The Echo (2009)

Nunca antes se había producido este furor que llevamos, de cinco años para atrás, en lo que concierne a remakes. El norteamericano medio parece ser tan vago (o seo creen los que mandan en la industria del cine) que se niega a leer subtítulos, y prefiere gastarse una pasta en 'americanizar' el éxito europeo/asiático del momento. Los ha habido, principalmente, de dos clases: los que superaban ampliamente el original ("The Ring") y los que entraban en el territorio de la vergüenza ajena (aquel engendro llamado ''Pulse'', basado en la exquisita "Kaïro" de Kiyoshi Kurosawa). Pues bien, esta "The Echo" pasa a quedarse en territorio de nadie: ni se le puede sacar la gracia poniéndola a parir, ni se nos ponen los pelos como escarpias al ver que, hijosdeputa, estos americanos lo han vuelto a hacer.

"The Echo" está basada en una película de Singapur llamada "Sigaw". Una historia de fantasmas, típica y tópica, de esas en las que unos cuantos espíritus se quedan en el limbo y alguien tiene que ayudarlos. No tengo ni la más remota idea de por qué se llevó a cabo el remake: como ya he dicho antes, la historia está sobada y aporta ''0'', la nada más absoluta. Pero nada: aquí la tienen de nuevo. ¿Puntos a favor? La fotografía no está nada mal; las intenciones de querer ir construyendo poco a poco el suspense en base a elementos cotidianos como son los ruidos a través de las paredes, los vecinos inquietantes con los que no se tiene relación... Pero nada de esto funciona si está al servicio de un esqueleto argumental que, aún siendo flaco, adolece de tener más cabos sueltos que el golpe de estado español.

"The Echo" habrá ido a engrosar, directamente, las estanterías del mercado del DVD, y ni por esas el director (el mismo que perpetró la anterior), Yam Laranas, ha cargado las tintas en algún arrebato de violencia extrema y se queda en una tontería rayana en "Poltergeist", pero que, encima, no entretiene ni un tercio de lo que aquella.

The House Of The Devil (2009)

Es curioso que, en pleno siglo XXI y los cines abarrotados de adolescentes ansiosos de emociones fuertes, un cineasta tenga los bemoles de hacer un ejercicio de estilo como el que ocupa "The House Of The Devil". Porque esta cinta imita, a la perfección, una época del cine de terror que, hastiada del gore y la violencia rural que se estilaba en cintas como "La Matanza De Texas", buscaba el terror en la cocción lenta, alejada de efectismos.

Una chica estudiante del segundo curso de la universidad está cansada de que su compañera de habitación sea una puerca (en todos los sentidos). Es por eso que se busca una casita para ella sóla, pero ¡ay! tiene muy poco efectivo en su cuenta corriente. Manos a la obra, y a buscar trabajo, de niñera que es fácil, cómodo y rápido. En cuanto encuentra uno y una amiga la lleva en coche, una casona antigua, apartada, todo comienza a enrarecerse.

Esta película está hecha para los amantes del cine de terror de toda la vida: esos que tenían una paciencia infinita para esperar a los últimos veinte minutos en los que se desplegaba toda la furia que, poco a poco, se iba apuntalando con detalles sutiles y con algún que otro golpe certero hacia la mitad de la cinta (el primer momento sangriento es inesperado y te coge de improviso). El apartado técnico es asombroso: todo está cuidado al detalle para hacernos creer que esto, en realidad, es de 1980: el uso de walkmans, los vasos de coca-cola enormes, el vestuario, los peinados, la ambientación en general, los gozosos títulos de crédito (aquellos en los que, cuando salían los rótulos anunciando el nombre de la protagonista, la imagen se congelaba) e incluso la participación de alguna leyenda viva de la nostalgia terrorífica (esa Dee Wallace)... todo puesto al servicio de una historia de rituales satánicos, esos que tan en boga se pusieron ante la caída del espíritu hippie, y que tiene su máximo exponente en el macabro suceso que se llevó la vida de la

bella Sharon Tate a manos del clan Manson.

No es ni mucho menos comparable a enormes joyas del calibre de "La Semilla del Diablo" pero por hacerse un hueco en una época como esta, y por destilar tanto mimo y cariño, se merece una visión. En casa, con las puertas y ventanas cerradas, y con la lluvia dando en la ventana.

TRAILER

The Rage (Robert Kurtzman - 2007)

El despiporre es sano, señores. Y en el cine es una bendita bendición, así, con aliteraciones reiterativas, alcohol, drogas y buena compañía. The Rage es un claro ejemplo de lo que el cine puede hacer por la salud mental: una gozosa nadería al servicio de la casquería más nauseabunda, el argumento más pedestre. Un científico loco y ruso, que debe ser como el doble de loco, quiere expandir el virus de la ira por el mundo para acabar con la raza humana. Y para ello, como no, secuestra a gente y las tumba en camillas, en un zulo en mitad de un bosque que parece como el escenario de un sueño humedo de Lucio Fulci. Les rebana la cabeza y les inyecta un suero azul (esta vez, por lo menos, han cambiado el color, y no es amarillo) para que se cabreen mucho y parezcan una mezcla entre la masa y Acebes. A esto que uno de ellos se le escapa, le muerde el brazo, y se larga por ahí a dar una vuelta, a recorrer mundo, o bosque. Pero le da una insolación y se lo comen los buitres, contagiándoles la plaga de la ira. Buitres iracundos asolarán a un grupo de imbéciles que asistían a un concierto de nu-metal, sacándoles los ojos y comiéndoles la piel a tiras mientras intentan quitarse el cebollón a base de correr mucho. Por entre medias, los buitres se zampan a una niña y su tío, que andaba por allí, acaba infectado. Mata a su sobrino y mientras se lo comen, los jóvenes zagales lo atropellan con el coche. Los buitres siguen haciendo de las suyas. No diré más, solo que en la recta mitad aparece un enano con la cara de la niña (en plan leatherface) y le suelta a la protagonista ''¡¡te voy a arrancar las tetas y me las voy a comer!!''. Todo aliñado con un CGI bastante cutre, efectos de video a lo Troma y mucha mucha sangre (brazos cortados, hachas en mitad de la cabeza, explosiones craneales, babas, empalamientos, etc) que nos retrotraen a esa época en la que nos excitábamos tanto viendo una película así, en pijama, en el sofá, que teníamos que ir a hacer pis cada dos por tres. Una gozada, demonios.

Aftermath

Ficha

Aftermath
España
1994
Dirección y guión: Nacho Cerdá
Intérpretes: Pep Tosar, Ángel Tarris, Jordi Tarrida, Xevi Collelmir

Sinopsis: Una chica sufre un accidente mortal de tráfico al estamparse su coche contra un perro. En el tanatorio y durante la autopsia, su cuerpo sufrirá todo tipo de vejaciones.

Lo que la crítica dijo:

En lugar de ofrecernos una glorificación de la violencia, Cerdá indaga en el verdadero corazón de la muerte... y lo hace con una habilidad excepcional
Bill Gibron - Dvdtalk.com

Una bella y escalofriante película muda que requiere de unos buenos altavoces
Jovanka Vuckovic - Rue Morgue Magazine

A Cerdá no le hacen falta las líneas de dialogo para enseñarnos bien lo que quiere decirnos: simplemente con una sutil pieza de música clásica y una fotografía de tonos azules, que contrasta brutalmente con la sangre derramada por los cuerpos muertos, asistimos durante 30' a la celebración funesta de unos de los últimos tabúes del ser humano: la necrofília. Mucho más conciso y, sí, elegante, que Buttgereit, el catalán golpea nuestra retina insidiosamente, con elegantes movimientos de cámara que encierran uno de los mensajes más nihilistas que concebirse puedan. Y esto sí que de verdad es una advertencia: es una película muy fuerte, con un trabajo de maquillaje por parte de la DDT sin parangón en el cine patrio (y eso que hablamos de una película que tiene ya la friolera de 13 años) y que le deja a uno muy mal cuerpo. De hecho, ha quedado para la posteridad como uno de los más preciados y buscados vídeos para el gorehound más extremo y curtido. Avisados quedan.
Antonio Bret - Esquivando al borrego

Premios

• Mejor corto, Festival de Cine Fantástico de Asia, Fant-Asia

42nd. Street Forever

Ficha

42nd. Street Forever (Vol. 1 y 2)
Varias Nacionalidades
14 de septiembre de 2005 y 31 de octubre de 2006
Dirección: Varios Directores
Recopilación de trailers

Sinopsis: 42nd. Street Forever recopila en sendos volúmenes más de cien trailers de la época dorada de la exploitation de todo el mundo y pasando por los géneros de más diverso pelaje.

La crítica ha dicho:

Todo un manjar para buscadores de rarezas, olisqueadores de toda cinta ajena a los parámetros de lo políticamente correcto y toda un tesoro para aficionados, especialistas, coleccionistas y demás fauna cinéfaga. 250 minutos de película que recopila mas de cien trailers correspondientes al espectro de la exploitation: peleas callejeras, motoristas hombres lobo, espías ninfómanas con ansia castradora, jovencitos masturbadores regados de acné, vengadoras mujeres mancilladas, hombres disfrazados de mono, científicos locos, zombies, luchadores mancos, torsos humanos, freaks de todo pelaje se dan cita en estas dos cintas imprescindibles para todo aquel que saliva ante un horizonte recortado por la pantalla de un autocine, para aquel que el cine es algo más que festivales y premios o estrenos cada viernes acompañados de la chica guapa de turno. Ideal para organizar veladas aderezadas con alcohol. Todo el encanto de los rotulos efectistas, la sangre de rojo titanlux y la música surf condesada en dos volumenes.
Antonio Bret – Esquivando Al Borrego

hostel 2

Nota: La siguiente reseña se basa en el visionado del workprint que ha sido filtrado en los programas P2P. De todas maneras, no hay visos de que el resultado final vaya a distar mucho de lo que pude ver. Aunque, en los tiempos que corren, quien sabe...

Nuestro querido amigo Eli Roth, lo más autenticamente seventies que importamos de los USA junto a Rob Zombie, está a puntito de estrenar en todo el mundo la secuela de su exitosa Hostel. A día de hoy, a un año de su estreno, aún la tenemos fresquita: la cinta de Roth ha sido la última película-fenómeno llegada desde norteamérica, a tenor de lo ofrecido a través de la prensa extranjera y su exhibición previa en festivales: que si su violencia alcanzaba límites casi insoportables, que si era machista, misógina, homófoba, que si la gente se había desmayado durante alguno de sus pases...todo ello aliñado por una memorabilia que nos retrotraía a tiempos mejores para el cine de terror: fábricas chorreantes de tuberías desencajadas, angostos pasillos que parecían no tener fin...y unos carteles que desafiaban las leyes pacatas y moralizantes de la (fascista) MPAA: un tipo enfundado en un vaquero marca-paquete a lo "Sticky Fingers" de los Rolling Stones, agarrando una cabeza despojada de su cuerpo de mujer o una taladradora insertada en la boca de una de las víctimas, con la broca formando un siniestro relieve a lo largo de la garganta.
La premisa de Hostel era poco original: nos retrotraía a la típica historia de la caza del hombre, pero con una ligera variante para adaptarla a los tiempos que corren: un grupo de ricachones hastiados de no saber en qué gastar el dinero, se dan cita en una fábrica ignota de un país dejado de la mano de dios, ejem, los EEUU, Eslovaquia, para torturar adolescentes, en general turistas borrachuzos pre, post, o directamente Erasmus, dispensados previamente por una organización a través de subasta por internet, a lo E-Bay (1). Así, un grupo de tres jovenes ávidos de sexo fácil, se encuentran con que van a experimentar otro tipo de pérdida de fluidos en la pérfida Europa. De nuevo, motivo para la polémica: Eli Roth afirmó haberse basado para la historia en algunos sitios web en los que había gente que ponía precio a su vida. Pocos le creyeron poniendo el grito en el cielo y acusando al cineasta de nada menos que emprender una campaña alertando de los peligros que supone el viejo continente. Nada nuevo bajo el viejo sol de lo políticamente correcto.
Para Hostel 2, Eli Roth sabe como pasarse por el forro de sus tejanos a todos los criticuchos de tres al cuarto, asumiendo su espíritu de secuela nonsense: en lugar de seguir las peripecias del único superviviente de la primera masacre, opta por cambiar el sexo de los portagonistas, y ahora en lugar de ser tres varones salidos, son tres hembras ávidas de... arte. Estudian pintura en Roma y allí, una modelo, les invita a desestresarse en el mayor y mejor spa del mundo. Bingo. Está en Eslovaquia, y la historia, de aquí al final, se la saben de sobra. ¿Por qué, entonces, hemos de pasar por caja? No solo por verle el careto majestuoso y de bella madurez a la añorada Edwige Fenech, o por ponerle cara al recuperado Ruggero Deodato. Hostel 2 cuenta con un factor que, si en otras secuelas se presenta como una gran traba, aquí se manifiesta como un alivio: el sorpresa. Una vez que ya sabemos que todo el tinglado lo forman unos ricos caprichosos, ¿qué queda? pues mostrar un poco como lo hacen, como se organizan, qué pintas tienen, etc. Y si bien no se ha aprovechado del todo esa cara del relato (2) sí que se ha tirado de bastante humor negro y mala leche (3). Por lo tanto, la acción comienza desde el primer minuto de la cinta, (4) desarrollándose cómodamente casi en su integridad en la bella Eslovaquia, con una fotografía tenebrosa (5) y con eminentes guiños al fantaterror europeo (si antes citábamos la participación de la Fenech y el señor Deodato, no podemos pasar por alto una de las escenas cumbre de la cinta, en la que la condesa Bathory es dígnamente homenajeada). Aparte, el elemento 'crueldad' de la película, lo que todo el mundo espera, por lo que todo el mundo va a ver la película, a ver si ahora vamos a ver porno por las cosas que se dicen, es superior a la primera, con creces. La primigenia Hostel contenía un puñado de escenas incómodas, pero todas apegadas a un aire cómic lo suficientemente acentuado como para que el espectador pudiese mantenerse a cierta distancia, y el efecto, más que nauseabundo, fuese de carcajada sonora (6). Sin embargo, en esta secuela sí que hay escenas que pueden incomodar (7).
Con Hostel 2, Eli Roth ha conformado un extraño híbrido entre las cintas de exploitation europeas de los 70 y el terror de diseño adolescente contemporáneo, tomando de cada uno lo mejor y evitando el acercarse a la burda comedieta adolescente.

(1) De esto no tenemos constancia hasta bien entrada la secuela.
(2) Tampoco dan para mucho sus ajustados 93 minutos.
(3) Por ejemplo. el método para seleccionar a las víctimas, la ropa que llevarán, o las armas que usarán.
(4) Son en esos minutos en los que Roth demuestra, aparte de tenerle un cariño inmenso al cine de género, una cara dura que embarga y que, sin duda, provocará gritos de hereje entre el fandom más recalcitrante y corto de miras.
(5) Por ejemplo. los momentos justamente anteriores al secuestro de la bella Beth, interpretado ajustadamente por Lauren German, con el spa a modo de estepa desolada.
(6) Aún recuerdo el tijeretazo al ojo, o el corte a los talones, más propio de los delirios de Peter Jackson, que del rollo malrollista de, pongamos, Buttgereit.
(7) Un brutal asesinato, curiosamente, en off, o la última de las escenas, homenaje declarado al género de caníbales/mondo que originó el ya citado Ruggero Deodato.

Grindhouse (1): Planet Terror

La primera película del díptico que conforma este ejercicio de estilo nostálgico llamado Grindhouse, lleva por título "Planet Terror" y está dirigida por el injustamente denostado Robert Rodriguez. Cuenta la (confusa adrede) historia de un arma bacteriológica que diezma a la población mundial, convirtiendo a la masa en una enfebrecida piara de zombies, con el único propósito de aniquilar, mutilar, desmembrar, y pegar más de un mordisco. Sin lugar a dudas, el señor Rodríguez se ha tomado el asunto muy en serio: las interpretaciones son abismalmente histriónicas, llevándose una montaña de laureles el desaparecido Josh Brolin, o Michael Biehn, que ilustra los pasajes más 'macho-épicos' de la historia. El tono del film, el esperado: humor negro a espuertas, gore a paletadas, mucho más del que estamos acostumbrados en una gran producción de hollywood, y muy poca vergüenza; una capacidad para crear iconos asombrosa (la imagen de la bailarina gogó, con la pierna amputada y reemplazada por una metralleta, la enfermera con el rimel corrido empuñando jeringuillas); jugosos cameos que se extienden más allá de lo anecdótico (Tarantino y su ya típico papel de maníaco sexual, Bruce Willis, esta vez ejerciendo el papel de malo de la función o Fergie, de The Black-Eyed Peas, mero florero para marcar tetas y justo guiño para lo que suponía este tipo de productos en la época en la que florecieron.
Hay que decir que Grindhouse ha sido un total y absoluto fracaso en los USA. Las razones que se me ocurren, a bote pronto, pueden ser varias: uno ya no está acostumbrado a meterse en un cine y ver mas de 180 minutos de cine, a no ser que sea Titanic o El Señor De Los Anillos, esto es, una filmación pulcra y limpia que dista mucho del grano gordo, los trazos de rollo sucio y el sonido cuasi monofónico del que hace alarde el proyecto Rodríguez-Tarantino. Otro, podría ser, que el público aficionado a las dobles sesiones vivía en otra época de la historia radicalmente distinta a la actual, más acostumbrado al machismo o la violencia cruda sin adornos o coartadas de ningún tipo, menos apegada a la violencia fashion contemporanea. Sea cuales sean los motivos, Rodríguez ha firmado en esta película uno de sus más sinceros y mejores trabajos, entretenido hasta la nausea, vertiginoso, arrebatador y deliciosamente chabacano. Sin medias tintas, como en los viejos tiempos.

A Guide To Recognizing Your Saints (Dito Montiel - 2006)

Siempre he pensado que la familia, como estatuto, está sobrevalorado: estás forzado a vivir una gran parte de tu vida con personas que no eliges, que además se han permitido el lujo de darte una vida que no pedías, y, en el mayor de los casos, te dan una educación basada en patrones desfasados que ni siquiera les sirvieron a ellos para ser felices. Es lógico: la sociedad bienpensante espera que sufras por el fallecimiento de esa abuela a la que has visto tres veces en tu vida, que cuando hace lo propio el perro con el que has convivido durante quince largos años. Es así, el amor no brota innato derivado de una relación estrictamente cosanguínea, sino del roce, del día a día, de la rutina. "A Guide To Recognizing Your Saints" recoge la historia de una familia en un barrio marginal de los EEUU durante la década de los 80. En ella, Dito y sus amigos se debaten diariamente en un entorno en el que la violencia contenida, fruto de la desidia y el aburrimiento y las pocas persepctivas de futuro, amenaza con estallar como una olla express. En el grupo destaca Antonio, el mayor de ellos, irascible y maltratado por su padre, sobreprotector de Dito y, casi, uno mas de la familia de este.
La película está basada en la novela autobiográfica del verdadero Dito Montiel, haciéndose cargo además de las labores de guión y dirección. Y si bien es cierto que el material que trata es propio de una película de sobremesa, ya saben, letrero de 'basado en hechos reales' y situaciones tremendas y trágicas, Montiel se sabe rodear de un elenco actoral impecable, entre los que destacan el enorme Robert Downey Jr. y su padre, en la ficción, Chazz Palminteri, acaparando entre ambos las mejores escenas de la película. Siendo una ópera prima, no se regodea en la lágrima fácil, aunque se empeñe en dejarnos su ''sello autoral'' en ocasiones (esos dialogos mecanografiados a modo de guión sobre la pantalla, los cortes en negro en una escena dramática, las declamaciones a pantalla).
"A Guide To Recognizing Your Saints" nos habla de la familia desde un tono alejado de la moralina, de la capacidad que tenemos las personas de redimir nuestros errores y volver a andar el camino que un día tomamos. Los santos a los que alude el título no tienen nada que ver con los impuestos por sangre: son aquellas personas que van dejando poso en ti, y a los que hay que cuidarlos para no perderse en uno mismo

Adam's AEbler (Anders Thomas Jensen - 2005)

Es curioso el poder aturdidor que ejercen sobre nosotros algunas películas. Pasó con The Host, que uno no sabía muy bien cómo tomársela, porque verán, en principio es una monster-movie, pero después parece ser un drama familiar, pero no, es una película de conspiraciones, o una de aventuras a lo Tiburón. Es lo que pasa con "Adam's AEbler", o "Las Manzanas De Adán" en castizo y legible. Anders Thomas Jensen es danés, como Von Trier y Dreyer. Los que conocemos a estos dos personajes, sabemos de más la obsesión y la congoja que les daba la religión protestante: muchas de sus películas han versado sobre los milagros. Desconozco si en Dinamarca la sociedad es protestante hasta la médula, pero al analizar esta película, nos tememos que sí. Adam es neonazi (1) y sale de la cárcel para cumplir servicios sociales en una parroquia. En dicha parroquia habitan el sacerdote, un hombre henchido de fe, motor de su vida; un antiguo tenista malogrado por una erronea decisión del juez, alcohólico, y un terrorista islámico que tiene como obsesión invadir Noruega. A Adam se le encomienda una misión, algo que hacer con su vida en un breve período de tiempo. Como acaba de ser presentado al manzano del patio, no se le ocurre otra cosa que decir ''cocinar una tarta de manzana''. Lo que sigue es impropio de ser contado, y si aguantan el desconcierto de la primera media hora, o una hora entera si tienen un mal día y no están para que le cuenten milongas, obtendrán la recompensa: "Adam´s AEbler" es una película moral, que trata la eterna lucha entre el bien y el mal desde una perspectiva naturalista no exenta de ribetes fantásticos, aunque afortunadamente alejados del pastoso realismo mágico. Así, nos encontramos con una versión en clave de comedia negra y a color de "Ordet" (guardando las distancias, que duda cabe): Aquí hay milagros, símbolos cristianos para dar y regalar (los cuervos negros, los gusanos, las manzanas, el nombre mismo del protagonista), pero no se engañen: detrás de "Adam´s AEbler" lo que resulta no es tanto el aderezo religioso, que funciona y no da grima, sino más bien el desconcierto que suponen muchas de sus escenas enfrentadas a ese mismo aderezo: los encontronazos con los skinheads en el sacro lugar es buena muestra de ellos, así como la relación que se establece entre los distintos personajes, con reacciones inesperadas y, en ocasiones, de un tronchante humor negro. Además, el cariño que se demuestra por los personajes, todos impecablemente interpretados, es caro de ver en el cine de hoy. Una gozada para los sentidos. Un desconcierto que va tomando cuerpo y se transforma en una de las mejores, y más sencillas, películas que he tenido el placer de ver en los últimos tiempos, a pesar de su compleo e inquietante contenido.


(1) Un tanto que se anota el film es ese, el mostrar un neonazi y un musulmán en una misma película y que solo salgan leves apuntes de conflictos raciales, y no se ciña la película a eso.

Faster, Pussycat! Kill! Kill! (Russ Meyer - 1965)

Entre las primeras frases que oímos nada más empezar "Faster Pussycat, Kill! Kill!", nos encontramos con "sexo" y "violencia". Eso son los ingredientes principales de las exploit movies, películas baratas que se popularizaron a partir de la década de los cincuenta que ''explotaban'', de ahí el nombre'' el morbo de ver en la pantalla hecho de cuestionable moral, drogas, mujeres desnudas, asesinatos y pandillas juveniles, en pos de reventar las taquillas, y de paso entretener al americano medio, harto de su gris y anodina rutina diaria. Russ Meyer es uno de los directores más conocidos dentro del género: ha sabido granjearse una fama incuestionable a través de una filmografía llena de mujeres exhuberantes, de perímetro pectoral excesivo, machos dominantes y a la vez estúpidos que lo pierden todo al primer movimiento de cadera, entornos rurales en los que el redneck de la américa profunda decora los sucesos, siempre derivados de los pecados de la carne, los excesos, el dinero fácil y la lujuria. En 1965 rueda la que, a día de hoy y sin contar sus ''vixens'' queda como su película más recordada, "Faster Pussycat, Kill! Kill!", una enloquecida muestra de lo que singificaba el cine para el añorado Meyer. Asistimos a una enclenque historia paralela de ambición y venganza: el trío de go-go´s de club asesina al novio de una chica, y dan con sus huesos en la granja semiabandonada de un tullido podrido de dinero, padre de dos hijos, uno de ellos discapacitado. Ni que decir tiene que intentarán hacerse por todos los medios con el botín que el viejo tiene escondido. En todo momento, las mujeres del film son presentadas como figuras amenazantes, con esos contrapicados tan de cómic, mientras que los hombres son vilmente engañados o, simplemente, unos ingenuos de cuidado. Lo que más atrae de asistir a la proyección de una película como "Faster..." es constatar cuanto se le debe en parte al señor Meyer al cine de acción, digamos, moderno, fijando la vista sobre todo en Quentin Tarantino, consumado fan del cine del director californiano. Advertir, gozosamente además, que a pesar de que la supuesta violencia que entonces escandalizara, hoy en día pasaría la prueba del pase de sobremesa, es mucho más atrevida que otras producciones '' de entretenimiento'' de la actualidad. Es una película sincera: las tías están buenas y tienen la sarten por el mango, hay guiños lésbicos y peleas sobre la arena, planos detalle sobre músculos sudorosos y zonas pélvicas y bailes frenéticos en los que los inmensos senos campan a sus anchas, carreras de coches y puñetazos... Es una película divertida: hay escenas tremendamente surreales, como toda la transcurrida en la cena de la cabaña, y las actuaciones son deliciosamente histriónicas. Tiene una fotografía esplendida, con planos intensos como el abatimiento del hijo del tullido frente a la chica secuestrada... Y además, es una película que nos ha regalado todo un icono: la silueta de Tura Satana recortando el desierto, enfundada en un ajustadísimo traje negro.
Ya saben: ¡chicas a gogo!¡sexo y violencia!¡velocidad y riesgo! Faster, Pussycat! Kill! Kill!

Half Nelson (Ryan Fleck - 2006)

No hace falta que les diga más, si de mis labios o dedos en este caso emergen las palabras 'Cine Indie'. Venga, todo de corrido: en el fondo, personajes marginales o perdedores, adicciones varias, tanto físicas como psicológicas, verbo sobre imagen, familias disfuncionales; en la forma, fotografía con grano, cámara nerviosa, interpretaciones presuntamente más basadas en la libre espontaneidad del devenir de los hechos que en las estrictamente ceñidas a un guión de hierro.

El pasado 2006, este tipo de cine, una marca (Sundance) y un género en sí mismo, nos dió una de cal y una de arena: la insufrible, pedante, engolada y amorfa "Thumbsucker" y la delicada, divertida, sincera y sentimental "Little Miss Sunshine". "Half Nelson", aún inédita en nuestras pantallas, se queda a medio camino, convirtiéndose en un lastimero quiero y no puedo que no resulta insultante en exceso, pero que se ahoga en sus propias pretensiones por querer contarlo todo, y de la mejor manera posible. "Half Nelson" cuenta la historia de Dan Dunne (Ryan Gosling), un profesor de historia adicto al crack y a la cocaína que establece una estrecha relación de amistad con una de sus alumnas, la joven Drey (Shareeka Epps). Sin embargo, las intenciones de Ryan Fleck y su guionista Anna Boden no se ciñen sólo a delimitar un universo de desarraigados que se buscan mutuamente, sino que intentan realizar un tratado en el que además converjan la sátira social, el adoctrinamiento político, el cine de denuncia, y la tertulia artística propia de un Woody Allen venido a menos. Fracasan en tanto en cuanto que no vemos en la pantalla el camino lógico de la narración, esto es, acción-causa. El meollo del asunto, lo que duele, se los toman al fresco, ilustrando puerilmente el film con escenas vacías en las que participan personajes completamente prescindibles: la exnovia del protagonista, su actual ''pareja'' con la que mantiene infantiles diatribas acerca de ideales. Además, desvelan un bastante torpe sentido del montaje, sobre todo en la escena paralela entre las cenas de la familia del profesor y las de su alumna, un entorno burgués acomodado el uno, marginal y pobre el otro, además de un molesto complejo de padre (el que le sienta tan bien, sin embargo, a Alejandro Gómez Iñárritu), combinando testimonios de la historia real que los alumnos declaman mirando a cámara, acompañados de imágenes de archivo.
De todos modos, no todo es desdeñable en "Half Nelson". La casi debutante Shareeka Epps borda un papel exquisito y contenido y hay secuencias en las que se agradece la sutilidad de la conjunción (por ejemplo, cuando advertimos que Dann es cocainómano, aplicando limpiacristales a la mesa y dejando caer un tubito blanco sobre ella). Sin embargo, el tramo final acaba siendo exasperante y forzado, quedándonos un plano final forzado, pretendidamente hermoso y efectista.

"Half Nelson" es, sin duda, otro producto más de la marca 'indie', en los que hay que rebañar para encontrar sinceridad de verdad.

Apocalypto

Si tuviésemos que apuntar con un dedo al primer alma artística libre que viésemos deambulando por Hollywood, seguramente acabaríamos con un dolor de brazos descomunal. Se cuentan con los dedos de una mano (¿Clint Eastwood?, ¿Woody Allen?), por lo tanto, toparse con uno de ellos es siempre una satisfacción, por mucha repugnancia que nos den sus ideas políticas o sus actos (in)cívicos. Buena muestra de ello es Mel Gibson, católico practicante, homófobo, lindezas varias que todo buen espectador, mal que nos pese, deberíamos obviar al enfrentarse a su obra creativa. Básicamente, porque de él es lo (único) que nos (debería) importa.

El señor Gibson, consciente del cariz suicida de sus proyectos megalómanos, no duda en financiárselos él mismo. Lo hizo con su apabullante versión de "La Pasión De Cristo", película de indudable magnetismo que se veía lastrada por un excesivo, en ocasiones, barroquismo visual. Y lo ha hecho con la impecable "Apocalypto", rodada en lengua maya y con actores no profesionales provenientes de tribus indígenas.

"Apocalypto" es una obra que aturde los sentidos, viva como un organismo pensante y pluricelular, que no se debe ver como tratado histórico de una época, conclusiones derivadas de una desafortunada promoción del film. Ante todo, se debe disfrutar como la gran obra de aventuras que es, atemporal y universal. Una historia que versa sobre el saqueo y destrucción de un poblado maya, la huida de uno de sus prisioneros, y la posterior venganza por parte de éste último.

Gibson narra a la perfección todos y cada uno de los sucesos que se nos presentan en pantalla, con un sentido del ritmo impecable (con una profusión de secuencias en fundido que nos sirve como herramienta para el respiro) y una belleza plástica más allá del gore infundado que les han querido ver sus detractores. Si bien es cierto que "Apocalypto" es una película violenta, nunca deja de estar enmarcada dentro de los parámetros del cine de aventuras, una violencia efectiva pero inofensiva, que no se adentra en los resortes de lo malsano y que únicamente ilustra el magnetismo bestial de una época. Época en la que no evita dejar su huella visual de educación judeocristiana (¿Acaso no se establecen paralelismos entre la subida de Jesucristo al monte de los olivos, y la peregrinación doliente de los prisioneros mayas atados en hilera a troncos por los brazos? ¿O ese gusto por el enfoque de las heridas convertidas en yagas?) o su ensalzamiento por valores como la familia (el más importante con el que cuenta la película), retazos para nada incómodos que se aceptan gustosos una vez que se entra en su maravilloso y frenético juego de cine de acción.

En el lado de los contras, podríamos achacar un ingenuo maniqueísmo a la hora de retratar a los villanos de la historia (esos huesos que adornan sus musculados cuerpos, esas miradas furibundas, esos actos de sadismo), el gusto del australiano por aderezar sus películas con unos cuantos planos en cámara lenta, o ciertos pasajes que no aportan más que espectacularidad, sin darle enjundia a la trama (véase la caída del árbol, por ejemplo). Sin embargo, no dejan de ser bobadas si las enfrentamos al conjunto, una película de aventuras y acción como las que ya no se hacen.

Videodrome

Un productor de vídeo para televisión, Max Renn, queda fascinado por unas escenas que emite su televisor, aparentemente producidas por la emisora pirata Videodrome. Las imágenes representan unas escenas de torturas grabadas con el realismo de las “snuff movies”. En su obsesión por este programa le acompaña una presentadora que se cita al ver estas emisiones. Un misterioso complot parece organizado por un científico, que sólo se comunica con Max a través de la pantalla del televisor, y que está dispuesto a colonizar la mente de los espectadores. En su búsqueda del origen de Videodrome, Max resulta expuesto a las emisiones y comienza a sufrir una serie de transformaciones físicas. Obligado a actuar como un asesino por Videodrome, termina enfrentándose a sus responsables, que le ordenan suicidarse.

La crítica dijo...

“Vista en vídeo, Videodrome provoca una extraña sensación de angustia y plantea un metalenguaje invisible en la gran pantalla. Una gran película que cada uno interpretará según su intuición, y que fue descrita por Andy Warhol como La Naranja Mecánica de los 80.”
Rubén Lardín “David Cronenberg” (4)


“Imágenes malsanas, enfermizas, de torturas, asesinatos y mutilaciones, que ejercen una vampírica fascinación en sus espectadores, y de las cuales no pueden apartar la vista. Imágenes que crean adicción, pero también uno tumores cerebrales causantes de tenebrosas alucinaciones, concebidas por el Orden como herramienta para dominar a las masas mediante la deformación de la realidad; esto es, de su percepción de lo real. Imágenes peligrosas no sólo por la monstruosidad científica y técnica que las genera, sino por la doctrina política que las sustenta.”
Antonio J. Navarro “David Cronenberg. Los secretos de la nueva carne” (2)

“La obra maestra del período netamente gore y fantástico de Cronenberg, y una pesadilla seminal que generó gran parte del movimiento Splatterpunk, el concepto de Nueva Carne y la biomecánica cyberpunk de un solo plumazo. Onírica y agobiante, con increíbles Fx de Rick Baker, llena de elementos perturbadores (sadomasoquismo, televisión snuff, conspiraciones políticas...), sumerge al espectador en un universo que encuentra sus paralelos en la Interzona de William Burroughs, los Mitos de Cthulhu de Lovecraft o las realidades simuladas de Philip K. Dick. Su influencia ha sido decisiva en la obra de cineastas como Tsukamoto, Barker, Oliver Stone y otros maestros contemporáneos del cinema visionario. La sublimación del splatter y su transformación en metáfora poética de la condición humana en la Era Postindustrial. Enigmática y visceral, comprensible sólo a nivel intuitivo, y poderosamente visual. Una obra maestra.”
Jesús Palacios “Videodrome”(3)

“Videodrome concreta, sintetiza y define por completo todas las nociones que hasta entonces ha barajado el cine de Cronenberg y termina especificando por primera vez el concepto de Nueva Carne, un estado supremo de conocimiento psíquico y transformación física en el que la materia orgánica biológica se funde con la mecánica para dar como resultado un nuevo ser. En la película el director aborda temas como el de las Snuff movies, el control de la información y la dependencia audiovisual a través de un estilo tan alucinado como las sensaciones que vive el protagonista de la historia. Película de múltiples lecturas, Videodrome supuso un adelanto de los vericuetos por los que estaba a punto de adentrarse su filmografía, que ya no abandonará los terrenos de las relaciones entre sexo y violencia, mutación, enfermedad y manipulación de la mente. Obra maestra tanto como de culto, hoy Videodrome se revela como un título fundamental a la hora de valorar la figura de su inclasificable director.”
Eduardo Guillot “Videodrome.” (5)

“Obra maestra del género que tuvo una decisiva influencia en el desarrollo posterior del concepto de Nueva Carne en el cine y la literatura, y que supuso una exploración visionaria de los miedos y deseos del hombre en la cultura postindustrial, además de contener una peculiar exposición de las teorías sobre la comunicación de Marshall McLuhan, cruelmente parodiado en el personaje de Brian O´Blivion.”
Pedro Duque “Larga vida a la carne nueva.” (6)


“Sin lugar a dudas, la película más importante, no ya de género fantástico, sino de todas las realizadas en la década de los ochenta, y la que más ríos de tinta ha hecho correr. Creador de una nueva filosofía, se adelantó unos cuantos años en temas referentes a la realidad virtual (incluso se atreve con un rudimentario casco que reproduce en la mente del paciente una realidad alternativa), a la acuciante violencia audiovisual (por aquel entonces ya se hablaba de “Snuff Movies”; Cronenberg no tuvo que esperar a que ningún Amenábar le explicara lo que era eso) y a la exploración de la mente por parte de individuos extraños, ya sean humanos o artificiales. Obsesionado por los guiños a la televisión y al mundo de la percepción visual (hay una congregación religiosa llamada “Misión del rayo catódico”; el centro de operaciones de Videodrome se encuentra ubicado en una óptica; la película se desarrolla dentro del mundo de la televisión), la película recorre todas y cada una de las obsesiones que venía delimitando la enfermiza mente del cineasta canadiense: observamos las sugerencias al sexo raro en la “vagina” que atraviesa el torso de James Woods y el “pene-pistola” que la atraviesa; en la relación sado-masoquista con Deborah Harry (en quien encontramos un claro representante de la doble moral judeo-cristiana que asola como la peste la actual sociedad norteamericana); observamos la manipulación de la carne, tanto en los ejemplos antes citados como en la creación de un nuevo órgano que suponga la elevación a un nivel superior en la mente humana, que lo aleje aún más de su semejanza con nuestros amigos los primates; observamos la conspiración de un orden superior para estabilizar una nueva sociedad (un paralelismo con las plagas expuestas en “Vinieron de dentro de...”, “Rabia” o “Scanners”,- en ésta última, más que plaga, el intento de crear una raza superior para la consecución de un fin-.), a modo de moderno “1984”. Película, como vemos, fundamental para entender el posterior cine fantástico, influyendo en innumerables campos de la literatura y el cine: van desde el manga hasta las películas de Amenábar, pasando por las obras de Shinya Tsukamoto, David Lynch, Clive Barker... Imprescindible.
Antonio J. Bret Bermúdez


“El film más delirante e inclasificable de Cronenberg, memorable por lo arriesgado de sus propuestas y la sugestión que encierra su acabado cinematográfico, si bien denota cierta incoherencia argumental (casi beneficiosa de cara al resultado final, bien mirado). Un fracaso comercial en su día, y una película de culto en determinados círculos hoy.”
Carlos Aguilar “Videodrome” (12)

Anécdotas

Videodrome es su primera película distribuida por una gran compañía, la MCA/Universal.

La protagonista, Deborah Harry, es la vocalista del grupo musical Blondie, de actualidad por la aparición de un nuevo disco.

Los Fx son de Rick Baker, que el año anterior había ganado un Oscar por Un hombre lobo americano en Londres.

A raíz del tema de las Snuff Movies, Cronenberg afirma: “Estas películas me interesan mucho, pero no existen. Todo el mundo quiere creer que existen, pero el snuff movie es el invento de unas personas que querían hacer dinero. Luego, este invento fue utilizado por motivos políticos por los grupos de presión antipornografía, que creían haber encontrado un argumento más a favor de su lucha. Para volver al snuff movies, ¿por qué correr el riesgo de matar a una persona ante una cámara, si con los nuevos maquillajes es más fácil trucar el asesinato? Ni siquiera se necesita demasiado dinero para hacer algo parecido, basta con un poco de savoir faire para hacer que un asesinato parezca real y además sin el riesgo de acabar entre rejas. Al Goldstein ofreció $15.000 a la persona que consiguiera un snuff, y nadie pudo conseguirlo, ya que no existen. ¿Quiere snuff? Lo tiene gratis y legal en la CNN. Hay asesinatos televisados todos los días. Todo pasa en directo, y yo observo tranquilamente el espectáculo, sentado en mi sofá. Antes, el snuff era underground; hoy en día, es accesible al público en general.

Videodrome se vio castigada por la incomprensión, primero, de productores (que la mutilaron sin piedad) y exhibidores (la retuvieron largo tiempo antes de estrenarla), y luego por la de público y crítica, que prefirieron no entrar a desentrañar la complicada tela de araña tejida por Cronenberg.

Coste

$6.000.000

La Zona Muerta (The Dead Zone)

El nombre de Stephen King era ya más que popular a principios de los 80 y ya habían sido llevadas a la pantalla cinco de sus novelas. Dino De Laurentiis, famoso productor italiano, no tardó en hacerse con los derechos de su sexta novela la Zona Muerta. El director escogido para llevar a cabo la adaptación parecía ser Stanley Donen pero, por lo que fuera no devino en el firmante, así que finalmente es Cronenberg quien acepta el proyecto. Stephen King escribió varios guiones de su propia novela pero ninguno fue aceptado: “El guión de King era terrible, muy malo –asegura Cronenberg -. El asesino de Castle Rock devenía en protagonista a mitad de la película que empezaba con Greg Stillson torturando a un niño en una habitación siniestra. Era tan malo que, de haberlo dirigido, los fans de Stephen King me habrían acusado de destrozar su novela.” Después de eso, De Laurentiis le encarga una versión al director polaco Andrzej Zulawski. Cronenberg nunca llegó a leer esa versión, ya que cuando Debra Hill se incorporó al proyecto como productora se acabaron los problemas: Jeffrey Boam trabajó en la versión definitiva con la supervisión de Cronenberg, haciendo de La Zona Muerta una de las mejores adaptaciones de King, junto a Carrie y El Resplandor.

Argumento

Johnny Smith es un maestro de escuela a punto de casarse con Sarah Bracknell, pero un desdichado accidente de tráfico durante una noche de tormenta lo sume en un profundo coma que habrá de durar un lustro. En ese tiempo Sarah se ha casado con otro hombre y Johnny descubre que hay en él algo nuevo, una capacidad extrasensorial que le permite visualizar el pasado o futuro de cualquier persona con sólo tocarla.

La crítica dijo...

“Los personajes de la película, que muestran motivaciones de orden existencial, presentan un trazo más esquemático de lo que es habitual en el director. Como espectador la entiendo cruel, que habla de personas desesperadas y que le debe una parte muy grande de su carga emocional al trabajo de Christopher Walken.”
Rubén Lardín“David Cronenberg.” (4)

“La Zona Muerta ofrece, con relación a Scanners, una tenue mejoría. Como principales causas de ello deben enumerarse su tono oscuro y lánguido, la excelente interpretación de Christopher Walken, la inventiva visual de algunas secuencias y poco más. Gran parte de culpa de la baja calidad de la película la tiene el nefasto guión de Jeffrey Boam, estructurado en los tres tiempos dramáticos y clásicos.”
Antonio J. Navarro “David Cronenberg, los secretos de la nueva carne.” (2)

“Insustancial y soporífera adaptación del ya de por sí poco brillante original de Stephen King, que supuso el debut del canadiense en el cine USA.”
Carlos Aguilar “La Zona Muerta.” (12)


Anécdotas

La zona muerta del título se refiere al espacio en negro que Johnny reconoce en algunas de sus visiones. Cuando aparece la zona muerta, Johnny sabe que tiene la posibilidad de alterar los acontecimientos venideros.

La Zona Muerta representó un cambio importante para Cronenberg. Se trata de su primera película de producción americana.


Coste y premios

La película tuvo un presupuesto de $10.000.000 y se llevó unos cuantos reconocimientos oficiales del desaparecido Festival de Avoriaz de ese año, además de ser nominada en siete categorías a los premios americanos Edgar Allan Poe.

Scanners

Dick Schouten fallece inesperadamente, y Vision 4 se disuelve para dar paso a Filmplan International, formada por Solnicki, David y el productor de Cromosoma 3 Claude Hèroux. En ese momento Filmplan pretende producir tres películas para vender en paquete, y le propone a Cronenberg volver a The Sensitives como plato fuerte del trío. La condición es que en dos semanas tiene que estar lista la preproducción. A finales del 79 se comienza a rodar Scanners, en Montreal, sin guión. Cronenberg se ve obligado a escribirlo día a día, y Carol Spier tuvo que ir improvisando como pudo ese mundo futurístico que se ve en la película. Los otros dos proyectos que completaban el paquete de Filmplan no llegaron a tocar tierra, pero Scanners pudo terminarse convenientemente.

Argumento

En un futuro cercano existen más de doscientos telépatas conocidos como exploradores. Consec, organización especializada en armamento y seguridad internacional, cuenta con el Dr. Paul Ruth para que reclute a todos los exploradores posibles, con el fin de utilizarlos en misiones de inteligencia. Ruth captura a Cameron Vale, un explorador del que se valdrá para conocer la infraestructura del grupo de iguales que dirige Darryl Revoc. Cameron descubre que Revoc fabrica grandes cantidades de ephemorol, sustancia que, administrada a mujeres embarazadas, origina bebés exploradores.

La crítica dijo...

“Cronenberg busca nuestro sistema nervioso minando la película de juegos antagónicos y metáforas ambiguas: el científico inventor del ephemorol como calmante para gestantes, después revelado como causante de la especie exploradora, y años después pastor de su camada o el bien alojado en la carcasa del mal, tras el duelo final entre hermanos exploradores.”
Rubén Lardín“David Cronenberg.” (4)

“Todas las virtudes de Scanners se vienen abajo ante la presión de un engolamiento visual decorativista y un ritmo moroso, cansino, causante al final de grandes dosis de confusión y tedio. Cronenberg articula un ejercicio de estilo que en muchos instantes se le escapa de las manos.”
Antonio J. Navarro “Los secretos de la nueva carne” (2)

“Un argumento muy flojo y en absoluto original, pese a su sofisticado envoltorio, para un film harto exitoso del polémico Cronenberg, de cierto interés pese a su aplastante monotonía visual y temática.”
Carlos Aguilar“Scanners” (12)

Recaudación
La película se encaramó a los primeros puestos de taquilla en EE.UU., convirtiéndose en su primer gran éxito de público.

Cromosoma 3 (The Brood)

En esos momentos, David Cronenberg tenía acuerdos con Vision 4, una compañía encabezada por Victor Solnicki y Dick Schouten en asociación con Pierre David, se centraba en una historia titulada The Sensitives, una revisitación a la temática de Stereo. Sin embargo, problemas personales del director le impidieron atenerse a lo convenido: “Yo intentaba escribir The Sensitives, pero lo que salía de mí era algo distinto, era como escritura automática. Entré en la oficina de Solnicki, le entregué una primera escritura y le dije: “Aquí tienes el guión. No se trata de lo que habíamos hablado. En realidad, no tiene que ver absolutamente nada.”.” Así nació Cromosoma 3, en 1979.

Argumento

Frank Carveth vive con su hija Candice de cinco años; su mujer, Nola, está internada en el Instituto Somafree del Dr. Raglan por su desequilibrio mental, y cada cierto tiempo recibe la visita de Candice. Un día, mientras baña a la niña, Frank descubre en su espalda marcas de golpes, arañazos y mordeduras; de inmediato sospecha de su mujer y no va a permitir que vea a la niña. En ese momento, empieza a investigar por su cuenta. Al poco tiempo, mientras cuida de su nieta, la suegra de Frank es asesinada a martillazos por un niño deforme. Después morirá su marido, y más tarde la profesora de Candice, todos a manos de misteriosas criaturas.


La crítica dijo...

“Está visto que no sólo el amor es la gran fuerza creadora que mueve el mundo, también el odio puede generar, amén de horribles monstruitos, grandes obras.”
Rubén Lardín “David Cronenberg.” (4)

“El clima del film resulta tan sofocante como las desnudas paredes del barracón donde el Dr. Raglan asiste a Nola. Tan turbio como la pétrea faz de Raglan durante sus sesiones terapéuticas, escarbando sin escrúpulos en el angosto inconsciente de sus pacientes. Tan siniestro como los hijos extra-uterinos de Nola, los hijos de su odio, de su represión, prueba viviente del éxito de las teorías psicoplásmicas.”
Antonio J. Navarro “Los secretos de la nueva carne.” (2)

“A ritmo de thriller, Cronenberg construye una metáfora oscura y trágica de los conflictos psíquicos y sexuales que generan las relaciones de pareja.”
Jesús Palacios“Cromosoma 3” (3)

“Indiscutible que a tan fascinante historia se le podía haber sacado mucho más partido, pero con todo un film considerable y de lo mejor de Cronenberg.”
Carlos Aguilar“Cromosoma 3” (12)


Anécdotas

Cronenberg escribió Cromosoma 3 en delicado momento de su vida: “Por entonces yo luchaba por la custodia de Cassandra, la hija de mi primer matrimonio. Un día recibí una llamada de mi ex – mujer, diciendo que había decidido trasladarse a California por razones religiosas y que iba a llevarse a Cass con ella. Le dije que vale, que le fuera muy bien y que hasta otra. En cuanto colgué me fui al colegio de mi hija y la secuestré; bueno, no fue realmente un secuestro, pero el caso es que me la llevé. Actualmente todavía nos estamos disputando su custodia.”

“Es mi película más clásica, tiene una estructura circular, en la que cuando todo parece acabar, se descubre un nuevo comienzo. Fue difícil mantenerse firme en la escritura, ya que las interrupciones autobiográficas eran continuas. Hay líneas de diálogos, de monólogos o impresiones absolutamente reales, vividas por mí. Es mi guión más autobiográfico. Fue una experiencia interesante y muy potente para mí el ver aquella violencia en la pantalla, resultó muy aliviante y la impresión final fue muy satisfactoria: durante el clímax deseaba estrangular a mi ex - mujer.”

Coste
$1.500.000

Fast Company

A finales de los 70, a raíz de una propuesta de financiación que permite a cualquiera invertir en una película, Cronenberg tiene la oportunidad de dedicar su siguiente proyecto a una de sus pasiones más queridas: los deportes de motor.

Argumento

Esta es una película sobre carreras de coches en Edmonton, en la provincia de Alberta.

La crítica dijo...

“Planos subjetivos de los pilotos, explosiones, motores rugientes... poco que ver con el terror.”
Rubén Lardín “David Cronenberg” (4)

Anécdotas

Esta película es importante para Cronenberg pues le permitió trabajar con Mark Irwin como fotógrafo, Carol Spier en el diseño de producción, Bryan Day controlando el sonido y Ron Sanders montando; un equipo que a partir de ahora se hará imprescindible para el director en casi todos sus films venideros.

Claudia Jennings, una “chica playboy”, murió poco después del rodaje en accidente de coche. Fast Company nunca fue distribuida.

Rabia (Rabid)

Los de Cinepix le pidieron un nuevo guión a Cronenberg, debido al éxito de su anterior obra. Éste presentó a la compañía uno titulado Mosquito, que más adelante sería conocida con el título de Rabia.

En un primer momento, Cronenberg quiso contar con la presencia de Sissy Spacek tras haberla visto en el film de Terrence Malick del 73 Malas Tierras, pero John Dunning, su productor, dijo que Spacek era demasiado pecosa para el papel, y que además tenía acento tejano. Ivan Reitman pensó en Marilyn Chambers, una actriz poco popular de no ser por su intervención en un famoso spot publicitario de la época: aquel cuyo slogan era “pura en un 99,44%” haciendo referencia a la eficacia higiénica del producto, un jabón infantil. Pero Marilyn no era tan pura como hacía referencia el anuncio, pues la Chambers había participado en el porno de culto “Detrás de la Puerta Verde” de los Hermanos Mitchell.

Argumento

Rose es una chica que sufre un accidente de moto junto a su novio y es intervenida de urgencia en una clínica de cirugía estética. Tras una temporada en coma, Rose desarrolla un parásito de la rabia, que la llevará a extender la infección en sus incontrolados ataques. La epidemia se propaga hasta cotas exageradas, llegando a imponerse la ley marcial.


La crítica dijo...

“Rabia es otro estrujón al tema del contagio colectivo, que se resume como la metáfora pesimista de un mundo resignado a la plaga (...) pero ahora la estructura es más astuta y los resultados son académicamente más limpios.”
Rubén Lardín “David Cronenberg.” (4)

“Rabia, film bastante melancólico, es muy superior a Vinieron de dentro de... al poseer, “la fiebre nerviosa de una historia bien contada.” (13) El evidente dominio del medio que ostenta Cronenberg en este título encuentra su justa ilustración en la meticulosa progresión lineal del relato, ritmada por el acabado montaje paralelo de la acción y la cuidadosa composición del encuadre”
Antonio J. Navarro “David Cronenberg. Los secretos de la Nueva Carne.” (2)

“Una variante romántica y visceral de las obsesiones misóginas habituales de su, ahora, sofisticado realizador.”
Jesús Palacios “Rabia” (3)

“Uno de los primeros delirios quirúrgico – misóginos del polémico Cronenberg, con la famosa porno star Marilyn Chambers de protagonista, detalle que dio mucho que hablar.”
Carlos Aguilar “Rabia” (12)


Anécdotas

La película provocó algún que otro berrinche entre las feministas, que acusaron a Cronenberg de retratar a la mujer como un depredador sexual. Al respecto, el autor comenta: “El cine terror parte de bases muy inherentes al ser humano, y los temas que trata también lo son, particularmente la muerte y por supuesto la sexualidad; vida, muerte y sexualidad son temas que van unidos. No puedes hablar de ninguno de ellos sin hablar de los otros dos, y el terror es un género que propicia la discusión de esos asuntos. En Rabia todo el mundo es desagradable en uno u otro momento: hombres, mujeres, homosexuales, niños..., todos. Si de algo se me a de acusar es de misántropo, aunque no creo serlo.”


Coste y recaudación

El precio de coste fue de $530.000 y consiguió recaudar $7.000.000.

Vinieron De Dentro De... (They Came From Within)

Al término de realizar Crimes of the Future y debutar en la dirección para televisión con un capítulo de media hora para la serie Programme X, Cronenberg acude a Cinepix, una pequeña distribuidora de películas eróticas del país. Formada por André Link y John Dunning, Cinepix se interesa por el siguiente proyecto de Cronenberg, un guión llamado Orgy of the Bloody Parasites. John Dunning busca financiación en la CFDC, pero fue rechazado de inmediato. En ese momento, la política del CFDC era colaborar con películas que más tarde pudieran reportar beneficios a la industria cinematográfica canadiense, y consideraron el proyecto como demasiado extraño y experimental.

Cronenberg buscó en todas las compañías productoras dedicadas al terror de bajo presupuesto dinero para realizar la película. Cuando llegó a Los Ángeles se encontró con Jonathan Demme (realizador de El Silencio de los Corderos, entro otras). Para el estupor de Cronenberg, a Jonathan Demme le habían ofrecido dirigir Shivers (que ese era el nuevo nombre de Orgy of the Bloody Parasites). Cronenberg quedó muy desilusionado ante esta traición: los chicos de Cinepix querían su guión, pero buscaban a otro para dirigirlo. Cuando regresó a Toronto se encontró con un mensaje de la distribuidora diciéndole que han conseguido el apoyo del CFDC para la película y han decidido que la dirija él. El presupuesto será de $180.000, y de la producción y la banda sonora se encarga Ivan Reitman, un checoslovaco habitual del ambiente underground, que años más tarde se hará popular gracias al bombazo de Los Cazafantasmas.


Argumento

Edificios Starliner. Un complejo residencial de lujo, en una isla de ensueño a solo doce minutos de la ciudad. En éste, reside un doctor que cree que el hombre ha perdido su capacidad instintiva. Para ello, crea una especie de parásito que exalta las sensaciones inhibidas por la moral social y se transmite por contacto físico directo a través de la boca o por cualquier otro orificio corporal. La libido de los portadores se ve afectada hasta el punto de sentir un enfermizo deseo sexual.


La crítica dijo...

“En la película Cronenberg cristaliza varias de las actitudes más negativas de nuestra sociedad sobre el cuerpo, la sexualidad, las mujeres y todos los pensamientos progresistas.”
Robin Wood “Un point de vue dissident sur Cronenberg.”

“El convulsivo nihilismo que rezuma la película rechaza una visión estática de existencia. Cronenberg no mantiene postura moralista alguna ni pretende asentar discursos constructivos (...) puesto que su punto de vista es sobrio y distanciado. La violencia de cierta secuencia está al servicio del necesario contraste estético para entender la cinta.”
Antonio José Navarro “David Cronenberg. Los secretos de la Nueva Carne.”

“Un escalofriante y repulsivo cruce entre La Noche de los Muertos Vivientes y La amenaza de Andrómeda. Brutales Fx de Joe Blasco, ambiente claustrofóbico y el retorno de Barbara Steele al cine de terror, para una especie de metáfora profética sobre los excesos de la era del amor libre, de los 60, y su apocalíptico final a causa del SIDA.”
Jesús Palacios “Vinieron de dentro de...”

“La revelación de Cronenberg y un film muy mediocre, pese a lo divertida que resulta su determinación de reunir los esquemas narrativos de La Noche de los Muertos Vivientes y El Coloso en Llamas en una especie de himno a la truculencia que la catapultaría a la condición de minimito.”

Carlos Aguilar “Vinieron de dentro de...”

Anécdotas

La película ostenta unos apañados Fx cuando se trata de mostrar a los revoltosos gusanoides en el interior del estómago de las lujuriosas cobayas: “usamos globos bajo el torso falso de Allan Migikovsky. No se nos ocurrió utilizar condones, hoy en día lo más usado, sino globos; simple y brillante.” Un trabajo eficaz de Dick Smith. No tan brillante es la presencia de los bichos, más falsos que un billete de 2.367 ptas.: “los gusanos estaban hechos con espuma de látex y con un muelle dentro para darle elasticidad. Normalmente eran manipulados por filamentos de hilo de pesca, nada muy elaborado. Muchas veces se solucionaba en el montaje, o si no con las técnicas más simples. Por ejemplo, cuando el bicho husmea alrededor del desagüe de la bañera, Danny Goldberg, el ayudante de dirección, hacía de marionetista con el dedo desde abajo.”

Una escena muy recordada por los mitómanos es aquella en la que Susan Petrie besa a Barbara Steele. Precisamente fue esa la primera escena que Barbara hizo a su llegada al rodaje. Por lo visto, Susan tenía problemas para llorar ante la cámara, ni siquiera la cebolla hacía efecto, y en última instancia, le pidió a Cronenberg que la abofetease ante de la escena. Y así fue: antes de gritar acción, David y Susan fueron a la cocina, y el resto del equipo permaneció atento oyendo los sopapos, uno detrás de otro, que culminaron en el sollozo de Susan. Barbara estaba alucinando, y después de la toma “se levantó - recuerda Cronenberg -, me cogió por las solapas y me levantó diciendo: “¡eres un cabrón! He trabajado con algunos de los mejores directores del mundo, he trabajado con Fellini, y nunca en mi vida he visto a ninguno tratar así a una actriz. Eres un cabrón.” Cuando estaba a punto de darme un puñetazo le dije: “no, Barbara, no me pegues. Ella me lo ha pedido, no me ha gustado hacerlo, pero tenía miedo de que hubiese que repetir la toma...”. “¿De verdad?.” “De verdad.” Barbara me ofreció su ante brazo y me pidió que le demostrara con qué fuerza había golpeado a Susan. La golpeé. “¿Así de fuerte?” preguntó. “Sí” respondí. “Hmmm” dijo ella. Después hubo una pausa y ella mantuvo su mirada fija sobre la mía. Luego me preguntó: “¿Tengo que llorar yo en alguna escena?”.”


Coste, recaudación y premios

Tuvo un presupuesto de $179.000, y consiguió recaudar $5.000.000; además recibió el Premio Mejor Película en el Festival de Cine Fantástico Sitges en 1976.

Sally Shapiro

El italodisco mola, señores. Ahora que a Coca-cola le ha dado por recuperar el mega-hit de Baltimora "Tarzan Boy" es buena oportunidad de hacer mención a un género lo suficiente denostado por la crítica ''seria'' como para que el que esto suscribe se acercara con cariño y, he de reconocerlo, la piedad que se merece todo aquel que es marginado por la masa intelectual. El italodisco es, ni más ni menos, que música disco originada (y originaria) en Italia, con un acento preeminente en las líneas de sintetizadores futuristas. A finales de la década de los 80, un latino aficionado a mover las caderas llamado Giorgio Moroder le da por experimentar con los primeros sintetizadores, añadiendo a sus queridas canciones house provenientes de la negroide chicago, un tapiz galáctico que le venían como anillo al dedo para desligar un poco el monótono cariz sexual y sudoroso que tanto le debía el house al funky, y expandir un nuevo concepto de lujuria un tanto más futurista, glamourosa y cibernética. Si recordáis los gloriosos temas que realizó junto a Donna Summer sabréis a lo que me refiero. Durante los primeros años de la década de los 80 fue cuando el italodisco gozó de una mayor aceptación entre las discotecas (antes no eran clubes) de toda Europa, creando gemas hedonistas (que en ocasiones han pasado a formar parte del imaginario colectivo) tales como "Boys" de la neumática Sabrina, la melancolía preñada de piano de Gazebo en "I Like Chopin", las letras dadá de Righeira (¿recuerdan 'No Tengo Dinero' o 'Vamos A La Playa'?), la 'Dolce Vita' de Ryan Paris, el italotravestí de Miko Mission en "The World Is You" (con uno de los estribillos más descacharrantes que recuerdo: 'Barcelona yo tengo corrida en la plaza de toros/Now in New York I´m Singing For You/Oh, Oh, Oh'), el "Baila Bolero" o el "Happy Station" de las pizpiretas Fun Fun, la sensualidad MILF de Spagna en "Call Me" o "Easy Lady"...
Entrando en la primera década del Siglo 21, un resurgir del electro propició que muchas bandas tomaran el camino italo para bordar canciones exquisitas, llámense Legowelt, Bangkok Impact, Orgue Electronic o, si me apuran, los mas houseros Metro Area o Michael Mayer, casándolo con el minimal aleman. Y en este 2007 ha aparecido (mentira, el disco se publicó en diciembre de 2006) el disco de una chica desconocida, que no da entrevistas, rubia, llamada (falsamente) Sally Shapiro. Un disco que rezuma italo por los cuatro costados, un pedazo de galleta producida por el sueco Johan Agebjörn (1), que de haber salido unos cuantos meses antes habría encabezado más de una lista (en el webzine pitchforkmedia puntúan con un 8,5 su disco). "Disco Romance", ya desde su bello título, es toda una declaración de intenciones, amor a un estilo plagado de canciones de éxito efervescente y estribillos pegajosos. "I´ll Be By Your Side", "I Know" (Moroder 100% y una de las mejores canciones que el que esto escribe ha escuchado en mucho tiempo), "Find My Soul", "Anorak Christmas"...hit tras hit van cayendo, mientras no podemos más que seguir abriendo los ojos y limpiarnos las babas, frotándonos los ojos (y los oídos) para hacernos creer que sí, que es una realidad, y que ojalá haya venido para quedarse.
Aunque todo apunta a que Sally Shapiro sea una inteligente invención del señor Agebjörn (en su web declara que Sally es muy tímida, que dará muy pocas entrevistas sólo vía email y que se trata de un proyecto de estudio), seguramente este sea el comienzo de más gozosas canciones de esas para bailar 'con lágrimas en los ojos': melancolía y hedonismo, gracias a Sally Shapiro. No se la pierdan, por lo que más quieran.


(1) Johan Agebjörn es sueco y productor de música electrónica, único miembro de un proyecto de ambient y reciente padre de familia, criado en la composición de piano clásico.