivertida y con su puntillo cafre.

Desde aquí aplaudimos la iniciativa y le deseamos una larga vida. Ojalá en los cines que se proyecte dejasen fumar, beber alcohol y esas cosas que nos lo harían pasar mucho mejor.

Le Démon dans l'île - 1983 (Piezas Asesinas)

2007-07-23T10:49:00.000+02:00

Siempre que llega el domingo elijo entre las películas que tengo descargadas que aún no he visto. Suele ser una tarea frustrante, porque tengo demasiadas y soy muy indeciso. Esta fue la última que vi en el día, un ripeo de cinta vhs que ni se escucha ni se ve mal del todo. Se trata de Le Démon Dans L'Ile, una oscura, por desconocida, película francesa de los 80, un tanto dificil de clasificar. Podríamos concertar que se trata de un giallo con ribetes fantacientíficos. A saber: una doctora llega a una isla para ocuparse de sus habitantes, después de que estos muestren una cierta desconfianza con el que hasta ahora ha sido su médico de cabecera, el doctor Marshall. Y como para no confiar: imagínense a un cruce entre Jaime De Mora Y Aragón y Pierre Nodoyuna, siempre de chaqueta aunque con un sol de justicia, de esas personas que aunque te estén dando los buenos días parece que estén firmando tu sentencia de muerte. Pues bien, resulta que la muchacha doctora, una especie de Eva Perales sin estrabismo y con belleza pajaril, debería haberse quedado en el país gabacho, ocupándose de los extranjeros o, como bien apostilla eufemísticamente una funcionaria, "continentales". ¿Que por qué? demonios, porque resulta que es llegar ella, y los cacharros se vuelven locos (sí, por eso lo de 'piezas'). El alcalde se corta al afeitarse, pero un corte que no se tapa con un taponcillo de papel, como hace(mos) todo hijo de vecino, sino uno de estos que harían las delicias de Argento. A una vecina le estalla la cafetera en las narices, un burgués se corta unos cuantos deditos al mostrarle a su hacendosa mujer como se colocan las cuchillas del efectivo cuchillo eléctrico que acaba de comprarle por su cumpleaños (se lo merece, sin duda, por tener semejante detalle con ella: le faltaba un par de calcetines blancos con el par de rayitas de colores) o una niña pierde un ojo porque un osito tamborilero le clava una baqueta (!!!). ¿Qué es lo que pasa en esta isla, que parece que el supermercado está enamorado de Stephen King?
"Piezas Asesinas", que así fue llamada en los cines de España, o al menos en los videoclubs de barrio, es una película muy recomendable a pesar de esa trama que no está lo suficientemente explicada. Los personajes que habitan la isla parecen desnortados y manifiestan un machismo galopante; tenemos la ración de desnudos por parte de la guarrilla del pueblo y, por supuesto y en la tradición del mejor giallo, un final delirante, ridículo, fascinante, soberbio, en el que podemos asistir a un par más de muertes rebuscadas (la del horno es impagable) participa un niño que parece pariente de Lauren Postigo, y sorprendentemente, bañado por una poesía romántica, de la tradicional, de la de cementerio y niebla.

mogwai

2007-06-11T19:18:00.000+02:00

mogwai - take me somewhere nice

Ghosts in the photograph
Never lied to me
"I'd be all of that"
"I'd be all of that"
A false memory
Would be everything
My denial
My Elimenant

What was that for?

What would you do if you saw spaceships over Glasgow?
Would you fear them?
Every aircraft
Every camera
Is a wish that i never granted

What was that for?

Try to be bad

echo & the bunnymen

2007-06-11T19:10:00.000+02:00

echo & the bunnymen - the killing moon

Under blue moon I saw you
So soon you'll take me
Up in your arms
Too late to beg you or cancel it
Though I know it must be the killing time
Unwillingly mine

Fate
Up against your will
Through the thick and thin
He will wait until
You give yourself to him

In starlit nights I saw you
So cruelly you kissed me
Your lips a magic world
Your sky all hung with jewels
The killing moon
Will come too soon

Fate
Up against your will
Through the thick and thin
He will wait until
You give yourself to him

violent femmes

2007-06-11T19:06:00.000+02:00

violent femmes - blister in the sun

When Im out walking I strut my stuff yeah Im so strung out
Im high as a kite I just might stop to check you out
Let me go on like I blister in the sun
Let me go on big hands I know your the one
Body and beats I stain my sheets I dont even know why
My girlfriend shes at the end she is starting to cry
Let me go on like I blister in the sun
Let me go on big hands I know your the one...

sr chinarro

2007-06-11T18:47:00.000+02:00

sr. chinarro - estrenos t.v.

Santiguado quedas, querido inocente. Cual los patos meneabas tu colita, cual, en enaguas. Ay, qué tripa más fresquita. Unos y otros desde el agua te decían...ve y prende la tele, no tomes apuntes, aprende del prenda que suelta las riendas y, sin caballo, ríe desbocado, y sin palabras se queda a su lado; ahogadillas en sus ojos claros. Un castigo, todos salen de su curso. Un diluvio: hay una cesta, aúlla en la orilla. No soples ya, loba: mirilla en la puerta, mirilla en el rifle. Hoy los colonos descubrieron tierra; la infantería y su desembarco, una boca en la cara de piedrra y la mano: ella amamanta, ella mama.

Verdad como puños.

Grindhouse (2): Death Proof

2007-06-06T19:41:00.000+02:00

Estaba cantado. Desde el primer momento en el que se supo que este proyecto iba a llevarse a cabo, todos sabíamos que a Rodríguez le tocaría la parte gore del pastel, mientras que el señor Tarantino se decantaría por el lado de la exploitation vía venganza, road-movie, con elementos de blaxploitation. Death Proof cuenta la liviana historia de Stuntman Mike, un psicópata otrora doble de escenas de riesgo en teleseries de poca monta que se dedica a acosar a jovencitas en la carretera, dándoles muerte siempre usando su coche. En apenas 85 minutos y con una historia radicalmente dividida en dos, al cineasta le da tiempo de impregnar toda la historia con esos interminables diálogos de besugo tan caros en su cine, lanzar guiños un tanto hirientes hacia el panoráma cinematográfico actual (1) y dejar claro una cosa, por si no lo sabíamos: es, actualmente, uno de los mejores cineastas de género que hay: solo hay que echar un vistazo a la escena que divide la historia, un majestuoso choque frontal entre dos coches que se nos ilustra no una, ni dos, sino hasta tres veces, desde otros tantos puntos de vista, o a esos quince minutos finales, que deben entrar dentro de la categoría de 'mejores persecuciones de la historia del cine'.
Y podría aburrir contándoos el amor por el cine de género que destila cada uno de los fotogramas de Death Proof o lo mucho que le gusta a Tarantino una negra (2). Pero no. Simplemente os voy a decir que, aparte de lo miserablemente triste que resulta ver Grindhouse mutilada (3), tanto Planet Terror como Death Proof son dos peliculitas que te reconcilian con el niño que se pasaba las horas muertas viendo películas baratas en la 2 por la tarde, que te hace albergar esperanzas de que aún existe gente en el mundo del cine con pasión y, por supuesto, gente tan tonta como para dejarse embaucar, y hacer posible que un producto tan suicida como este se haya podido llevar a cabo aunque aquí lo veamos mutilado. Esperaremos al DVD.

(1) En un pasaje del film, podemos ver como un Grindhouse emite una doble sesión de Scary Movie 4 y Wolf Creek perfectos exponentes contemporáneos de lo que un cine de esas características proyectaría hoy día.
(2) Jocosamente, en una escena de la película, un redneck de la américa profunda se refiere a una de las chicas como "de color", ante la extrañeza de su amiga": impensable en los tiempos de las grindhouses.
(3) ¿Qué demonios harán con los trailers?

hostel 2

2007-06-05T17:55:00.000+02:00

Nota: La siguiente reseña se basa en el visionado del workprint que ha sido filtrado en los programas P2P. De todas maneras, no hay visos de que el resultado final vaya a distar mucho de lo que pude ver. Aunque, en los tiempos que corren, quien sabe...

Nuestro querido amigo Eli Roth, lo más autenticamente seventies que importamos de los USA junto a Rob Zombie, está a puntito de estrenar en todo el mundo la secuela de su exitosa Hostel. A día de hoy, a un año de su estreno, aún la tenemos fresquita: la cinta de Roth ha sido la última película-fenómeno llegada desde norteamérica, a tenor de lo ofrecido a través de la prensa extranjera y su exhibición previa en festivales: que si su violencia alcanzaba límites casi insoportables, que si era machista, misógina, homófoba, que si la gente se había desmayado durante alguno de sus pases...todo ello aliñado por una memorabilia que nos retrotraía a tiempos mejores para el cine de terror: fábricas chorreantes de tuberías desencajadas, angostos pasillos que parecían no tener fin...y unos carteles que desafiaban las leyes pacatas y moralizantes de la (fascista) MPAA: un tipo enfundado en un vaquero marca-paquete a lo "Sticky Fingers" de los Rolling Stones, agarrando una cabeza despojada de su cuerpo de mujer o una taladradora insertada en la boca de una de las víctimas, con la broca formando un siniestro relieve a lo largo de la garganta.
La premisa de Hostel era poco original: nos retrotraía a la típica historia de la caza del hombre, pero con una ligera variante para adaptarla a los tiempos que corren: un grupo de ricachones hastiados de no saber en qué gastar el dinero, se dan cita en una fábrica ignota de un país dejado de la mano de dios, ejem, los EEUU, Eslovaquia, para torturar adolescentes, en general turistas borrachuzos pre, post, o directamente Erasmus, dispensados previamente por una organización a través de subasta por internet, a lo E-Bay (1). Así, un grupo de tres jovenes ávidos de sexo fácil, se encuentran con que van a experimentar otro tipo de pérdida de fluidos en la pérfida Europa. De nuevo, motivo para la polémica: Eli Roth afirmó haberse basado para la historia en algunos sitios web en los que había gente que ponía precio a su vida. Pocos le creyeron poniendo el grito en el cielo y acusando al cineasta de nada menos que emprender una campaña alertando de los peligros que supone el viejo continente. Nada nuevo bajo el viejo sol de lo políticamente correcto.
Para Hostel 2, Eli Roth sabe como pasarse por el forro de sus tejanos a todos los criticuchos de tres al cuarto, asumiendo su espíritu de secuela nonsense: en lugar de seguir las peripecias del único superviviente de la primera masacre, opta por cambiar el sexo de los portagonistas, y ahora en lugar de ser tres varones salidos, son tres hembras ávidas de... arte. Estudian pintura en Roma y allí, una modelo, les invita a desestresarse en el mayor y mejor spa del mundo. Bingo. Está en Eslovaquia, y la historia, de aquí al final, se la saben de sobra. ¿Por qué, entonces, hemos de pasar por caja? No solo por verle el careto majestuoso y de bella madurez a la añorada Edwige Fenech, o por ponerle cara al recuperado Ruggero Deodato. Hostel 2 cuenta con un factor que, si en otras secuelas se presenta como una gran traba, aquí se manifiesta como un alivio: el sorpresa. Una vez que ya sabemos que todo el tinglado lo forman unos ricos caprichosos, ¿qué queda? pues mostrar un poco como lo hacen, como se organizan, qué pintas tienen, etc. Y si bien no se ha aprovechado del todo esa cara del relato (2) sí que se ha tirado de bastante humor negro y mala leche (3). Por lo tanto, la acción comienza desde el primer minuto de la cinta, (4) desarrollándose cómodamente casi en su integridad en la bella Eslovaquia, con una fotografía tenebrosa (5) y con eminentes guiños al fantaterror europeo (si antes citábamos la participación de la Fenech y el señor Deodato, no podemos pasar por alto una de las escenas cumbre de la cinta, en la que la condesa Bathory es dígnamente homenajeada). Aparte, el elemento 'crueldad' de la película, lo que todo el mundo espera, por lo que todo el mundo va a ver la película, a ver si ahora vamos a ver porno por las cosas que se dicen, es superior a la primera, con creces. La primigenia Hostel contenía un puñado de escenas incómodas, pero todas apegadas a un aire cómic lo suficientemente acentuado como para que el espectador pudiese mantenerse a cierta distancia, y el efecto, más que nauseabundo, fuese de carcajada sonora (6). Sin embargo, en esta secuela sí que hay escenas que pueden incomodar (7).
Con Hostel 2, Eli Roth ha conformado un extraño híbrido entre las cintas de exploitation europeas de los 70 y el terror de diseño adolescente contemporáneo, tomando de cada uno lo mejor y evitando el acercarse a la burda comedieta adolescente.

(1) De esto no tenemos constancia hasta bien entrada la secuela.
(2) Tampoco dan para mucho sus ajustados 93 minutos.
(3) Por ejemplo. el método para seleccionar a las víctimas, la ropa que llevarán, o las armas que usarán.
(4) Son en esos minutos en los que Roth demuestra, aparte de tenerle un cariño inmenso al cine de género, una cara dura que embarga y que, sin duda, provocará gritos de hereje entre el fandom más recalcitrante y corto de miras.
(5) Por ejemplo. los momentos justamente anteriores al secuestro de la bella Beth, interpretado ajustadamente por Lauren German, con el spa a modo de estepa desolada.
(6) Aún recuerdo el tijeretazo al ojo, o el corte a los talones, más propio de los delirios de Peter Jackson, que del rollo malrollista de, pongamos, Buttgereit.
(7) Un brutal asesinato, curiosamente, en off, o la última de las escenas, homenaje declarado al género de caníbales/mondo que originó el ya citado Ruggero Deodato.

Grindhouse (1): Planet Terror

2007-06-05T00:23:00.000+02:00

La primera película del díptico que conforma este ejercicio de estilo nostálgico llamado Grindhouse, lleva por título "Planet Terror" y está dirigida por el injustamente denostado Robert Rodriguez. Cuenta la (confusa adrede) historia de un arma bacteriológica que diezma a la población mundial, convirtiendo a la masa en una enfebrecida piara de zombies, con el único propósito de aniquilar, mutilar, desmembrar, y pegar más de un mordisco. Sin lugar a dudas, el señor Rodríguez se ha tomado el asunto muy en serio: las interpretaciones son abismalmente histriónicas, llevándose una montaña de laureles el desaparecido Josh Brolin, o Michael Biehn, que ilustra los pasajes más 'macho-épicos' de la historia. El tono del film, el esperado: humor negro a espuertas, gore a paletadas, mucho más del que estamos acostumbrados en una gran producción de hollywood, y muy poca vergüenza; una capacidad para crear iconos asombrosa (la imagen de la bailarina gogó, con la pierna amputada y reemplazada por una metralleta, la enfermera con el rimel corrido empuñando jeringuillas); jugosos cameos que se extienden más allá de lo anecdótico (Tarantino y su ya típico papel de maníaco sexual, Bruce Willis, esta vez ejerciendo el papel de malo de la función o Fergie, de The Black-Eyed Peas, mero florero para marcar tetas y justo guiño para lo que suponía este tipo de productos en la época en la que florecieron.
Hay que decir que Grindhouse ha sido un total y absoluto fracaso en los USA. Las razones que se me ocurren, a bote pronto, pueden ser varias: uno ya no está acostumbrado a meterse en un cine y ver mas de 180 minutos de cine, a no ser que sea Titanic o El Señor De Los Anillos, esto es, una filmación pulcra y limpia que dista mucho del grano gordo, los trazos de rollo sucio y el sonido cuasi monofónico del que hace alarde el proyecto Rodríguez-Tarantino. Otro, podría ser, que el público aficionado a las dobles sesiones vivía en otra época de la historia radicalmente distinta a la actual, más acostumbrado al machismo o la violencia cruda sin adornos o coartadas de ningún tipo, menos apegada a la violencia fashion contemporanea. Sea cuales sean los motivos, Rodríguez ha firmado en esta película uno de sus más sinceros y mejores trabajos, entretenido hasta la nausea, vertiginoso, arrebatador y deliciosamente chabacano. Sin medias tintas, como en los viejos tiempos.

¿Quién puede matar a una oveja?

2007-05-31T11:55:00.000+02:00

No sé vosotros, pero a mí hay animales que me producen una inusitada ternura, casi enfermiza. A saber: los perros pachones, esos de orejas largas y ojos colgones; los mapaches, con esa pinta de ladrón distraido; los pandas, por el motivo que todos sabemos; los bueyes, con ese caminar impasible del que se sabe de vuelta de todo. los perezosos, koalas y demás fauna lasa y vaga; y sí, las ovejas. El ganado bovino. Esas que usamos para cuando no podemos dormir, que contamos una y otra vez, imaginándolas pegando brincos sobre troncos una y otra y otra vez hasta que caemos rendidos, si, de aburrimiento.
Jonathan King es un tío listo y con muchas ganas de pasarlo bien. Amante sin duda de la corriente splatter que combina humor absurdo y casquería (desde aquel caballero negro de la Monty Python hasta el Braindead de Peter Jackson, pasando por los cartoons de Chuck Jones o Tex Avery), ha introducido en su ópera prima un elemento apenas explotado en la historia de las monster-movies: el elemento entrañable como amenaza ominosa. Acostumbrados como estamos a películas con calamares, arañas, cocodrilos, serpientes, simios gigantes, polillas (que en su tamaño natural no es que sean muy amenazantes, pero feas son un rato), el señor King no se le ocurre otra cosa que asustarnos con ovejas: ese pequeño, torpe y lanudo animal que se pasa toda la vida con una mirada que podríamos traducir en: "mi vida es miserable, acaba con ella o adóptame y llévame contigo de viaje por Europa". "Black Sheep" narra la historia de un joven con fobia a las ovejas, que retorna a la granja, otrora regentada por su difunto padre, no sin encontrarse con un hermano pérfido que experimenta geneticamente con el ganado, un cateto con pocas luces pero de gran corazón (como todos) y una rubia prieta, ecologista, vegetariana, adicta a la cultura zen, llamada Experience (sic). El novio de Experience, un perroflauta con ganas de cambiar el mundo pero ceporro como él solo (otra perogrullada) roba un feto mutante de oveja y, en la huida, se le cae. El feto resulta ser una pequeña oveja, con bastante parecido a aquella rata-mono que aparecía en la anteriormente citada "Braindead", que muerde la oreja del desdichado hippie, y los morros de una compañera. Así ya tenemos el circo montado: por un lado, las ovejas buenas sin infectar y las malas con una feroz hambre de carne humana; y por otro, los hombres-oveja, también con muy mala leche y aspecto bastante desalentador. El resto se lo pueden imaginar: un festín de mutilaciones (menos de las deseadas) y mucho humor de brocha gorda (las ovejas parecen tener un grave problema de gases), rematado por un final antológicamente explosivo.
Jonathan King ha demostrado como se puede todavía innovar en el asfixiante mundo del splatter. Con demostrar simpatía por el género, y tomándoselo a broma, completamente en serio.

A Guide To Recognizing Your Saints (Dito Montiel - 2006)

2007-02-25T17:51:00.000+01:00

Siempre he pensado que la familia, como estatuto, está sobrevalorado: estás forzado a vivir una gran parte de tu vida con personas que no eliges, que además se han permitido el lujo de darte una vida que no pedías, y, en el mayor de los casos, te dan una educación basada en patrones desfasados que ni siquiera les sirvieron a ellos para ser felices. Es lógico: la sociedad bienpensante espera que sufras por el fallecimiento de esa abuela a la que has visto tres veces en tu vida, que cuando hace lo propio el perro con el que has convivido durante quince largos años. Es así, el amor no brota innato derivado de una relación estrictamente cosanguínea, sino del roce, del día a día, de la rutina. "A Guide To Recognizing Your Saints" recoge la historia de una familia en un barrio marginal de los EEUU durante la década de los 80. En ella, Dito y sus amigos se debaten diariamente en un entorno en el que la violencia contenida, fruto de la desidia y el aburrimiento y las pocas persepctivas de futuro, amenaza con estallar como una olla express. En el grupo destaca Antonio, el mayor de ellos, irascible y maltratado por su padre, sobreprotector de Dito y, casi, uno mas de la familia de este.
La película está basada en la novela autobiográfica del verdadero Dito Montiel, haciéndose cargo además de las labores de guión y dirección. Y si bien es cierto que el material que trata es propio de una película de sobremesa, ya saben, letrero de 'basado en hechos reales' y situaciones tremendas y trágicas, Montiel se sabe rodear de un elenco actoral impecable, entre los que destacan el enorme Robert Downey Jr. y su padre, en la ficción, Chazz Palminteri, acaparando entre ambos las mejores escenas de la película. Siendo una ópera prima, no se regodea en la lágrima fácil, aunque se empeñe en dejarnos su ''sello autoral'' en ocasiones (esos dialogos mecanografiados a modo de guión sobre la pantalla, los cortes en negro en una escena dramática, las declamaciones a pantalla).
"A Guide To Recognizing Your Saints" nos habla de la familia desde un tono alejado de la moralina, de la capacidad que tenemos las personas de redimir nuestros errores y volver a andar el camino que un día tomamos. Los santos a los que alude el título no tienen nada que ver con los impuestos por sangre: son aquellas personas que van dejando poso en ti, y a los que hay que cuidarlos para no perderse en uno mismo

El pajaro espino remonta el vuelo

2007-02-23T13:03:00.000+01:00

¡Sí! Nuestro querido amigo Richard Chamberlain, aquel sacerdote cuya moral no le cabía en la bragueta debido a las calenturas que le provocaba una brunette descocada, vuelve a las pantallas grandes de todo el mundo en el nuevo proyecto de Adam Sandler, titulado "I Know Pronounce You Chuck and Larry" en el que da vida a un desesperado empleado que finge ser homosexual junto con otro compañero para obtener beneficios fiscales, y para aprovecharse de la discriminación positiva que impera en su trabajo. El reparto lo completan Jessica Biel, Steve Buscemi y Kevin James. La dirección ira a cargo de Dennis Dugan, un muchacho con un poco notable currículum. Como curiosidad, destacar que el mismísimo Alexander Payne ("Entre Copas") ha colaborado en la elaboración del guión, entre otros seis profesionales. ¡Qué mala espina, oigan!

Black Sheep: ovejas hasta los huevos

2007-02-23T12:16:00.000+01:00

Si es que ya tardaban en explotar la idea: ¿qué mejor que relacional el salvajismo de la serie b con monstruo con un animal candoroso a priori? vale, es más lógico con cocodrilos, pirañas, gorilas gigantes, incluso cucarachas, que dan mas miedo que todos los otros juntos, casi. Pero no me negarán que lo de esta película neozelandesa, tiene miga. Resulta que un buen día, cómo los científicos no tienen otra cosa que hacer, empiezan a alterar el ADN de nuestras amigas lanudas...y las convierten en seres sedientos de carne humana. Por supuesto, se trata de una comedia negrísima, que nos devuelte el espíritu montypythonesco de Peter Jackson, perdido definitívamente tras esos engolados proyectos de los que presume. Más que nada hago la comparación porque nuestro amigo barbudo era de las antípodas, también. Y en "Bad Taste", hacía explosionar una inocente oveja que pastaba por allí. Seguramente se han tomado la revancha.

Visto el trailer, puedo asegurar que promete psicotronía a mansalva, sobre todo viendo la aparición del hombre oveja. Black Sheep está dirigida por Jonathan King y protagonizada por Matthew Chamberlain (que se ve que le tiene gusto por eso de los animales cabreados, ya que protagonizó el telefim "Fatal Contact: Bird Flu In America" sobre la...sí, gripe aviar), Tammy Davis y Oliver Driver. Ha ganado dos premios en el Gérardmer Film Festival (Premio del Publico y Premio Especial del Jurado) y tiene previsto su estreno en USA a finales del mes que viene. Aquí tendremos que aguantarnos, porque huele a película inédita.

Adam's AEbler (Anders Thomas Jensen - 2005)

2007-02-22T20:32:00.000+01:00

Es curioso el poder aturdidor que ejercen sobre nosotros algunas películas. Pasó con The Host, que uno no sabía muy bien cómo tomársela, porque verán, en principio es una monster-movie, pero después parece ser un drama familiar, pero no, es una película de conspiraciones, o una de aventuras a lo Tiburón. Es lo que pasa con "Adam's AEbler", o "Las Manzanas De Adán" en castizo y legible. Anders Thomas Jensen es danés, como Von Trier y Dreyer. Los que conocemos a estos dos personajes, sabemos de más la obsesión y la congoja que les daba la religión protestante: muchas de sus películas han versado sobre los milagros. Desconozco si en Dinamarca la sociedad es protestante hasta la médula, pero al analizar esta película, nos tememos que sí. Adam es neonazi (1) y sale de la cárcel para cumplir servicios sociales en una parroquia. En dicha parroquia habitan el sacerdote, un hombre henchido de fe, motor de su vida; un antiguo tenista malogrado por una erronea decisión del juez, alcohólico, y un terrorista islámico que tiene como obsesión invadir Noruega. A Adam se le encomienda una misión, algo que hacer con su vida en un breve período de tiempo. Como acaba de ser presentado al manzano del patio, no se le ocurre otra cosa que decir ''cocinar una tarta de manzana''. Lo que sigue es impropio de ser contado, y si aguantan el desconcierto de la primera media hora, o una hora entera si tienen un mal día y no están para que le cuenten milongas, obtendrán la recompensa: "Adam´s AEbler" es una película moral, que trata la eterna lucha entre el bien y el mal desde una perspectiva naturalista no exenta de ribetes fantásticos, aunque afortunadamente alejados del pastoso realismo mágico. Así, nos encontramos con una versión en clave de comedia negra y a color de "Ordet" (guardando las distancias, que duda cabe): Aquí hay milagros, símbolos cristianos para dar y regalar (los cuervos negros, los gusanos, las manzanas, el nombre mismo del protagonista), pero no se engañen: detrás de "Adam´s AEbler" lo que resulta no es tanto el aderezo religioso, que funciona y no da grima, sino más bien el desconcierto que suponen muchas de sus escenas enfrentadas a ese mismo aderezo: los encontronazos con los skinheads en el sacro lugar es buena muestra de ellos, así como la relación que se establece entre los distintos personajes, con reacciones inesperadas y, en ocasiones, de un tronchante humor negro. Además, el cariño que se demuestra por los personajes, todos impecablemente interpretados, es caro de ver en el cine de hoy. Una gozada para los sentidos. Un desconcierto que va tomando cuerpo y se transforma en una de las mejores, y más sencillas, películas que he tenido el placer de ver en los últimos tiempos, a pesar de su compleo e inquietante contenido.

(1) Un tanto que se anota el film es ese, el mostrar un neonazi y un musulmán en una misma película y que solo salgan leves apuntes de conflictos raciales, y no se ciña la película a eso.

Faster, Pussycat! Kill! Kill! (Russ Meyer - 1965)

2007-02-21T21:36:00.000+01:00

Entre las primeras frases que oímos nada más empezar "Faster Pussycat, Kill! Kill!", nos encontramos con "sexo" y "violencia". Eso son los ingredientes principales de las exploit movies, películas baratas que se popularizaron a partir de la década de los cincuenta que ''explotaban'', de ahí el nombre'' el morbo de ver en la pantalla hecho de cuestionable moral, drogas, mujeres desnudas, asesinatos y pandillas juveniles, en pos de reventar las taquillas, y de paso entretener al americano medio, harto de su gris y anodina rutina diaria. Russ Meyer es uno de los directores más conocidos dentro del género: ha sabido granjearse una fama incuestionable a través de una filmografía llena de mujeres exhuberantes, de perímetro pectoral excesivo, machos dominantes y a la vez estúpidos que lo pierden todo al primer movimiento de cadera, entornos rurales en los que el redneck de la américa profunda decora los sucesos, siempre derivados de los pecados de la carne, los excesos, el dinero fácil y la lujuria. En 1965 rueda la que, a día de hoy y sin contar sus ''vixens'' queda como su película más recordada, "Faster Pussycat, Kill! Kill!", una enloquecida muestra de lo que singificaba el cine para el añorado Meyer. Asistimos a una enclenque historia paralela de ambición y venganza: el trío de go-go´s de club asesina al novio de una chica, y dan con sus huesos en la granja semiabandonada de un tullido podrido de dinero, padre de dos hijos, uno de ellos discapacitado. Ni que decir tiene que intentarán hacerse por todos los medios con el botín que el viejo tiene escondido. En todo momento, las mujeres del film son presentadas como figuras amenazantes, con esos contrapicados tan de cómic, mientras que los hombres son vilmente engañados o, simplemente, unos ingenuos de cuidado. Lo que más atrae de asistir a la proyección de una película como "Faster..." es constatar cuanto se le debe en parte al señor Meyer al cine de acción, digamos, moderno, fijando la vista sobre todo en Quentin Tarantino, consumado fan del cine del director californiano. Advertir, gozosamente además, que a pesar de que la supuesta violencia que entonces escandalizara, hoy en día pasaría la prueba del pase de sobremesa, es mucho más atrevida que otras producciones '' de entretenimiento'' de la actualidad. Es una película sincera: las tías están buenas y tienen la sarten por el mango, hay guiños lésbicos y peleas sobre la arena, planos detalle sobre músculos sudorosos y zonas pélvicas y bailes frenéticos en los que los inmensos senos campan a sus anchas, carreras de coches y puñetazos... Es una película divertida: hay escenas tremendamente surreales, como toda la transcurrida en la cena de la cabaña, y las actuaciones son deliciosamente histriónicas. Tiene una fotografía esplendida, con planos intensos como el abatimiento del hijo del tullido frente a la chica secuestrada... Y además, es una película que nos ha regalado todo un icono: la silueta de Tura Satana recortando el desierto, enfundada en un ajustadísimo traje negro.
Ya saben: ¡chicas a gogo!¡sexo y violencia!¡velocidad y riesgo! Faster, Pussycat! Kill! Kill!

Saw IV

2007-02-20T20:38:00.000+01:00

La cuarta parte de la saga más retorcida del reciente resurgir del cine de terror más cárnico, Saw, por fin tiene director. Y volverá a ser Darren Lynn Bousman, encargado de firmar las dos secuelas , bastante competentes para como está el percal, ciertamente, con un guión de Marcus Dunstan, firmante de la estimable y aún inédita en nuestras pantallas "Feast" y Thomas H. Fenton. Los resposables de Lionsgate aseguran que el total de películas que se harán en torno al 'asesino del puzzle' serán seis. ¿Nos lo creemos? El estreno de "Saw IV" tiene previsto lugar el 26 de octubre del presente año. Toca esperar.

Werewolf Women Of The SS

2007-02-20T20:16:00.000+01:00

Justo hace una entrada os hablaba de "Grindhouse". Y os decía que el proyecto al alimón de Rodríguez y Tarantino iría trufado de varios falsos trailers promocionales de otras tantas películas falsas. Uno de esos trailers, el que da a conocer el film de llamativo título "Werewolf Women Of The SS" ("Las Mujeres Lobo De Las SS", en claro homenaje a la saga de películas de "Ilsa, La Tigresa De Siberia") está dirigido por Rob Zombie y gracias a la web bloody-disgusting podemos ofreceros una instantanea, la primera, del mismo.

En la foto, Bill Moseley y Sibill Danning

Grindhouse

2007-02-20T19:20:00.000+01:00

¿Sabéis lo que son las sesiones dobles? Seguro que sí. Se popularizaron en la década de los 50: antes uno iba al cine y podía ver dos películas por el precio de una. Y así pasaba la tarde por un módico precio. ¿Sabéis lo que le gusta a Tarantino este tipo de material añejo, verdad? Seguro que sí tambien. El realizador norteamericano se ha juntado con, como no, su amigo del alma Robert Rodríguez para llevar a cabo un homenaje en toda regla a esas añoradas sesiones dobles palomiteras y puramente de evasión. "Grindhouse" se llama el proyecto conjunto; la película de Rodriguez se llama "Planet Terror", es una historia de zombies y cuenta en su reparto a Rose McGowan, la que fue novia de Marilyn Manson, Freddy Rodríguez, de "Dos Metros Bajo Tierra" y Naveen Andrews, más conocido por dar vida a Sayid en "Lost". Por otro lado, Tarantino repesca a (y van...) Kurt Russell en una road-movie con psicópata titulada "Death Proof. " además, "Grindhouse" homenajeará también a las doble feature insertando trailers falsos de películas exploit, segmentos dirigidos por gente como Rob Zombie o Eli Roth, y además en el tratamiento mismo de la imagen de ambas películas: grano gordo, fotogramas raídos y gastados... Además, según parece, en la época era bastante usual que el proyeccionista, en un alarde de inoperancia brutal, proyectase la película con los rollos cambiados, lo que provocaba que esas cintas desquiciantes y repletas de desnudos y violencia gratuita, fuesen aún más esquizofrénicas. Pues bien, ni cortos ni perezosos, los muchachos han decidido montar las películas un poco a la ligera. Como en "21 Gramos", pero sin pretensiones. Su estreno está previsto, por lo menos en los USA, en el próximo mes de abril. Y en tanto a su aparición en las pantallas españolas...aquí llega lo bueno. Según he podido leer en la web de aullidos, planean estrenar "Grindhouse" en dos partes, uséase, por un lado la película de Rodriguez, y tres meses más tarde, la de Tarantino. A tomar viento el concepto, la idea, el doble feature, el desparrame...y los trailers, porque a ver donde los van a meter. Y una duda me asalta.. Era de suponer que las dos películas no durarían más de 70 minutos, para así poder estrenar el par junto y que las salas exhibidoras no pusiesen el grito en el cielo (1). Entonces ahora ¿tendremos que pagar el doble por el precio de una película? ¿Nos pondrán algún corto de calidad para rellenar el hueco? Para una vez que en los USA hacen las cosas como Carpenter manda, vamos nosotros y la cagamos. Así nos luce el pelo.

(1) Ya pasó con "Hamlet" de Kenneth Brannagh, que se editó una versión cortada porque se negaban a estrenar la de cuatro horas, teniendo que reducir así los pases de la película, recaudando así menos dinero...

Héroes

2007-02-15T21:09:00.000+01:00

Seguro que más de uno ya está enganchado a la magnífica serie "Héroes", ese tratado costumbrista en el que, a modo de shortcut fantacientífico, un puñado de personas con poderes sobrenaturales están destinados a luchar juntos contra una bomba nuclear que amenaza con asolar la ciudad de Nueva York. Pues bien, según informan fuentes cercanas a la producción, "Héroes" se compondrá de temporadas autoconclusivas, formadas por episodios continuos en el tiempo. Más como "24" que como "Lost", para que se me entienda. Por cierto, que anden con ojo los guionistas de ésta última, no les vaya a pasar como a los de "Twin Peaks", que aquello acabó como el rosario de la aurora...

Half Nelson (Ryan Fleck - 2006)

2007-02-13T22:47:00.000+01:00

No hace falta que les diga más, si de mis labios o dedos en este caso emergen las palabras 'Cine Indie'. Venga, todo de corrido: en el fondo, personajes marginales o perdedores, adicciones varias, tanto físicas como psicológicas, verbo sobre imagen, familias disfuncionales; en la forma, fotografía con grano, cámara nerviosa, interpretaciones presuntamente más basadas en la libre espontaneidad del devenir de los hechos que en las estrictamente ceñidas a un guión de hierro.

El pasado 2006, este tipo de cine, una marca (Sundance) y un género en sí mismo, nos dió una de cal y una de arena: la insufrible, pedante, engolada y amorfa "Thumbsucker" y la delicada, divertida, sincera y sentimental "Little Miss Sunshine". "Half Nelson", aún inédita en nuestras pantallas, se queda a medio camino, convirtiéndose en un lastimero quiero y no puedo que no resulta insultante en exceso, pero que se ahoga en sus propias pretensiones por querer contarlo todo, y de la mejor manera posible. "Half Nelson" cuenta la historia de Dan Dunne (Ryan Gosling), un profesor de historia adicto al crack y a la cocaína que establece una estrecha relación de amistad con una de sus alumnas, la joven Drey (Shareeka Epps). Sin embargo, las intenciones de Ryan Fleck y su guionista Anna Boden no se ciñen sólo a delimitar un universo de desarraigados que se buscan mutuamente, sino que intentan realizar un tratado en el que además converjan la sátira social, el adoctrinamiento político, el cine de denuncia, y la tertulia artística propia de un Woody Allen venido a menos. Fracasan en tanto en cuanto que no vemos en la pantalla el camino lógico de la narración, esto es, acción-causa. El meollo del asunto, lo que duele, se los toman al fresco, ilustrando puerilmente el film con escenas vacías en las que participan personajes completamente prescindibles: la exnovia del protagonista, su actual ''pareja'' con la que mantiene infantiles diatribas acerca de ideales. Además, desvelan un bastante torpe sentido del montaje, sobre todo en la escena paralela entre las cenas de la familia del profesor y las de su alumna, un entorno burgués acomodado el uno, marginal y pobre el otro, además de un molesto complejo de padre (el que le sienta tan bien, sin embargo, a Alejandro Gómez Iñárritu), combinando testimonios de la historia real que los alumnos declaman mirando a cámara, acompañados de imágenes de archivo.
De todos modos, no todo es desdeñable en "Half Nelson". La casi debutante Shareeka Epps borda un papel exquisito y contenido y hay secuencias en las que se agradece la sutilidad de la conjunción (por ejemplo, cuando advertimos que Dann es cocainómano, aplicando limpiacristales a la mesa y dejando caer un tubito blanco sobre ella). Sin embargo, el tramo final acaba siendo exasperante y forzado, quedándonos un plano final forzado, pretendidamente hermoso y efectista.

"Half Nelson" es, sin duda, otro producto más de la marca 'indie', en los que hay que rebañar para encontrar sinceridad de verdad.

Apocalypto

2007-02-12T21:59:00.000+01:00

Si tuviésemos que apuntar con un dedo al primer alma artística libre que viésemos deambulando por Hollywood, seguramente acabaríamos con un dolor de brazos descomunal. Se cuentan con los dedos de una mano (¿Clint Eastwood?, ¿Woody Allen?), por lo tanto, toparse con uno de ellos es siempre una satisfacción, por mucha repugnancia que nos den sus ideas políticas o sus actos (in)cívicos. Buena muestra de ello es Mel Gibson, católico practicante, homófobo, lindezas varias que todo buen espectador, mal que nos pese, deberíamos obviar al enfrentarse a su obra creativa. Básicamente, porque de él es lo (único) que nos (debería) importa.

El señor Gibson, consciente del cariz suicida de sus proyectos megalómanos, no duda en financiárselos él mismo. Lo hizo con su apabullante versión de "La Pasión De Cristo", película de indudable magnetismo que se veía lastrada por un excesivo, en ocasiones, barroquismo visual. Y lo ha hecho con la impecable "Apocalypto", rodada en lengua maya y con actores no profesionales provenientes de tribus indígenas.

"Apocalypto" es una obra que aturde los sentidos, viva como un organismo pensante y pluricelular, que no se debe ver como tratado histórico de una época, conclusiones derivadas de una desafortunada promoción del film. Ante todo, se debe disfrutar como la gran obra de aventuras que es, atemporal y universal. Una historia que versa sobre el saqueo y destrucción de un poblado maya, la huida de uno de sus prisioneros, y la posterior venganza por parte de éste último.

Gibson narra a la perfección todos y cada uno de los sucesos que se nos presentan en pantalla, con un sentido del ritmo impecable (con una profusión de secuencias en fundido que nos sirve como herramienta para el respiro) y una belleza plástica más allá del gore infundado que les han querido ver sus detractores. Si bien es cierto que "Apocalypto" es una película violenta, nunca deja de estar enmarcada dentro de los parámetros del cine de aventuras, una violencia efectiva pero inofensiva, que no se adentra en los resortes de lo malsano y que únicamente ilustra el magnetismo bestial de una época. Época en la que no evita dejar su huella visual de educación judeocristiana (¿Acaso no se establecen paralelismos entre la subida de Jesucristo al monte de los olivos, y la peregrinación doliente de los prisioneros mayas atados en hilera a troncos por los brazos? ¿O ese gusto por el enfoque de las heridas convertidas en yagas?) o su ensalzamiento por valores como la familia (el más importante con el que cuenta la película), retazos para nada incómodos que se aceptan gustosos una vez que se entra en su maravilloso y frenético juego de cine de acción.

En el lado de los contras, podríamos achacar un ingenuo maniqueísmo a la hora de retratar a los villanos de la historia (esos huesos que adornan sus musculados cuerpos, esas miradas furibundas, esos actos de sadismo), el gusto del australiano por aderezar sus películas con unos cuantos planos en cámara lenta, o ciertos pasajes que no aportan más que espectacularidad, sin darle enjundia a la trama (véase la caída del árbol, por ejemplo). Sin embargo, no dejan de ser bobadas si las enfrentamos al conjunto, una película de aventuras y acción como las que ya no se hacen.

Klaxons: Atlantis To Interzone

2007-02-11T21:06:00.000+01:00

¿Estabais hartos ya de los ochenta? ¿del glamour que despide un tubo de neón, un pelo cardado, un guardapolvos negro, los discos de la Human League, o el rosa y el negro? Tranquilos, porque como esto de la moda es cíclico, ahora lo que se va a llevar es la ''new rave''. Menuda etiqueta se la tenemos que adjudicar a nueva sensación musical (y van...) de las Islas Británicas, a los nuevos mimados por el New Musical Express. En una entrevista que les hicieron, soltaron eso de 'new rave' porque a los muchachos lo que les gusta es la garrafa, la electrónica de trazo grueso, la que va directa a la yugular y se deja de medias tintas. Vamos, como un buen porno. Más o menos como la que se hacía en Manchester en plena eclosión acid.
De entre todas las canciones que han editado, "Atlantis To Interzone" es un claro ejemplo de lo que hacen. Buen y burdo rock para bailar. Sirenas, samplers femeninos entrecortados, percusiones secas y de golpe estratosférico, cambios de ritmo provocadores de esguinces y guitarras afiladas. Son 3:18 que provocan nausea de baile, epilepsia hooligan y ganas de machacar la cabeza a tu compañero de baile. Además cantan en falsete, y a veces hasta los tres a la vez. Sutilezas las mínimas. Garrulos como ellos solos. Esto, o se baila borracho, o no se baila. Demonios.

Fallece Ann Nicole Smith

2007-02-09T18:40:00.000+01:00

Un año después de que su hijo de 20 años de edad falleciese en trágicas circunstancias, la exconejito de Playboy Anne Nicole Smith fue hallada inconsciente en un hotel al norte de Miami, donde falleció posteriormente en el hospital donde fue trasladada. Aún se desconocen las causas de su muerte.
Si recordamos, la vida de Anne Nicole Smith no ha sido un camino de rosas: estuvo ingresada en un psiquiátrico, fue adicta a las drogas, y mantuvo un litigio con el hijo de su octogenario esposo por la herencia de este.
Otro juguete roto de Hollywood. Anne Nicole Smith, descanse en paz.

Maestros Del Horror Italiano

2007-02-08T21:48:00.000+01:00

Por si no estuviésemos ya de por sí bastante satisfechos con la segunda temporada de Masters Of Horror recientemente concluída, la "Italy´s Turin Film Commission" ha anunciado que hará suya la idea, eso sí, en formato miniserie de cuatro episodios. Se prevé que estén rodados para verano, pero se desconoce en qué formato serán lanzados. Los elegidos para que realicen los capítulos son:

Lamberto Bava, el hijo del llorado Mario Bava, y aquel que hizo la película aquella de "Demons" tan simpática. Sí, la del cine y el ciego. Su episodio se titulará "Murder House" y será un típico giallo situado en un entorno rural.
Umberto Lenzi, al que le gustaban más un canibal que a un tonto una volaera, dirigirá "Horror Baby" en el que una quinceañera parapléjica se traumatizará tanto después de ver a una pareja dándole al amor, que empezará a matar a diestro y siniestro (¡No me digan, por Carpenter, que el argumento no promete!)
Sergio Martino, el del nombre de panadero y amante también de los caníbales, se hará cargo de una (¿otra?) historia de fantasmas titulada "The Corners Of The Night".
Nicola Rondolino, que aparte de tener un nombre muy gracioso debutó en el 2003 con el drama costumbrista "Tre Punto Sei" nos relatará en "Brotherhood" la venganza más allá de la muerte... de un pedófilo ajusticiado por tres chicos.

Desde aquí les deseamos mucha suerte. Esperamos encontrarnos con esa buena psicotronía de la que hacen gala los italianos. Lástima que Fulci nos dejara en el 1996, que si no...

Videodrome

2007-02-08T00:12:00.000+01:00

Un productor de vídeo para televisión, Max Renn, queda fascinado por unas escenas que emite su televisor, aparentemente producidas por la emisora pirata Videodrome. Las imágenes representan unas escenas de torturas grabadas con el realismo de las “snuff movies”. En su obsesión por este programa le acompaña una presentadora que se cita al ver estas emisiones. Un misterioso complot parece organizado por un científico, que sólo se comunica con Max a través de la pantalla del televisor, y que está dispuesto a colonizar la mente de los espectadores. En su búsqueda del origen de Videodrome, Max resulta expuesto a las emisiones y comienza a sufrir una serie de transformaciones físicas. Obligado a actuar como un asesino por Videodrome, termina enfrentándose a sus responsables, que le ordenan suicidarse.

La crítica dijo...

“Vista en vídeo, Videodrome provoca una extraña sensación de angustia y plantea un metalenguaje invisible en la gran pantalla. Una gran película que cada uno interpretará según su intuición, y que fue descrita por Andy Warhol como La Naranja Mecánica de los 80.”
Rubén Lardín “David Cronenberg” (4)

“Imágenes malsanas, enfermizas, de torturas, asesinatos y mutilaciones, que ejercen una vampírica fascinación en sus espectadores, y de las cuales no pueden apartar la vista. Imágenes que crean adicción, pero también uno tumores cerebrales causantes de tenebrosas alucinaciones, concebidas por el Orden como herramienta para dominar a las masas mediante la deformación de la realidad; esto es, de su percepción de lo real. Imágenes peligrosas no sólo por la monstruosidad científica y técnica que las genera, sino por la doctrina política que las sustenta.”
Antonio J. Navarro “David Cronenberg. Los secretos de la nueva carne” (2)

“La obra maestra del período netamente gore y fantástico de Cronenberg, y una pesadilla seminal que generó gran parte del movimiento Splatterpunk, el concepto de Nueva Carne y la biomecánica cyberpunk de un solo plumazo. Onírica y agobiante, con increíbles Fx de Rick Baker, llena de elementos perturbadores (sadomasoquismo, televisión snuff, conspiraciones políticas...), sumerge al espectador en un universo que encuentra sus paralelos en la Interzona de William Burroughs, los Mitos de Cthulhu de Lovecraft o las realidades simuladas de Philip K. Dick. Su influencia ha sido decisiva en la obra de cineastas como Tsukamoto, Barker, Oliver Stone y otros maestros contemporáneos del cinema visionario. La sublimación del splatter y su transformación en metáfora poética de la condición humana en la Era Postindustrial. Enigmática y visceral, comprensible sólo a nivel intuitivo, y poderosamente visual. Una obra maestra.”
Jesús Palacios “Videodrome”(3)

“Videodrome concreta, sintetiza y define por completo todas las nociones que hasta entonces ha barajado el cine de Cronenberg y termina especificando por primera vez el concepto de Nueva Carne, un estado supremo de conocimiento psíquico y transformación física en el que la materia orgánica biológica se funde con la mecánica para dar como resultado un nuevo ser. En la película el director aborda temas como el de las Snuff movies, el control de la información y la dependencia audiovisual a través de un estilo tan alucinado como las sensaciones que vive el protagonista de la historia. Película de múltiples lecturas, Videodrome supuso un adelanto de los vericuetos por los que estaba a punto de adentrarse su filmografía, que ya no abandonará los terrenos de las relaciones entre sexo y violencia, mutación, enfermedad y manipulación de la mente. Obra maestra tanto como de culto, hoy Videodrome se revela como un título fundamental a la hora de valorar la figura de su inclasificable director.”
Eduardo Guillot “Videodrome.” (5)

“Obra maestra del género que tuvo una decisiva influencia en el desarrollo posterior del concepto de Nueva Carne en el cine y la literatura, y que supuso una exploración visionaria de los miedos y deseos del hombre en la cultura postindustrial, además de contener una peculiar exposición de las teorías sobre la comunicación de Marshall McLuhan, cruelmente parodiado en el personaje de Brian O´Blivion.”
Pedro Duque “Larga vida a la carne nueva.” (6)

“Sin lugar a dudas, la película más importante, no ya de género fantástico, sino de todas las realizadas en la década de los ochenta, y la que más ríos de tinta ha hecho correr. Creador de una nueva filosofía, se adelantó unos cuantos años en temas referentes a la realidad virtual (incluso se atreve con un rudimentario casco que reproduce en la mente del paciente una realidad alternativa), a la acuciante violencia audiovisual (por aquel entonces ya se hablaba de “Snuff Movies”; Cronenberg no tuvo que esperar a que ningún Amenábar le explicara lo que era eso) y a la exploración de la mente por parte de individuos extraños, ya sean humanos o artificiales. Obsesionado por los guiños a la televisión y al mundo de la percepción visual (hay una congregación religiosa llamada “Misión del rayo catódico”; el centro de operaciones de Videodrome se encuentra ubicado en una óptica; la película se desarrolla dentro del mundo de la televisión), la película recorre todas y cada una de las obsesiones que venía delimitando la enfermiza mente del cineasta canadiense: observamos las sugerencias al sexo raro en la “vagina” que atraviesa el torso de James Woods y el “pene-pistola” que la atraviesa; en la relación sado-masoquista con Deborah Harry (en quien encontramos un claro representante de la doble moral judeo-cristiana que asola como la peste la actual sociedad norteamericana); observamos la manipulación de la carne, tanto en los ejemplos antes citados como en la creación de un nuevo órgano que suponga la elevación a un nivel superior en la mente humana, que lo aleje aún más de su semejanza con nuestros amigos los primates; observamos la conspiración de un orden superior para estabilizar una nueva sociedad (un paralelismo con las plagas expuestas en “Vinieron de dentro de...”, “Rabia” o “Scanners”,- en ésta última, más que plaga, el intento de crear una raza superior para la consecución de un fin-.), a modo de moderno “1984”. Película, como vemos, fundamental para entender el posterior cine fantástico, influyendo en innumerables campos de la literatura y el cine: van desde el manga hasta las películas de Amenábar, pasando por las obras de Shinya Tsukamoto, David Lynch, Clive Barker... Imprescindible.
Antonio J. Bret Bermúdez

“El film más delirante e inclasificable de Cronenberg, memorable por lo arriesgado de sus propuestas y la sugestión que encierra su acabado cinematográfico, si bien denota cierta incoherencia argumental (casi beneficiosa de cara al resultado final, bien mirado). Un fracaso comercial en su día, y una película de culto en determinados círculos hoy.”
Carlos Aguilar “Videodrome” (12)

Anécdotas

Videodrome es su primera película distribuida por una gran compañía, la MCA/Universal.

La protagonista, Deborah Harry, es la vocalista del grupo musical Blondie, de actualidad por la aparición de un nuevo disco.

Los Fx son de Rick Baker, que el año anterior había ganado un Oscar por Un hombre lobo americano en Londres.

A raíz del tema de las Snuff Movies, Cronenberg afirma: “Estas películas me interesan mucho, pero no existen. Todo el mundo quiere creer que existen, pero el snuff movie es el invento de unas personas que querían hacer dinero. Luego, este invento fue utilizado por motivos políticos por los grupos de presión antipornografía, que creían haber encontrado un argumento más a favor de su lucha. Para volver al snuff movies, ¿por qué correr el riesgo de matar a una persona ante una cámara, si con los nuevos maquillajes es más fácil trucar el asesinato? Ni siquiera se necesita demasiado dinero para hacer algo parecido, basta con un poco de savoir faire para hacer que un asesinato parezca real y además sin el riesgo de acabar entre rejas. Al Goldstein ofreció $15.000 a la persona que consiguiera un snuff, y nadie pudo conseguirlo, ya que no existen. ¿Quiere snuff? Lo tiene gratis y legal en la CNN. Hay asesinatos televisados todos los días. Todo pasa en directo, y yo observo tranquilamente el espectáculo, sentado en mi sofá. Antes, el snuff era underground; hoy en día, es accesible al público en general.

Videodrome se vio castigada por la incomprensión, primero, de productores (que la mutilaron sin piedad) y exhibidores (la retuvieron largo tiempo antes de estrenarla), y luego por la de público y crítica, que prefirieron no entrar a desentrañar la complicada tela de araña tejida por Cronenberg.

Coste

$6.000.000

La Zona Muerta (The Dead Zone)

2007-02-08T00:03:00.000+01:00

El nombre de Stephen King era ya más que popular a principios de los 80 y ya habían sido llevadas a la pantalla cinco de sus novelas. Dino De Laurentiis, famoso productor italiano, no tardó en hacerse con los derechos de su sexta novela la Zona Muerta. El director escogido para llevar a cabo la adaptación parecía ser Stanley Donen pero, por lo que fuera no devino en el firmante, así que finalmente es Cronenberg quien acepta el proyecto. Stephen King escribió varios guiones de su propia novela pero ninguno fue aceptado: “El guión de King era terrible, muy malo –asegura Cronenberg -. El asesino de Castle Rock devenía en protagonista a mitad de la película que empezaba con Greg Stillson torturando a un niño en una habitación siniestra. Era tan malo que, de haberlo dirigido, los fans de Stephen King me habrían acusado de destrozar su novela.” Después de eso, De Laurentiis le encarga una versión al director polaco Andrzej Zulawski. Cronenberg nunca llegó a leer esa versión, ya que cuando Debra Hill se incorporó al proyecto como productora se acabaron los problemas: Jeffrey Boam trabajó en la versión definitiva con la supervisión de Cronenberg, haciendo de La Zona Muerta una de las mejores adaptaciones de King, junto a Carrie y El Resplandor.

Argumento

Johnny Smith es un maestro de escuela a punto de casarse con Sarah Bracknell, pero un desdichado accidente de tráfico durante una noche de tormenta lo sume en un profundo coma que habrá de durar un lustro. En ese tiempo Sarah se ha casado con otro hombre y Johnny descubre que hay en él algo nuevo, una capacidad extrasensorial que le permite visualizar el pasado o futuro de cualquier persona con sólo tocarla.

La crítica dijo...

“Los personajes de la película, que muestran motivaciones de orden existencial, presentan un trazo más esquemático de lo que es habitual en el director. Como espectador la entiendo cruel, que habla de personas desesperadas y que le debe una parte muy grande de su carga emocional al trabajo de Christopher Walken.”
Rubén Lardín“David Cronenberg.” (4)

“La Zona Muerta ofrece, con relación a Scanners, una tenue mejoría. Como principales causas de ello deben enumerarse su tono oscuro y lánguido, la excelente interpretación de Christopher Walken, la inventiva visual de algunas secuencias y poco más. Gran parte de culpa de la baja calidad de la película la tiene el nefasto guión de Jeffrey Boam, estructurado en los tres tiempos dramáticos y clásicos.”
Antonio J. Navarro “David Cronenberg, los secretos de la nueva carne.” (2)

“Insustancial y soporífera adaptación del ya de por sí poco brillante original de Stephen King, que supuso el debut del canadiense en el cine USA.”
Carlos Aguilar “La Zona Muerta.” (12)

Anécdotas

La zona muerta del título se refiere al espacio en negro que Johnny reconoce en algunas de sus visiones. Cuando aparece la zona muerta, Johnny sabe que tiene la posibilidad de alterar los acontecimientos venideros.

La Zona Muerta representó un cambio importante para Cronenberg. Se trata de su primera película de producción americana.

Coste y premios

La película tuvo un presupuesto de $10.000.000 y se llevó unos cuantos reconocimientos oficiales del desaparecido Festival de Avoriaz de ese año, además de ser nominada en siete categorías a los premios americanos Edgar Allan Poe.

Scanners

2007-02-07T23:58:00.000+01:00

Dick Schouten fallece inesperadamente, y Vision 4 se disuelve para dar paso a Filmplan International, formada por Solnicki, David y el productor de Cromosoma 3 Claude Hèroux. En ese momento Filmplan pretende producir tres películas para vender en paquete, y le propone a Cronenberg volver a The Sensitives como plato fuerte del trío. La condición es que en dos semanas tiene que estar lista la preproducción. A finales del 79 se comienza a rodar Scanners, en Montreal, sin guión. Cronenberg se ve obligado a escribirlo día a día, y Carol Spier tuvo que ir improvisando como pudo ese mundo futurístico que se ve en la película. Los otros dos proyectos que completaban el paquete de Filmplan no llegaron a tocar tierra, pero Scanners pudo terminarse convenientemente.

Argumento

En un futuro cercano existen más de doscientos telépatas conocidos como exploradores. Consec, organización especializada en armamento y seguridad internacional, cuenta con el Dr. Paul Ruth para que reclute a todos los exploradores posibles, con el fin de utilizarlos en misiones de inteligencia. Ruth captura a Cameron Vale, un explorador del que se valdrá para conocer la infraestructura del grupo de iguales que dirige Darryl Revoc. Cameron descubre que Revoc fabrica grandes cantidades de ephemorol, sustancia que, administrada a mujeres embarazadas, origina bebés exploradores.

La crítica dijo...

“Cronenberg busca nuestro sistema nervioso minando la película de juegos antagónicos y metáforas ambiguas: el científico inventor del ephemorol como calmante para gestantes, después revelado como causante de la especie exploradora, y años después pastor de su camada o el bien alojado en la carcasa del mal, tras el duelo final entre hermanos exploradores.”
Rubén Lardín“David Cronenberg.” (4)

“Todas las virtudes de Scanners se vienen abajo ante la presión de un engolamiento visual decorativista y un ritmo moroso, cansino, causante al final de grandes dosis de confusión y tedio. Cronenberg articula un ejercicio de estilo que en muchos instantes se le escapa de las manos.”
Antonio J. Navarro “Los secretos de la nueva carne” (2)

“Un argumento muy flojo y en absoluto original, pese a su sofisticado envoltorio, para un film harto exitoso del polémico Cronenberg, de cierto interés pese a su aplastante monotonía visual y temática.”
Carlos Aguilar“Scanners” (12)

Recaudación
La película se encaramó a los primeros puestos de taquilla en EE.UU., convirtiéndose en su primer gran éxito de público.

Cromosoma 3 (The Brood)

2007-02-07T23:52:00.000+01:00

En esos momentos, David Cronenberg tenía acuerdos con Vision 4, una compañía encabezada por Victor Solnicki y Dick Schouten en asociación con Pierre David, se centraba en una historia titulada The Sensitives, una revisitación a la temática de Stereo. Sin embargo, problemas personales del director le impidieron atenerse a lo convenido: “Yo intentaba escribir The Sensitives, pero lo que salía de mí era algo distinto, era como escritura automática. Entré en la oficina de Solnicki, le entregué una primera escritura y le dije: “Aquí tienes el guión. No se trata de lo que habíamos hablado. En realidad, no tiene que ver absolutamente nada.”.” Así nació Cromosoma 3, en 1979.

Argumento

Frank Carveth vive con su hija Candice de cinco años; su mujer, Nola, está internada en el Instituto Somafree del Dr. Raglan por su desequilibrio mental, y cada cierto tiempo recibe la visita de Candice. Un día, mientras baña a la niña, Frank descubre en su espalda marcas de golpes, arañazos y mordeduras; de inmediato sospecha de su mujer y no va a permitir que vea a la niña. En ese momento, empieza a investigar por su cuenta. Al poco tiempo, mientras cuida de su nieta, la suegra de Frank es asesinada a martillazos por un niño deforme. Después morirá su marido, y más tarde la profesora de Candice, todos a manos de misteriosas criaturas.

La crítica dijo...

“Está visto que no sólo el amor es la gran fuerza creadora que mueve el mundo, también el odio puede generar, amén de horribles monstruitos, grandes obras.”
Rubén Lardín “David Cronenberg.” (4)

“El clima del film resulta tan sofocante como las desnudas paredes del barracón donde el Dr. Raglan asiste a Nola. Tan turbio como la pétrea faz de Raglan durante sus sesiones terapéuticas, escarbando sin escrúpulos en el angosto inconsciente de sus pacientes. Tan siniestro como los hijos extra-uterinos de Nola, los hijos de su odio, de su represión, prueba viviente del éxito de las teorías psicoplásmicas.”
Antonio J. Navarro “Los secretos de la nueva carne.” (2)

“A ritmo de thriller, Cronenberg construye una metáfora oscura y trágica de los conflictos psíquicos y sexuales que generan las relaciones de pareja.”
Jesús Palacios“Cromosoma 3” (3)

“Indiscutible que a tan fascinante historia se le podía haber sacado mucho más partido, pero con todo un film considerable y de lo mejor de Cronenberg.”
Carlos Aguilar“Cromosoma 3” (12)

Anécdotas

Cronenberg escribió Cromosoma 3 en delicado momento de su vida: “Por entonces yo luchaba por la custodia de Cassandra, la hija de mi primer matrimonio. Un día recibí una llamada de mi ex – mujer, diciendo que había decidido trasladarse a California por razones religiosas y que iba a llevarse a Cass con ella. Le dije que vale, que le fuera muy bien y que hasta otra. En cuanto colgué me fui al colegio de mi hija y la secuestré; bueno, no fue realmente un secuestro, pero el caso es que me la llevé. Actualmente todavía nos estamos disputando su custodia.”

“Es mi película más clásica, tiene una estructura circular, en la que cuando todo parece acabar, se descubre un nuevo comienzo. Fue difícil mantenerse firme en la escritura, ya que las interrupciones autobiográficas eran continuas. Hay líneas de diálogos, de monólogos o impresiones absolutamente reales, vividas por mí. Es mi guión más autobiográfico. Fue una experiencia interesante y muy potente para mí el ver aquella violencia en la pantalla, resultó muy aliviante y la impresión final fue muy satisfactoria: durante el clímax deseaba estrangular a mi ex - mujer.”

Coste
$1.500.000

Fast Company

2007-02-07T23:48:00.000+01:00

A finales de los 70, a raíz de una propuesta de financiación que permite a cualquiera invertir en una película, Cronenberg tiene la oportunidad de dedicar su siguiente proyecto a una de sus pasiones más queridas: los deportes de motor.

Argumento

Esta es una película sobre carreras de coches en Edmonton, en la provincia de Alberta.

La crítica dijo...

“Planos subjetivos de los pilotos, explosiones, motores rugientes... poco que ver con el terror.”
Rubén Lardín “David Cronenberg” (4)

Anécdotas

Esta película es importante para Cronenberg pues le permitió trabajar con Mark Irwin como fotógrafo, Carol Spier en el diseño de producción, Bryan Day controlando el sonido y Ron Sanders montando; un equipo que a partir de ahora se hará imprescindible para el director en casi todos sus films venideros.

Claudia Jennings, una “chica playboy”, murió poco después del rodaje en accidente de coche. Fast Company nunca fue distribuida.

Rabia (Rabid)

2007-02-07T23:39:00.000+01:00

Los de Cinepix le pidieron un nuevo guión a Cronenberg, debido al éxito de su anterior obra. Éste presentó a la compañía uno titulado Mosquito, que más adelante sería conocida con el título de Rabia.

En un primer momento, Cronenberg quiso contar con la presencia de Sissy Spacek tras haberla visto en el film de Terrence Malick del 73 Malas Tierras, pero John Dunning, su productor, dijo que Spacek era demasiado pecosa para el papel, y que además tenía acento tejano. Ivan Reitman pensó en Marilyn Chambers, una actriz poco popular de no ser por su intervención en un famoso spot publicitario de la época: aquel cuyo slogan era “pura en un 99,44%” haciendo referencia a la eficacia higiénica del producto, un jabón infantil. Pero Marilyn no era tan pura como hacía referencia el anuncio, pues la Chambers había participado en el porno de culto “Detrás de la Puerta Verde” de los Hermanos Mitchell.

Argumento

Rose es una chica que sufre un accidente de moto junto a su novio y es intervenida de urgencia en una clínica de cirugía estética. Tras una temporada en coma, Rose desarrolla un parásito de la rabia, que la llevará a extender la infección en sus incontrolados ataques. La epidemia se propaga hasta cotas exageradas, llegando a imponerse la ley marcial.

La crítica dijo...

“Rabia es otro estrujón al tema del contagio colectivo, que se resume como la metáfora pesimista de un mundo resignado a la plaga (...) pero ahora la estructura es más astuta y los resultados son académicamente más limpios.”
Rubén Lardín “David Cronenberg.” (4)

“Rabia, film bastante melancólico, es muy superior a Vinieron de dentro de... al poseer, “la fiebre nerviosa de una historia bien contada.” (13) El evidente dominio del medio que ostenta Cronenberg en este título encuentra su justa ilustración en la meticulosa progresión lineal del relato, ritmada por el acabado montaje paralelo de la acción y la cuidadosa composición del encuadre”
Antonio J. Navarro “David Cronenberg. Los secretos de la Nueva Carne.” (2)

“Una variante romántica y visceral de las obsesiones misóginas habituales de su, ahora, sofisticado realizador.”
Jesús Palacios “Rabia” (3)

“Uno de los primeros delirios quirúrgico – misóginos del polémico Cronenberg, con la famosa porno star Marilyn Chambers de protagonista, detalle que dio mucho que hablar.”
Carlos Aguilar “Rabia” (12)

Anécdotas

La película provocó algún que otro berrinche entre las feministas, que acusaron a Cronenberg de retratar a la mujer como un depredador sexual. Al respecto, el autor comenta: “El cine terror parte de bases muy inherentes al ser humano, y los temas que trata también lo son, particularmente la muerte y por supuesto la sexualidad; vida, muerte y sexualidad son temas que van unidos. No puedes hablar de ninguno de ellos sin hablar de los otros dos, y el terror es un género que propicia la discusión de esos asuntos. En Rabia todo el mundo es desagradable en uno u otro momento: hombres, mujeres, homosexuales, niños..., todos. Si de algo se me a de acusar es de misántropo, aunque no creo serlo.”

Coste y recaudación

El precio de coste fue de $530.000 y consiguió recaudar $7.000.000.