¿Quién puede matar a una oveja?

No sé vosotros, pero a mí hay animales que me producen una inusitada ternura, casi enfermiza. A saber: los perros pachones, esos de orejas largas y ojos colgones; los mapaches, con esa pinta de ladrón distraido; los pandas, por el motivo que todos sabemos; los bueyes, con ese caminar impasible del que se sabe de vuelta de todo. los perezosos, koalas y demás fauna lasa y vaga; y sí, las ovejas. El ganado bovino. Esas que usamos para cuando no podemos dormir, que contamos una y otra vez, imaginándolas pegando brincos sobre troncos una y otra y otra vez hasta que caemos rendidos, si, de aburrimiento.
Jonathan King es un tío listo y con muchas ganas de pasarlo bien. Amante sin duda de la corriente splatter que combina humor absurdo y casquería (desde aquel caballero negro de la Monty Python hasta el Braindead de Peter Jackson, pasando por los cartoons de Chuck Jones o Tex Avery), ha introducido en su ópera prima un elemento apenas explotado en la historia de las monster-movies: el elemento entrañable como amenaza ominosa. Acostumbrados como estamos a películas con calamares, arañas, cocodrilos, serpientes, simios gigantes, polillas (que en su tamaño natural no es que sean muy amenazantes, pero feas son un rato), el señor King no se le ocurre otra cosa que asustarnos con ovejas: ese pequeño, torpe y lanudo animal que se pasa toda la vida con una mirada que podríamos traducir en: "mi vida es miserable, acaba con ella o adóptame y llévame contigo de viaje por Europa". "Black Sheep" narra la historia de un joven con fobia a las ovejas, que retorna a la granja, otrora regentada por su difunto padre, no sin encontrarse con un hermano pérfido que experimenta geneticamente con el ganado, un cateto con pocas luces pero de gran corazón (como todos) y una rubia prieta, ecologista, vegetariana, adicta a la cultura zen, llamada Experience (sic). El novio de Experience, un perroflauta con ganas de cambiar el mundo pero ceporro como él solo (otra perogrullada) roba un feto mutante de oveja y, en la huida, se le cae. El feto resulta ser una pequeña oveja, con bastante parecido a aquella rata-mono que aparecía en la anteriormente citada "Braindead", que muerde la oreja del desdichado hippie, y los morros de una compañera. Así ya tenemos el circo montado: por un lado, las ovejas buenas sin infectar y las malas con una feroz hambre de carne humana; y por otro, los hombres-oveja, también con muy mala leche y aspecto bastante desalentador. El resto se lo pueden imaginar: un festín de mutilaciones (menos de las deseadas) y mucho humor de brocha gorda (las ovejas parecen tener un grave problema de gases), rematado por un final antológicamente explosivo.
Jonathan King ha demostrado como se puede todavía innovar en el asfixiante mundo del splatter. Con demostrar simpatía por el género, y tomándoselo a broma, completamente en serio.

A Guide To Recognizing Your Saints (Dito Montiel - 2006)

Siempre he pensado que la familia, como estatuto, está sobrevalorado: estás forzado a vivir una gran parte de tu vida con personas que no eliges, que además se han permitido el lujo de darte una vida que no pedías, y, en el mayor de los casos, te dan una educación basada en patrones desfasados que ni siquiera les sirvieron a ellos para ser felices. Es lógico: la sociedad bienpensante espera que sufras por el fallecimiento de esa abuela a la que has visto tres veces en tu vida, que cuando hace lo propio el perro con el que has convivido durante quince largos años. Es así, el amor no brota innato derivado de una relación estrictamente cosanguínea, sino del roce, del día a día, de la rutina. "A Guide To Recognizing Your Saints" recoge la historia de una familia en un barrio marginal de los EEUU durante la década de los 80. En ella, Dito y sus amigos se debaten diariamente en un entorno en el que la violencia contenida, fruto de la desidia y el aburrimiento y las pocas persepctivas de futuro, amenaza con estallar como una olla express. En el grupo destaca Antonio, el mayor de ellos, irascible y maltratado por su padre, sobreprotector de Dito y, casi, uno mas de la familia de este.
La película está basada en la novela autobiográfica del verdadero Dito Montiel, haciéndose cargo además de las labores de guión y dirección. Y si bien es cierto que el material que trata es propio de una película de sobremesa, ya saben, letrero de 'basado en hechos reales' y situaciones tremendas y trágicas, Montiel se sabe rodear de un elenco actoral impecable, entre los que destacan el enorme Robert Downey Jr. y su padre, en la ficción, Chazz Palminteri, acaparando entre ambos las mejores escenas de la película. Siendo una ópera prima, no se regodea en la lágrima fácil, aunque se empeñe en dejarnos su ''sello autoral'' en ocasiones (esos dialogos mecanografiados a modo de guión sobre la pantalla, los cortes en negro en una escena dramática, las declamaciones a pantalla).
"A Guide To Recognizing Your Saints" nos habla de la familia desde un tono alejado de la moralina, de la capacidad que tenemos las personas de redimir nuestros errores y volver a andar el camino que un día tomamos. Los santos a los que alude el título no tienen nada que ver con los impuestos por sangre: son aquellas personas que van dejando poso en ti, y a los que hay que cuidarlos para no perderse en uno mismo

El pajaro espino remonta el vuelo

¡Sí! Nuestro querido amigo Richard Chamberlain, aquel sacerdote cuya moral no le cabía en la bragueta debido a las calenturas que le provocaba una brunette descocada, vuelve a las pantallas grandes de todo el mundo en el nuevo proyecto de Adam Sandler, titulado "I Know Pronounce You Chuck and Larry" en el que da vida a un desesperado empleado que finge ser homosexual junto con otro compañero para obtener beneficios fiscales, y para aprovecharse de la discriminación positiva que impera en su trabajo. El reparto lo completan Jessica Biel, Steve Buscemi y Kevin James. La dirección ira a cargo de Dennis Dugan, un muchacho con un poco notable currículum. Como curiosidad, destacar que el mismísimo Alexander Payne ("Entre Copas") ha colaborado en la elaboración del guión, entre otros seis profesionales. ¡Qué mala espina, oigan!

Black Sheep: ovejas hasta los huevos

Si es que ya tardaban en explotar la idea: ¿qué mejor que relacional el salvajismo de la serie b con monstruo con un animal candoroso a priori? vale, es más lógico con cocodrilos, pirañas, gorilas gigantes, incluso cucarachas, que dan mas miedo que todos los otros juntos, casi. Pero no me negarán que lo de esta película neozelandesa, tiene miga. Resulta que un buen día, cómo los científicos no tienen otra cosa que hacer, empiezan a alterar el ADN de nuestras amigas lanudas...y las convierten en seres sedientos de carne humana. Por supuesto, se trata de una comedia negrísima, que nos devuelte el espíritu montypythonesco de Peter Jackson, perdido definitívamente tras esos engolados proyectos de los que presume. Más que nada hago la comparación porque nuestro amigo barbudo era de las antípodas, también. Y en "Bad Taste", hacía explosionar una inocente oveja que pastaba por allí. Seguramente se han tomado la revancha.

Visto el trailer, puedo asegurar que promete psicotronía a mansalva, sobre todo viendo la aparición del hombre oveja. Black Sheep está dirigida por Jonathan King y protagonizada por Matthew Chamberlain (que se ve que le tiene gusto por eso de los animales cabreados, ya que protagonizó el telefim "Fatal Contact: Bird Flu In America" sobre la...sí, gripe aviar), Tammy Davis y Oliver Driver. Ha ganado dos premios en el Gérardmer Film Festival (Premio del Publico y Premio Especial del Jurado) y tiene previsto su estreno en USA a finales del mes que viene. Aquí tendremos que aguantarnos, porque huele a película inédita.

Adam's AEbler (Anders Thomas Jensen - 2005)

Es curioso el poder aturdidor que ejercen sobre nosotros algunas películas. Pasó con The Host, que uno no sabía muy bien cómo tomársela, porque verán, en principio es una monster-movie, pero después parece ser un drama familiar, pero no, es una película de conspiraciones, o una de aventuras a lo Tiburón. Es lo que pasa con "Adam's AEbler", o "Las Manzanas De Adán" en castizo y legible. Anders Thomas Jensen es danés, como Von Trier y Dreyer. Los que conocemos a estos dos personajes, sabemos de más la obsesión y la congoja que les daba la religión protestante: muchas de sus películas han versado sobre los milagros. Desconozco si en Dinamarca la sociedad es protestante hasta la médula, pero al analizar esta película, nos tememos que sí. Adam es neonazi (1) y sale de la cárcel para cumplir servicios sociales en una parroquia. En dicha parroquia habitan el sacerdote, un hombre henchido de fe, motor de su vida; un antiguo tenista malogrado por una erronea decisión del juez, alcohólico, y un terrorista islámico que tiene como obsesión invadir Noruega. A Adam se le encomienda una misión, algo que hacer con su vida en un breve período de tiempo. Como acaba de ser presentado al manzano del patio, no se le ocurre otra cosa que decir ''cocinar una tarta de manzana''. Lo que sigue es impropio de ser contado, y si aguantan el desconcierto de la primera media hora, o una hora entera si tienen un mal día y no están para que le cuenten milongas, obtendrán la recompensa: "Adam´s AEbler" es una película moral, que trata la eterna lucha entre el bien y el mal desde una perspectiva naturalista no exenta de ribetes fantásticos, aunque afortunadamente alejados del pastoso realismo mágico. Así, nos encontramos con una versión en clave de comedia negra y a color de "Ordet" (guardando las distancias, que duda cabe): Aquí hay milagros, símbolos cristianos para dar y regalar (los cuervos negros, los gusanos, las manzanas, el nombre mismo del protagonista), pero no se engañen: detrás de "Adam´s AEbler" lo que resulta no es tanto el aderezo religioso, que funciona y no da grima, sino más bien el desconcierto que suponen muchas de sus escenas enfrentadas a ese mismo aderezo: los encontronazos con los skinheads en el sacro lugar es buena muestra de ellos, así como la relación que se establece entre los distintos personajes, con reacciones inesperadas y, en ocasiones, de un tronchante humor negro. Además, el cariño que se demuestra por los personajes, todos impecablemente interpretados, es caro de ver en el cine de hoy. Una gozada para los sentidos. Un desconcierto que va tomando cuerpo y se transforma en una de las mejores, y más sencillas, películas que he tenido el placer de ver en los últimos tiempos, a pesar de su compleo e inquietante contenido.


(1) Un tanto que se anota el film es ese, el mostrar un neonazi y un musulmán en una misma película y que solo salgan leves apuntes de conflictos raciales, y no se ciña la película a eso.

Faster, Pussycat! Kill! Kill! (Russ Meyer - 1965)

Entre las primeras frases que oímos nada más empezar "Faster Pussycat, Kill! Kill!", nos encontramos con "sexo" y "violencia". Eso son los ingredientes principales de las exploit movies, películas baratas que se popularizaron a partir de la década de los cincuenta que ''explotaban'', de ahí el nombre'' el morbo de ver en la pantalla hecho de cuestionable moral, drogas, mujeres desnudas, asesinatos y pandillas juveniles, en pos de reventar las taquillas, y de paso entretener al americano medio, harto de su gris y anodina rutina diaria. Russ Meyer es uno de los directores más conocidos dentro del género: ha sabido granjearse una fama incuestionable a través de una filmografía llena de mujeres exhuberantes, de perímetro pectoral excesivo, machos dominantes y a la vez estúpidos que lo pierden todo al primer movimiento de cadera, entornos rurales en los que el redneck de la américa profunda decora los sucesos, siempre derivados de los pecados de la carne, los excesos, el dinero fácil y la lujuria. En 1965 rueda la que, a día de hoy y sin contar sus ''vixens'' queda como su película más recordada, "Faster Pussycat, Kill! Kill!", una enloquecida muestra de lo que singificaba el cine para el añorado Meyer. Asistimos a una enclenque historia paralela de ambición y venganza: el trío de go-go´s de club asesina al novio de una chica, y dan con sus huesos en la granja semiabandonada de un tullido podrido de dinero, padre de dos hijos, uno de ellos discapacitado. Ni que decir tiene que intentarán hacerse por todos los medios con el botín que el viejo tiene escondido. En todo momento, las mujeres del film son presentadas como figuras amenazantes, con esos contrapicados tan de cómic, mientras que los hombres son vilmente engañados o, simplemente, unos ingenuos de cuidado. Lo que más atrae de asistir a la proyección de una película como "Faster..." es constatar cuanto se le debe en parte al señor Meyer al cine de acción, digamos, moderno, fijando la vista sobre todo en Quentin Tarantino, consumado fan del cine del director californiano. Advertir, gozosamente además, que a pesar de que la supuesta violencia que entonces escandalizara, hoy en día pasaría la prueba del pase de sobremesa, es mucho más atrevida que otras producciones '' de entretenimiento'' de la actualidad. Es una película sincera: las tías están buenas y tienen la sarten por el mango, hay guiños lésbicos y peleas sobre la arena, planos detalle sobre músculos sudorosos y zonas pélvicas y bailes frenéticos en los que los inmensos senos campan a sus anchas, carreras de coches y puñetazos... Es una película divertida: hay escenas tremendamente surreales, como toda la transcurrida en la cena de la cabaña, y las actuaciones son deliciosamente histriónicas. Tiene una fotografía esplendida, con planos intensos como el abatimiento del hijo del tullido frente a la chica secuestrada... Y además, es una película que nos ha regalado todo un icono: la silueta de Tura Satana recortando el desierto, enfundada en un ajustadísimo traje negro.
Ya saben: ¡chicas a gogo!¡sexo y violencia!¡velocidad y riesgo! Faster, Pussycat! Kill! Kill!

Saw IV

La cuarta parte de la saga más retorcida del reciente resurgir del cine de terror más cárnico, Saw, por fin tiene director. Y volverá a ser Darren Lynn Bousman, encargado de firmar las dos secuelas , bastante competentes para como está el percal, ciertamente, con un guión de Marcus Dunstan, firmante de la estimable y aún inédita en nuestras pantallas "Feast" y Thomas H. Fenton. Los resposables de Lionsgate aseguran que el total de películas que se harán en torno al 'asesino del puzzle' serán seis. ¿Nos lo creemos? El estreno de "Saw IV" tiene previsto lugar el 26 de octubre del presente año. Toca esperar.

Werewolf Women Of The SS

Justo hace una entrada os hablaba de "Grindhouse". Y os decía que el proyecto al alimón de Rodríguez y Tarantino iría trufado de varios falsos trailers promocionales de otras tantas películas falsas. Uno de esos trailers, el que da a conocer el film de llamativo título "Werewolf Women Of The SS" ("Las Mujeres Lobo De Las SS", en claro homenaje a la saga de películas de "Ilsa, La Tigresa De Siberia") está dirigido por Rob Zombie y gracias a la web bloody-disgusting podemos ofreceros una instantanea, la primera, del mismo.


En la foto, Bill Moseley y Sibill Danning

Grindhouse

¿Sabéis lo que son las sesiones dobles? Seguro que sí. Se popularizaron en la década de los 50: antes uno iba al cine y podía ver dos películas por el precio de una. Y así pasaba la tarde por un módico precio. ¿Sabéis lo que le gusta a Tarantino este tipo de material añejo, verdad? Seguro que sí tambien. El realizador norteamericano se ha juntado con, como no, su amigo del alma Robert Rodríguez para llevar a cabo un homenaje en toda regla a esas añoradas sesiones dobles palomiteras y puramente de evasión. "Grindhouse" se llama el proyecto conjunto; la película de Rodriguez se llama "Planet Terror", es una historia de zombies y cuenta en su reparto a Rose McGowan, la que fue novia de Marilyn Manson, Freddy Rodríguez, de "Dos Metros Bajo Tierra" y Naveen Andrews, más conocido por dar vida a Sayid en "Lost". Por otro lado, Tarantino repesca a (y van...) Kurt Russell en una road-movie con psicópata titulada "Death Proof. " además, "Grindhouse" homenajeará también a las doble feature insertando trailers falsos de películas exploit, segmentos dirigidos por gente como Rob Zombie o Eli Roth, y además en el tratamiento mismo de la imagen de ambas películas: grano gordo, fotogramas raídos y gastados... Además, según parece, en la época era bastante usual que el proyeccionista, en un alarde de inoperancia brutal, proyectase la película con los rollos cambiados, lo que provocaba que esas cintas desquiciantes y repletas de desnudos y violencia gratuita, fuesen aún más esquizofrénicas. Pues bien, ni cortos ni perezosos, los muchachos han decidido montar las películas un poco a la ligera. Como en "21 Gramos", pero sin pretensiones. Su estreno está previsto, por lo menos en los USA, en el próximo mes de abril. Y en tanto a su aparición en las pantallas españolas...aquí llega lo bueno. Según he podido leer en la web de aullidos, planean estrenar "Grindhouse" en dos partes, uséase, por un lado la película de Rodriguez, y tres meses más tarde, la de Tarantino. A tomar viento el concepto, la idea, el doble feature, el desparrame...y los trailers, porque a ver donde los van a meter. Y una duda me asalta.. Era de suponer que las dos películas no durarían más de 70 minutos, para así poder estrenar el par junto y que las salas exhibidoras no pusiesen el grito en el cielo (1). Entonces ahora ¿tendremos que pagar el doble por el precio de una película? ¿Nos pondrán algún corto de calidad para rellenar el hueco? Para una vez que en los USA hacen las cosas como Carpenter manda, vamos nosotros y la cagamos. Así nos luce el pelo.


(1) Ya pasó con "Hamlet" de Kenneth Brannagh, que se editó una versión cortada porque se negaban a estrenar la de cuatro horas, teniendo que reducir así los pases de la película, recaudando así menos dinero...

Héroes

Seguro que más de uno ya está enganchado a la magnífica serie "Héroes", ese tratado costumbrista en el que, a modo de shortcut fantacientífico, un puñado de personas con poderes sobrenaturales están destinados a luchar juntos contra una bomba nuclear que amenaza con asolar la ciudad de Nueva York. Pues bien, según informan fuentes cercanas a la producción, "Héroes" se compondrá de temporadas autoconclusivas, formadas por episodios continuos en el tiempo. Más como "24" que como "Lost", para que se me entienda. Por cierto, que anden con ojo los guionistas de ésta última, no les vaya a pasar como a los de "Twin Peaks", que aquello acabó como el rosario de la aurora...

Half Nelson (Ryan Fleck - 2006)

No hace falta que les diga más, si de mis labios o dedos en este caso emergen las palabras 'Cine Indie'. Venga, todo de corrido: en el fondo, personajes marginales o perdedores, adicciones varias, tanto físicas como psicológicas, verbo sobre imagen, familias disfuncionales; en la forma, fotografía con grano, cámara nerviosa, interpretaciones presuntamente más basadas en la libre espontaneidad del devenir de los hechos que en las estrictamente ceñidas a un guión de hierro.

El pasado 2006, este tipo de cine, una marca (Sundance) y un género en sí mismo, nos dió una de cal y una de arena: la insufrible, pedante, engolada y amorfa "Thumbsucker" y la delicada, divertida, sincera y sentimental "Little Miss Sunshine". "Half Nelson", aún inédita en nuestras pantallas, se queda a medio camino, convirtiéndose en un lastimero quiero y no puedo que no resulta insultante en exceso, pero que se ahoga en sus propias pretensiones por querer contarlo todo, y de la mejor manera posible. "Half Nelson" cuenta la historia de Dan Dunne (Ryan Gosling), un profesor de historia adicto al crack y a la cocaína que establece una estrecha relación de amistad con una de sus alumnas, la joven Drey (Shareeka Epps). Sin embargo, las intenciones de Ryan Fleck y su guionista Anna Boden no se ciñen sólo a delimitar un universo de desarraigados que se buscan mutuamente, sino que intentan realizar un tratado en el que además converjan la sátira social, el adoctrinamiento político, el cine de denuncia, y la tertulia artística propia de un Woody Allen venido a menos. Fracasan en tanto en cuanto que no vemos en la pantalla el camino lógico de la narración, esto es, acción-causa. El meollo del asunto, lo que duele, se los toman al fresco, ilustrando puerilmente el film con escenas vacías en las que participan personajes completamente prescindibles: la exnovia del protagonista, su actual ''pareja'' con la que mantiene infantiles diatribas acerca de ideales. Además, desvelan un bastante torpe sentido del montaje, sobre todo en la escena paralela entre las cenas de la familia del profesor y las de su alumna, un entorno burgués acomodado el uno, marginal y pobre el otro, además de un molesto complejo de padre (el que le sienta tan bien, sin embargo, a Alejandro Gómez Iñárritu), combinando testimonios de la historia real que los alumnos declaman mirando a cámara, acompañados de imágenes de archivo.
De todos modos, no todo es desdeñable en "Half Nelson". La casi debutante Shareeka Epps borda un papel exquisito y contenido y hay secuencias en las que se agradece la sutilidad de la conjunción (por ejemplo, cuando advertimos que Dann es cocainómano, aplicando limpiacristales a la mesa y dejando caer un tubito blanco sobre ella). Sin embargo, el tramo final acaba siendo exasperante y forzado, quedándonos un plano final forzado, pretendidamente hermoso y efectista.

"Half Nelson" es, sin duda, otro producto más de la marca 'indie', en los que hay que rebañar para encontrar sinceridad de verdad.

Apocalypto

Si tuviésemos que apuntar con un dedo al primer alma artística libre que viésemos deambulando por Hollywood, seguramente acabaríamos con un dolor de brazos descomunal. Se cuentan con los dedos de una mano (¿Clint Eastwood?, ¿Woody Allen?), por lo tanto, toparse con uno de ellos es siempre una satisfacción, por mucha repugnancia que nos den sus ideas políticas o sus actos (in)cívicos. Buena muestra de ello es Mel Gibson, católico practicante, homófobo, lindezas varias que todo buen espectador, mal que nos pese, deberíamos obviar al enfrentarse a su obra creativa. Básicamente, porque de él es lo (único) que nos (debería) importa.

El señor Gibson, consciente del cariz suicida de sus proyectos megalómanos, no duda en financiárselos él mismo. Lo hizo con su apabullante versión de "La Pasión De Cristo", película de indudable magnetismo que se veía lastrada por un excesivo, en ocasiones, barroquismo visual. Y lo ha hecho con la impecable "Apocalypto", rodada en lengua maya y con actores no profesionales provenientes de tribus indígenas.

"Apocalypto" es una obra que aturde los sentidos, viva como un organismo pensante y pluricelular, que no se debe ver como tratado histórico de una época, conclusiones derivadas de una desafortunada promoción del film. Ante todo, se debe disfrutar como la gran obra de aventuras que es, atemporal y universal. Una historia que versa sobre el saqueo y destrucción de un poblado maya, la huida de uno de sus prisioneros, y la posterior venganza por parte de éste último.

Gibson narra a la perfección todos y cada uno de los sucesos que se nos presentan en pantalla, con un sentido del ritmo impecable (con una profusión de secuencias en fundido que nos sirve como herramienta para el respiro) y una belleza plástica más allá del gore infundado que les han querido ver sus detractores. Si bien es cierto que "Apocalypto" es una película violenta, nunca deja de estar enmarcada dentro de los parámetros del cine de aventuras, una violencia efectiva pero inofensiva, que no se adentra en los resortes de lo malsano y que únicamente ilustra el magnetismo bestial de una época. Época en la que no evita dejar su huella visual de educación judeocristiana (¿Acaso no se establecen paralelismos entre la subida de Jesucristo al monte de los olivos, y la peregrinación doliente de los prisioneros mayas atados en hilera a troncos por los brazos? ¿O ese gusto por el enfoque de las heridas convertidas en yagas?) o su ensalzamiento por valores como la familia (el más importante con el que cuenta la película), retazos para nada incómodos que se aceptan gustosos una vez que se entra en su maravilloso y frenético juego de cine de acción.

En el lado de los contras, podríamos achacar un ingenuo maniqueísmo a la hora de retratar a los villanos de la historia (esos huesos que adornan sus musculados cuerpos, esas miradas furibundas, esos actos de sadismo), el gusto del australiano por aderezar sus películas con unos cuantos planos en cámara lenta, o ciertos pasajes que no aportan más que espectacularidad, sin darle enjundia a la trama (véase la caída del árbol, por ejemplo). Sin embargo, no dejan de ser bobadas si las enfrentamos al conjunto, una película de aventuras y acción como las que ya no se hacen.

Klaxons: Atlantis To Interzone

¿Estabais hartos ya de los ochenta? ¿del glamour que despide un tubo de neón, un pelo cardado, un guardapolvos negro, los discos de la Human League, o el rosa y el negro? Tranquilos, porque como esto de la moda es cíclico, ahora lo que se va a llevar es la ''new rave''. Menuda etiqueta se la tenemos que adjudicar a nueva sensación musical (y van...) de las Islas Británicas, a los nuevos mimados por el New Musical Express. En una entrevista que les hicieron, soltaron eso de 'new rave' porque a los muchachos lo que les gusta es la garrafa, la electrónica de trazo grueso, la que va directa a la yugular y se deja de medias tintas. Vamos, como un buen porno. Más o menos como la que se hacía en Manchester en plena eclosión acid.
De entre todas las canciones que han editado, "Atlantis To Interzone" es un claro ejemplo de lo que hacen. Buen y burdo rock para bailar. Sirenas, samplers femeninos entrecortados, percusiones secas y de golpe estratosférico, cambios de ritmo provocadores de esguinces y guitarras afiladas. Son 3:18 que provocan nausea de baile, epilepsia hooligan y ganas de machacar la cabeza a tu compañero de baile. Además cantan en falsete, y a veces hasta los tres a la vez. Sutilezas las mínimas. Garrulos como ellos solos. Esto, o se baila borracho, o no se baila. Demonios.

Fallece Ann Nicole Smith

Un año después de que su hijo de 20 años de edad falleciese en trágicas circunstancias, la exconejito de Playboy Anne Nicole Smith fue hallada inconsciente en un hotel al norte de Miami, donde falleció posteriormente en el hospital donde fue trasladada. Aún se desconocen las causas de su muerte.
Si recordamos, la vida de Anne Nicole Smith no ha sido un camino de rosas: estuvo ingresada en un psiquiátrico, fue adicta a las drogas, y mantuvo un litigio con el hijo de su octogenario esposo por la herencia de este.
Otro juguete roto de Hollywood. Anne Nicole Smith, descanse en paz.

Maestros Del Horror Italiano

Por si no estuviésemos ya de por sí bastante satisfechos con la segunda temporada de Masters Of Horror recientemente concluída, la "Italy´s Turin Film Commission" ha anunciado que hará suya la idea, eso sí, en formato miniserie de cuatro episodios. Se prevé que estén rodados para verano, pero se desconoce en qué formato serán lanzados. Los elegidos para que realicen los capítulos son:

• Lamberto Bava, el hijo del llorado Mario Bava, y aquel que hizo la película aquella de "Demons" tan simpática. Sí, la del cine y el ciego. Su episodio se titulará "Murder House" y será un típico giallo situado en un entorno rural.
• Umberto Lenzi, al que le gustaban más un canibal que a un tonto una volaera, dirigirá "Horror Baby" en el que una quinceañera parapléjica se traumatizará tanto después de ver a una pareja dándole al amor, que empezará a matar a diestro y siniestro (¡No me digan, por Carpenter, que el argumento no promete!)
• Sergio Martino, el del nombre de panadero y amante también de los caníbales, se hará cargo de una (¿otra?) historia de fantasmas titulada "The Corners Of The Night".
• Nicola Rondolino, que aparte de tener un nombre muy gracioso debutó en el 2003 con el drama costumbrista "Tre Punto Sei" nos relatará en "Brotherhood" la venganza más allá de la muerte... de un pedófilo ajusticiado por tres chicos.

Desde aquí les deseamos mucha suerte. Esperamos encontrarnos con esa buena psicotronía de la que hacen gala los italianos. Lástima que Fulci nos dejara en el 1996, que si no...

Videodrome

Un productor de vídeo para televisión, Max Renn, queda fascinado por unas escenas que emite su televisor, aparentemente producidas por la emisora pirata Videodrome. Las imágenes representan unas escenas de torturas grabadas con el realismo de las “snuff movies”. En su obsesión por este programa le acompaña una presentadora que se cita al ver estas emisiones. Un misterioso complot parece organizado por un científico, que sólo se comunica con Max a través de la pantalla del televisor, y que está dispuesto a colonizar la mente de los espectadores. En su búsqueda del origen de Videodrome, Max resulta expuesto a las emisiones y comienza a sufrir una serie de transformaciones físicas. Obligado a actuar como un asesino por Videodrome, termina enfrentándose a sus responsables, que le ordenan suicidarse.

La crítica dijo...

“Vista en vídeo, Videodrome provoca una extraña sensación de angustia y plantea un metalenguaje invisible en la gran pantalla. Una gran película que cada uno interpretará según su intuición, y que fue descrita por Andy Warhol como La Naranja Mecánica de los 80.”
Rubén Lardín “David Cronenberg” (4)


“Imágenes malsanas, enfermizas, de torturas, asesinatos y mutilaciones, que ejercen una vampírica fascinación en sus espectadores, y de las cuales no pueden apartar la vista. Imágenes que crean adicción, pero también uno tumores cerebrales causantes de tenebrosas alucinaciones, concebidas por el Orden como herramienta para dominar a las masas mediante la deformación de la realidad; esto es, de su percepción de lo real. Imágenes peligrosas no sólo por la monstruosidad científica y técnica que las genera, sino por la doctrina política que las sustenta.”
Antonio J. Navarro “David Cronenberg. Los secretos de la nueva carne” (2)

“La obra maestra del período netamente gore y fantástico de Cronenberg, y una pesadilla seminal que generó gran parte del movimiento Splatterpunk, el concepto de Nueva Carne y la biomecánica cyberpunk de un solo plumazo. Onírica y agobiante, con increíbles Fx de Rick Baker, llena de elementos perturbadores (sadomasoquismo, televisión snuff, conspiraciones políticas...), sumerge al espectador en un universo que encuentra sus paralelos en la Interzona de William Burroughs, los Mitos de Cthulhu de Lovecraft o las realidades simuladas de Philip K. Dick. Su influencia ha sido decisiva en la obra de cineastas como Tsukamoto, Barker, Oliver Stone y otros maestros contemporáneos del cinema visionario. La sublimación del splatter y su transformación en metáfora poética de la condición humana en la Era Postindustrial. Enigmática y visceral, comprensible sólo a nivel intuitivo, y poderosamente visual. Una obra maestra.”
Jesús Palacios “Videodrome”(3)

“Videodrome concreta, sintetiza y define por completo todas las nociones que hasta entonces ha barajado el cine de Cronenberg y termina especificando por primera vez el concepto de Nueva Carne, un estado supremo de conocimiento psíquico y transformación física en el que la materia orgánica biológica se funde con la mecánica para dar como resultado un nuevo ser. En la película el director aborda temas como el de las Snuff movies, el control de la información y la dependencia audiovisual a través de un estilo tan alucinado como las sensaciones que vive el protagonista de la historia. Película de múltiples lecturas, Videodrome supuso un adelanto de los vericuetos por los que estaba a punto de adentrarse su filmografía, que ya no abandonará los terrenos de las relaciones entre sexo y violencia, mutación, enfermedad y manipulación de la mente. Obra maestra tanto como de culto, hoy Videodrome se revela como un título fundamental a la hora de valorar la figura de su inclasificable director.”
Eduardo Guillot “Videodrome.” (5)

“Obra maestra del género que tuvo una decisiva influencia en el desarrollo posterior del concepto de Nueva Carne en el cine y la literatura, y que supuso una exploración visionaria de los miedos y deseos del hombre en la cultura postindustrial, además de contener una peculiar exposición de las teorías sobre la comunicación de Marshall McLuhan, cruelmente parodiado en el personaje de Brian O´Blivion.”
Pedro Duque “Larga vida a la carne nueva.” (6)


“Sin lugar a dudas, la película más importante, no ya de género fantástico, sino de todas las realizadas en la década de los ochenta, y la que más ríos de tinta ha hecho correr. Creador de una nueva filosofía, se adelantó unos cuantos años en temas referentes a la realidad virtual (incluso se atreve con un rudimentario casco que reproduce en la mente del paciente una realidad alternativa), a la acuciante violencia audiovisual (por aquel entonces ya se hablaba de “Snuff Movies”; Cronenberg no tuvo que esperar a que ningún Amenábar le explicara lo que era eso) y a la exploración de la mente por parte de individuos extraños, ya sean humanos o artificiales. Obsesionado por los guiños a la televisión y al mundo de la percepción visual (hay una congregación religiosa llamada “Misión del rayo catódico”; el centro de operaciones de Videodrome se encuentra ubicado en una óptica; la película se desarrolla dentro del mundo de la televisión), la película recorre todas y cada una de las obsesiones que venía delimitando la enfermiza mente del cineasta canadiense: observamos las sugerencias al sexo raro en la “vagina” que atraviesa el torso de James Woods y el “pene-pistola” que la atraviesa; en la relación sado-masoquista con Deborah Harry (en quien encontramos un claro representante de la doble moral judeo-cristiana que asola como la peste la actual sociedad norteamericana); observamos la manipulación de la carne, tanto en los ejemplos antes citados como en la creación de un nuevo órgano que suponga la elevación a un nivel superior en la mente humana, que lo aleje aún más de su semejanza con nuestros amigos los primates; observamos la conspiración de un orden superior para estabilizar una nueva sociedad (un paralelismo con las plagas expuestas en “Vinieron de dentro de...”, “Rabia” o “Scanners”,- en ésta última, más que plaga, el intento de crear una raza superior para la consecución de un fin-.), a modo de moderno “1984”. Película, como vemos, fundamental para entender el posterior cine fantástico, influyendo en innumerables campos de la literatura y el cine: van desde el manga hasta las películas de Amenábar, pasando por las obras de Shinya Tsukamoto, David Lynch, Clive Barker... Imprescindible.
Antonio J. Bret Bermúdez


“El film más delirante e inclasificable de Cronenberg, memorable por lo arriesgado de sus propuestas y la sugestión que encierra su acabado cinematográfico, si bien denota cierta incoherencia argumental (casi beneficiosa de cara al resultado final, bien mirado). Un fracaso comercial en su día, y una película de culto en determinados círculos hoy.”
Carlos Aguilar “Videodrome” (12)

Anécdotas

Videodrome es su primera película distribuida por una gran compañía, la MCA/Universal.

La protagonista, Deborah Harry, es la vocalista del grupo musical Blondie, de actualidad por la aparición de un nuevo disco.

Los Fx son de Rick Baker, que el año anterior había ganado un Oscar por Un hombre lobo americano en Londres.

A raíz del tema de las Snuff Movies, Cronenberg afirma: “Estas películas me interesan mucho, pero no existen. Todo el mundo quiere creer que existen, pero el snuff movie es el invento de unas personas que querían hacer dinero. Luego, este invento fue utilizado por motivos políticos por los grupos de presión antipornografía, que creían haber encontrado un argumento más a favor de su lucha. Para volver al snuff movies, ¿por qué correr el riesgo de matar a una persona ante una cámara, si con los nuevos maquillajes es más fácil trucar el asesinato? Ni siquiera se necesita demasiado dinero para hacer algo parecido, basta con un poco de savoir faire para hacer que un asesinato parezca real y además sin el riesgo de acabar entre rejas. Al Goldstein ofreció $15.000 a la persona que consiguiera un snuff, y nadie pudo conseguirlo, ya que no existen. ¿Quiere snuff? Lo tiene gratis y legal en la CNN. Hay asesinatos televisados todos los días. Todo pasa en directo, y yo observo tranquilamente el espectáculo, sentado en mi sofá. Antes, el snuff era underground; hoy en día, es accesible al público en general.

Videodrome se vio castigada por la incomprensión, primero, de productores (que la mutilaron sin piedad) y exhibidores (la retuvieron largo tiempo antes de estrenarla), y luego por la de público y crítica, que prefirieron no entrar a desentrañar la complicada tela de araña tejida por Cronenberg.

Coste

$6.000.000

La Zona Muerta (The Dead Zone)

El nombre de Stephen King era ya más que popular a principios de los 80 y ya habían sido llevadas a la pantalla cinco de sus novelas. Dino De Laurentiis, famoso productor italiano, no tardó en hacerse con los derechos de su sexta novela la Zona Muerta. El director escogido para llevar a cabo la adaptación parecía ser Stanley Donen pero, por lo que fuera no devino en el firmante, así que finalmente es Cronenberg quien acepta el proyecto. Stephen King escribió varios guiones de su propia novela pero ninguno fue aceptado: “El guión de King era terrible, muy malo –asegura Cronenberg -. El asesino de Castle Rock devenía en protagonista a mitad de la película que empezaba con Greg Stillson torturando a un niño en una habitación siniestra. Era tan malo que, de haberlo dirigido, los fans de Stephen King me habrían acusado de destrozar su novela.” Después de eso, De Laurentiis le encarga una versión al director polaco Andrzej Zulawski. Cronenberg nunca llegó a leer esa versión, ya que cuando Debra Hill se incorporó al proyecto como productora se acabaron los problemas: Jeffrey Boam trabajó en la versión definitiva con la supervisión de Cronenberg, haciendo de La Zona Muerta una de las mejores adaptaciones de King, junto a Carrie y El Resplandor.

Argumento

Johnny Smith es un maestro de escuela a punto de casarse con Sarah Bracknell, pero un desdichado accidente de tráfico durante una noche de tormenta lo sume en un profundo coma que habrá de durar un lustro. En ese tiempo Sarah se ha casado con otro hombre y Johnny descubre que hay en él algo nuevo, una capacidad extrasensorial que le permite visualizar el pasado o futuro de cualquier persona con sólo tocarla.

La crítica dijo...

“Los personajes de la película, que muestran motivaciones de orden existencial, presentan un trazo más esquemático de lo que es habitual en el director. Como espectador la entiendo cruel, que habla de personas desesperadas y que le debe una parte muy grande de su carga emocional al trabajo de Christopher Walken.”
Rubén Lardín“David Cronenberg.” (4)

“La Zona Muerta ofrece, con relación a Scanners, una tenue mejoría. Como principales causas de ello deben enumerarse su tono oscuro y lánguido, la excelente interpretación de Christopher Walken, la inventiva visual de algunas secuencias y poco más. Gran parte de culpa de la baja calidad de la película la tiene el nefasto guión de Jeffrey Boam, estructurado en los tres tiempos dramáticos y clásicos.”
Antonio J. Navarro “David Cronenberg, los secretos de la nueva carne.” (2)

“Insustancial y soporífera adaptación del ya de por sí poco brillante original de Stephen King, que supuso el debut del canadiense en el cine USA.”
Carlos Aguilar “La Zona Muerta.” (12)


Anécdotas

La zona muerta del título se refiere al espacio en negro que Johnny reconoce en algunas de sus visiones. Cuando aparece la zona muerta, Johnny sabe que tiene la posibilidad de alterar los acontecimientos venideros.

La Zona Muerta representó un cambio importante para Cronenberg. Se trata de su primera película de producción americana.


Coste y premios

La película tuvo un presupuesto de $10.000.000 y se llevó unos cuantos reconocimientos oficiales del desaparecido Festival de Avoriaz de ese año, además de ser nominada en siete categorías a los premios americanos Edgar Allan Poe.

Scanners

Dick Schouten fallece inesperadamente, y Vision 4 se disuelve para dar paso a Filmplan International, formada por Solnicki, David y el productor de Cromosoma 3 Claude Hèroux. En ese momento Filmplan pretende producir tres películas para vender en paquete, y le propone a Cronenberg volver a The Sensitives como plato fuerte del trío. La condición es que en dos semanas tiene que estar lista la preproducción. A finales del 79 se comienza a rodar Scanners, en Montreal, sin guión. Cronenberg se ve obligado a escribirlo día a día, y Carol Spier tuvo que ir improvisando como pudo ese mundo futurístico que se ve en la película. Los otros dos proyectos que completaban el paquete de Filmplan no llegaron a tocar tierra, pero Scanners pudo terminarse convenientemente.

Argumento

En un futuro cercano existen más de doscientos telépatas conocidos como exploradores. Consec, organización especializada en armamento y seguridad internacional, cuenta con el Dr. Paul Ruth para que reclute a todos los exploradores posibles, con el fin de utilizarlos en misiones de inteligencia. Ruth captura a Cameron Vale, un explorador del que se valdrá para conocer la infraestructura del grupo de iguales que dirige Darryl Revoc. Cameron descubre que Revoc fabrica grandes cantidades de ephemorol, sustancia que, administrada a mujeres embarazadas, origina bebés exploradores.

La crítica dijo...

“Cronenberg busca nuestro sistema nervioso minando la película de juegos antagónicos y metáforas ambiguas: el científico inventor del ephemorol como calmante para gestantes, después revelado como causante de la especie exploradora, y años después pastor de su camada o el bien alojado en la carcasa del mal, tras el duelo final entre hermanos exploradores.”
Rubén Lardín“David Cronenberg.” (4)

“Todas las virtudes de Scanners se vienen abajo ante la presión de un engolamiento visual decorativista y un ritmo moroso, cansino, causante al final de grandes dosis de confusión y tedio. Cronenberg articula un ejercicio de estilo que en muchos instantes se le escapa de las manos.”
Antonio J. Navarro “Los secretos de la nueva carne” (2)

“Un argumento muy flojo y en absoluto original, pese a su sofisticado envoltorio, para un film harto exitoso del polémico Cronenberg, de cierto interés pese a su aplastante monotonía visual y temática.”
Carlos Aguilar“Scanners” (12)

Recaudación
La película se encaramó a los primeros puestos de taquilla en EE.UU., convirtiéndose en su primer gran éxito de público.

Cromosoma 3 (The Brood)

En esos momentos, David Cronenberg tenía acuerdos con Vision 4, una compañía encabezada por Victor Solnicki y Dick Schouten en asociación con Pierre David, se centraba en una historia titulada The Sensitives, una revisitación a la temática de Stereo. Sin embargo, problemas personales del director le impidieron atenerse a lo convenido: “Yo intentaba escribir The Sensitives, pero lo que salía de mí era algo distinto, era como escritura automática. Entré en la oficina de Solnicki, le entregué una primera escritura y le dije: “Aquí tienes el guión. No se trata de lo que habíamos hablado. En realidad, no tiene que ver absolutamente nada.”.” Así nació Cromosoma 3, en 1979.

Argumento

Frank Carveth vive con su hija Candice de cinco años; su mujer, Nola, está internada en el Instituto Somafree del Dr. Raglan por su desequilibrio mental, y cada cierto tiempo recibe la visita de Candice. Un día, mientras baña a la niña, Frank descubre en su espalda marcas de golpes, arañazos y mordeduras; de inmediato sospecha de su mujer y no va a permitir que vea a la niña. En ese momento, empieza a investigar por su cuenta. Al poco tiempo, mientras cuida de su nieta, la suegra de Frank es asesinada a martillazos por un niño deforme. Después morirá su marido, y más tarde la profesora de Candice, todos a manos de misteriosas criaturas.


La crítica dijo...

“Está visto que no sólo el amor es la gran fuerza creadora que mueve el mundo, también el odio puede generar, amén de horribles monstruitos, grandes obras.”
Rubén Lardín “David Cronenberg.” (4)

“El clima del film resulta tan sofocante como las desnudas paredes del barracón donde el Dr. Raglan asiste a Nola. Tan turbio como la pétrea faz de Raglan durante sus sesiones terapéuticas, escarbando sin escrúpulos en el angosto inconsciente de sus pacientes. Tan siniestro como los hijos extra-uterinos de Nola, los hijos de su odio, de su represión, prueba viviente del éxito de las teorías psicoplásmicas.”
Antonio J. Navarro “Los secretos de la nueva carne.” (2)

“A ritmo de thriller, Cronenberg construye una metáfora oscura y trágica de los conflictos psíquicos y sexuales que generan las relaciones de pareja.”
Jesús Palacios“Cromosoma 3” (3)

“Indiscutible que a tan fascinante historia se le podía haber sacado mucho más partido, pero con todo un film considerable y de lo mejor de Cronenberg.”
Carlos Aguilar“Cromosoma 3” (12)


Anécdotas

Cronenberg escribió Cromosoma 3 en delicado momento de su vida: “Por entonces yo luchaba por la custodia de Cassandra, la hija de mi primer matrimonio. Un día recibí una llamada de mi ex – mujer, diciendo que había decidido trasladarse a California por razones religiosas y que iba a llevarse a Cass con ella. Le dije que vale, que le fuera muy bien y que hasta otra. En cuanto colgué me fui al colegio de mi hija y la secuestré; bueno, no fue realmente un secuestro, pero el caso es que me la llevé. Actualmente todavía nos estamos disputando su custodia.”

“Es mi película más clásica, tiene una estructura circular, en la que cuando todo parece acabar, se descubre un nuevo comienzo. Fue difícil mantenerse firme en la escritura, ya que las interrupciones autobiográficas eran continuas. Hay líneas de diálogos, de monólogos o impresiones absolutamente reales, vividas por mí. Es mi guión más autobiográfico. Fue una experiencia interesante y muy potente para mí el ver aquella violencia en la pantalla, resultó muy aliviante y la impresión final fue muy satisfactoria: durante el clímax deseaba estrangular a mi ex - mujer.”

Coste
$1.500.000

Fast Company

A finales de los 70, a raíz de una propuesta de financiación que permite a cualquiera invertir en una película, Cronenberg tiene la oportunidad de dedicar su siguiente proyecto a una de sus pasiones más queridas: los deportes de motor.

Argumento

Esta es una película sobre carreras de coches en Edmonton, en la provincia de Alberta.

La crítica dijo...

“Planos subjetivos de los pilotos, explosiones, motores rugientes... poco que ver con el terror.”
Rubén Lardín “David Cronenberg” (4)

Anécdotas

Esta película es importante para Cronenberg pues le permitió trabajar con Mark Irwin como fotógrafo, Carol Spier en el diseño de producción, Bryan Day controlando el sonido y Ron Sanders montando; un equipo que a partir de ahora se hará imprescindible para el director en casi todos sus films venideros.

Claudia Jennings, una “chica playboy”, murió poco después del rodaje en accidente de coche. Fast Company nunca fue distribuida.